Sunday, March 22, 2015

【電影】親愛媽咪 Mommy ─ 狠狠相愛是我們最擅長的事 (2014)

《親愛媽咪》所有的劇照,都應該是正方型的才對。

沒錯,這是一部令人喜愛的「正方形電影」,片中除了2個幻想橋段,其餘畫面皆以1:1的方式呈現,每一幕都充滿著使用Instagram濾鏡功能拍攝而別具有空氣感的tone調。曾經我們說某種風格化類型的影像表現是「MTV世代」的電影風格,如今,年輕人的眼球已不再流連電視,手機的小方框裡24小時流竄著更多更即時、更前衛新穎、更激烈的視覺洪流。透過智慧型手機世代的視覺語言,《親愛媽咪》註定與年輕世代有著強烈的視覺共鳴。

落日車神的導演Nicolas Winding Refn曾傳出在坎城影展杯葛多藍,但事後Refn對《親愛媽咪》一片提出了有趣的看法:他認為《親愛媽咪》最大的意義在於,電影不再屬於少數菁英,只要你有IPhone、有故事,找幾個人來演,電影便完成了。姑且不論這個稱讚是否有踩到檸檬的嘲諷嫌疑,注入更多生活應用科技的未來世代電影,也許也能漸漸形成一種類型。

回到絕美的正方形畫面。1:1的空間是侷促的。在1:1的空間裡,角色間的衝突、表情都變得更無所遁形,相愛的很強烈,相恨時也是。演員在表演時的距離也不能離太遠,觀眾的眼睛也不用跑太遠,沒有什麼能令你分心的空間,你的焦點全在演員的臉上。

看的過程中有點喘不過氣,我想這也正是導演的企圖吧,聰明的多藍用1:1的非寫實構圖,傳遞了一種極真實的、無處可逃現實感受。

「我們還相愛嗎...黛?」
「當然,這是我們最在行的。」

在《親愛媽咪》裡,我們很難定義暴力這件事。電影裡的母子關係因Steve的暴力傾向而瀕臨破碎,但巧妙的是,透過一個暴力的舉動也建立起Steve和Kyla的陌生情誼,那幾乎是我全片最喜愛的片段之一。

(自以為淘氣的)Steve搶走Kyla的項鍊,讓Kyla終於收起因口吃自卑的畏畏縮縮,以一種極度語言暴力的爆氣舉動給Steve顏色瞧瞧 (甚至嚇到尿褲子),兩人後來因Steve一句「你知道我是個好孩子的吧」而破冰,終於建構起一個平衡又互信的關係,整段一氣呵成、細膩又精彩。

我在想,多藍在《親愛媽咪》裡為何敢/想挑戰全1:1的正方形的視覺?因為他知道他的演員實在太棒了

這部電影對我來說玩味之處在於,它的確流露/刻意營造出一種新世代速食影像的趣味,看不太到過度技術操作的痕跡,但演員渾然天成的表現,又讓整部電影有著不可思議、極好的質感。

飾演媽媽和鄰居kyla的Anne Dorval與Suzanne Clément,都是跟多藍合作過的硬底子演員,但能挖掘到Antoine-Olivier Pilon這顆明日之星,便幾乎預言了電影的成功。Antoine-Olivier Pilon光看長相便有著渾然天成的叛逆暴力小子味,在Indochine的MV《College Boy》中雖尚嫌青澀 (MV還刻意拍成黑白的,完全向《四百擊》致敬啊!),但已有不被了解的慘綠少年氣質。在《親愛媽咪》中,Antoine同時又能展現內心極度巨大的愛:他對Die、對Kyla幾近滿溢心碎的愛,這是一種深陷青春風暴中才有的能量。

「母親不可能一覺醒來突然發現不愛自己的小孩,
唯一的可能是我會越來越愛你,
而你會漸漸的沒那麼愛我...。」

飾演媽媽的Anne Dorval ,日前在加拿大魁北克影視獎封后後,發表了讓人很有感的得獎感言:「沒有一個角色比母親更咄咄逼人。所有母親都有罪,無能、焦慮、疲倦、煩人,當然又老又古板。所有小孩都是自私、吵鬧、做作、折磨人、不守規矩、不知感恩又頤指氣使。但詩人繆塞曾說過:『如果世上還有一件神聖崇高的事情,能將這兩種殘缺恐怖的生物緊緊連接,那就是就是母子間無盡的愛。』 」

如果說導演多藍為何在完成《聽媽媽的話》多年後又來一部Mommy...,我想這其中奇妙的、無解的、痛苦卻又至理情深的母子化學效應,便是讓他樂此不疲 (靈感層出不窮) 的原因吧。致世上殘缺恐怖的生物們,請在狠狠的相愛之後,留下原諒與釋懷。

★ 本片獲得第67屆坎城影展評審團大獎

Monday, March 09, 2015

【2014金馬】愛情的模樣 The Way He Looks (2014)

去年我看了三部跟盲人有關的電影:《推拿》《盲》以及《愛情的模樣》。《推拿》是三部中最寫實也最沉重的,它講盲人與社會的關係、盲人的對所謂正常人際的想望與情慾探求,充滿了衝突與碰撞。而北歐電影《盲》,則是完全關注盲人的內在 (想像) 世界,失去視力後,有時反而會得到更多:除了聽覺感官更加敏銳,想像力也開始無邊無際地恣意蔓延與擴張,《盲》這部片藉由一個失去視力的女作家的幻想世界,映照出自身的自卑和不安心境。

無論是《推拿》還是《盲》,都觸及了盲人族群的某種真實痛楚,結局也很難一派地開闊清爽。但《愛情的模樣》,則給了我們另一個乾淨歡快的新世代選擇,然後彷彿主角還不夠另類一般,除了眼盲還再多加一個同志身份,我看時忍不住想:這題材如果被韓國導演拿去可能會拍成一部狗血到爆表的劇...。

《愛情的模樣》在今年金馬影展得到很好的口碑,我想成功之處就在於整部電影輕巧的質地。除了故事本身說的很流暢之外,演員的選擇和表現、攝影、配樂都很有年輕世代一種融合了天真、無畏與浪漫的積極熱情,青春期必備的酸楚也點綴的恰到好處,就連海報也非常可愛。雖然對我來說,後座力淡了些,但若想看點清爽無負擔的小品,本片就像夏日裡端上桌的涼菜,極度適合。

「當你偷走了一個人的吻,該怎麼還回去呢?」

我個人很喜歡游泳池的拍攝視角,很有設計感,也巧妙點出兩男一女的微妙情感關係。我想這部片硬要簡單的類比,就是巴西版的《藍色大門》+《十七歲的天空》吧!沒想到熱情的南美洲處理起小清新,也是有模有樣頗有滋味呢,就連 Qoutes寫起來也充滿了少女般的粉色系氛圍呀。

【電影】迷走青春 The Tracey Fragments (2007)

先標出這部片三個重點: Ellen Page、子母分割畫面、配樂。

整張電影配樂都是由加拿大後搖團崩世光景Broken Social Scene操刀,敝人悟性太低,好像也只有在配合電影畫面的時候,會覺得後搖這個音樂類型好聽阿(掩面)。我特別喜歡這首《Horses》,不知道為什麼看到Johnny這個名詞就有一種慘綠少年的氣味,電影中一面響起這首歌、Tracey一面跑出家裡的淺藍色粗粒子手持鏡頭畫面,一直讓我印象深刻,就是那種一定要離開、卻又不知道要去哪裡的心情。

                                                    《Horses》
                                          ...The boy disappeared,
Johnny's on his knees,
Started crashing his head against the locker,
Started crashing his head against the locker,
Started laughing hysterically when...
Suddenly... Johnny... gets a feeling... he's being surrounded by...

「這是一個迷路的人尋找失蹤的人的故事。」

這部電影在07年的金馬影展是秒殺片,我想很大一部分是因為有Ellen Page的原因吧。《迷走青春》走的是標準MV式的實驗式電影風格,Low-Fi手持式攝影、瘋狂的分割子母畫面、小動作的凝視與放大、直視鏡頭的喃喃自語,拼湊、重複、重疊,一切都很後現代。

故事從Tracey尋找消失的弟弟Sunny開始,展開了一連串青春期少女的叛逆囈語與迷惘,自我認同的挫敗、在愛情的迷戀投射中迷失、自卑感罪惡感...,一切情緒一觸即發,與心理醫生的對談那段很有意思,我想Ellen Page應該演的很過癮,不但有Patti Smith式的搖滾LOOK,在電影中還髒話N連發(後半段也有不小的犧牲),整部電影充滿了文青會喜歡的調調,隔了多年再次觀看也還是會被其中一些元素吸引。

另外我對裡面一段文字很有感覺,是Ellen講她不喜歡鄉下的原因。「我不喜歡鄉下,因為水溝裡有屍體。女孩的屍體長出花,產生了花蜜,女孩的家人去店裡買了花蜜,於是女孩的家人吃了女孩。」有點類似鵝媽媽童謠的闇黑感我很喜歡。


Ellen Page在2014年於一場公開演說中出櫃,演講內容相當激勵人心,不知對她的好萊塢演藝之路是否會投下些許變數?但我還是懷抱祝福之心的想著:這個小女孩的迷走青春之旅,應該已經結束了。

【電影】蹺家女聲 The Runaways (2010)

如果要找電影裡有可愛的女角加上好聽的原聲帶,以美國第一個全女子龐克樂團The Runaways的成軍歷程為主題的《蹺家女聲》是個可以考慮的選擇─如果你夠喜歡80風情的搖滾。

本片簡單講就是加強版的金屬YA片,當初好像很多人都是衝著長大的Dakota Fanning,但老實說吸引我的是Kristen Stewart...的扮相,畢竟她裝扮起來跟Joan Jett是真有幾分神似阿。

Joan Jett至今仍是女子Hard Rock代表Icon,《I love Rock'n' Roll》、《Bad Reputation》、《I Hate Myself for Loving You》都是到現在還會聽到一堆Copy的神曲,Joan無論是金髮還是黑髮都一樣殺,到現在也還是很活躍,真的是史上最帥氣的女吉他手/主唱啊!儘管Kristen Stewart那麼用力詮釋,我只能說還是遠不及Joan Jett本尊的十分之一帥氣啊!

(我覺得Joan Jett成為日後許多漫畫或是電影裡,女子搖滾形象的原型,譬如NANA)

其實這片整體來說普普通通、不看不會死 (就是按照過去歷史真實演出),會看真的是因為我還滿喜歡Joan Jett,一直給我死氣沉沉感覺的Kristen Stewart在這片的演出到是非常適合,還有長大的Dakota Fanning一開場一段模仿David Bowie的演出令人眼睛一亮。

還有一段很有趣的是,在裡面非常慧眼識英雌然後性格又非常邪惡機車的經紀人Kim Fowley給女孩的台前特訓,叫一群小男生在她們練團時扔擲酒瓶、垃圾甚至狗屎,直到她們連眼睛都不會眨一下(甚至可以回擊)為止。

因為背景是華麗搖滾和Punk盛行的70年代,Kristen Stewart和Dakota Fanning的造型只能說是盡其所能的濃妝豔抹,我想大家還是覺得她們這樣比較可愛吧!:D

Joan Jett & the Blackhearts - I Hate Myself For Loving You (1998),金短髮也是帥翻

另一個沒啥戲份的吉他手Rita Ford,其實也是又辣又強的金屬妹一枚。
LITA FORD - Can't Catch Me

【電影】辣的要命 Jennifer's Body (2009)

要打出《辣的要命》這個中文片名恥度真的是有夠高...,台灣片商給力些好嗎!一定要讓人如此為難嗎...orz

OK,我發現自己除了會將喜歡的演員、導演的作品一網打盡外,有些喜歡的編劇也會以一種「一片都不能放過」的心態來蒐集,僅管片名讓人倒盡胃口...。會看《 Jennifer's Body》真的是因為我很喜歡《鴻孕當頭JUNO》的編劇Diablo Cody,我覺得她是一個很酷的女生(外表也很酷),對很多事情有很脫俗另類的觀點,因此才能寫出鴻孕當頭JUNO》如此別具特色的高中少女未婚懷孕故事,當然Megan Fox跟Amanda Seyfried雙姝對戲也讓我當初有點期待。

好像很多人覺得這片很爛、很俗麗,但很明顯的,編劇Diablo Cody 並不打算再寫一部JUNO》般的小清新,個人覺得若懷抱欣賞Cult片的心態觀來看此片,的確別有一番風情。我甚至覺得Diablo Cody 就是想寫一個帶有Cult氣味的異色小品,像是午夜校園怪談那種調調的故事:原本跟你每天膩在一起的好友,有一天突然充滿了魅惑吸引力,身邊的男生卻一個個消失,到底發生了甚麼事?或許,這一切要從一場搖滾演唱會說起...。

其實故事主軸 (如果硬要講的話) 談的是女性復仇、自我覺醒之類的,我特別喜歡最後結束上字幕、分割小畫面上演Amanda的角色去找樂團算帳的血腥畫面,十足風格化,是年輕世代會喜歡的酷帥調調。整部電影的配樂都是很流行的搖滾,EMO、Punk、POP、電氣、Hard Rock...兼具,網羅樂團包含Silversun Pickups、 Florence & the Machine 、All Time Low等年輕樂團...,相當流行悅耳也別具美式teen culture的次文化氣味。

Sunday, March 08, 2015

【2014金馬】青春勿語 (韓公主) Han Gong-Ju (2013)

韓國電影討人喜歡的特色之一,是「直接」。舉例來說,韓國電影很擅長處理「」的感覺,不管是暴力之痛、復仇之痛,還是現實之痛。然而這種痛也漸漸在轉型著,從早年的暴力緝凶片那種感官的疼痛,慢慢地開始有些作品描繪社會邊緣人內心與所處環境中幽微不可承受的黑暗之痛

《青春物語》是一部看了很心痛的電影,揭開校園性暴力的黑幕,同時女主角也被社會的暴力、親情的暴力、友情的暴力、媒體的暴力所包圍,她無法擁抱任何的依靠、無法懷抱希望,最後就這樣被絕望吞噬,然後最終你會知道─這一切狗屁倒灶的混帳事,居然是真實的社會事件,這個「真實發生」對觀眾而言,簡直就是沉痛的最後一擊。

我很喜歡女主角千禹熙的演出 (她也憑此片拿到韓國青龍獎最佳女主角),覺得選角選的很好,眼神裡看得到堅毅與絕望,雖然本人已經27歲了但還有青春少女的特質,演高中生並不違和,笑起來也很可愛。

因為電影改編自真實的社會事件,破碎的時序、不時出現的好友幽靈,都是增添事件懸疑感的加分手法。一般說來,韓國電影偏好把劇情處理的偏煽情與過火 (延續韓劇特質?),但《青春勿語》卻處理的滿恰到好處的,有些部份甚至有點冷冽,我還滿喜歡的。

「我的夢想只有一個,就是學會游完25公尺,
這樣我的人生一切都有可能重新開始...,
如果我改變心意的話。」

電影中女主角總像隻快溺水的小狗,奮力的想學會游完25公尺。對她來說,活在這個沒有希望的世界,就像是沒有氧氣一樣,窒礙難行,但她這麼渴望學會游泳,為了什麼?這個游泳的梗貫穿全劇,在結尾有了一個充滿想像空間的暗示,雖然我覺得,也許就這樣一了百了對她來說才是真正的解脫...。總之,謝謝導演留最終給了我們一片清澈的藍,讓觀影後的鬱悶之心得以抒發。

【電影】超脫末日 Last Days (2005)

Nirvana主唱Kurt Cobain在樂團後期便因毒癮問題不斷進出勒戒所,或許是盛名帶來的社會壓力、或許是不願再複製自己成功模式的創作壓力、或許是一切生活思緒的混亂...,他在1994年結束自己的生命,以一種非常激進的方式,先注射過量海洛英再飲彈自盡。

《超脫末日》裡的歌手不叫Kurt而叫Blake,但不管他叫甚麼,都不會有人去質疑這不是Kurt,那個淡金色的即肩髮型喚起了大眾最鮮明的油漬印象,一個90年代搖滾樂壇的代表ICON。葛斯范桑曾在1991年與Kurt有過一次會面,他當時見到的Kurt,是一個「不多話,但非常有領導魅力」的人。在Kurt最後一次逃離勒戒所到被發現死亡的中間,有幾天消失的時間,沒有人知道他去了哪裡?做了甚麼?感受到了甚麼所以做出如此決定?《超脫末日》便是描述在這段時間裡,一個即將離世的人所經歷極度空虛無助、低落自溺、喃喃自囈、混亂絕望的內在情緒。

葛斯范桑原本極富詩意性的流暢影像,在這裡變成更飄邈、碎片式的喃喃囈語。這是一個打破英雄神話的故事,沒有瘋狂叛逆的搖滾狂人姿態,只看的到一個極度迷失脆弱的遊魂。

錯亂的時序、前後倒敘等拿手的拍攝手法一樣沒有少,《超脫末日》裡大量使用了遠窺的鏡頭,像是Kurt在房間裡彈吉他,鏡頭拉遠,最後只剩爆裂的吉他音牆這一段我很喜歡。

整部片極度的自溺,彷彿一張當代抽像畫作,劇情很淡,但我很喜歡Ending的設計,將Blake死亡的場景與當年Kurt被報紙媒體從遠處拍攝的死亡現場重現,最後靈魂離開的一瞬間,很輕、也很重。子母畫面一面上字幕、警方人員一面進入現場驗屍、搭配著教堂聖歌,我們從超脫意境中重返現實。這是葛斯范桑青春死亡三部曲的最終曲,一切終將歸於平靜。


【電影】大象 Elephant (2003)

「你知道像我們這樣的人不少。」

你把電能提供給了電子,
他們發光之後,是會一直亮下去, 還是會耗盡能量?

「滾得越遠越好,不要回來。會有壞事發生的。」

葛斯范桑想說一個瞎子摸象的故事。任何人對一個事件都只會接觸一個點、一個面向,你永遠也無法知道另一個面向會是甚麼。你接觸到了甚麼,就在你心中定了形,成為你認知中全部的事實。

也因此,這個事件的本身並不是重點,甚至結局是大家都知道的,導演所關注的是事件中角色的情緒、心靈狀態與內在感受,拍攝手法非常細膩,充滿人性的幽微甚至處理地極富詩意。從早期《男人的一半還是男人》、《心靈捕手》、《大象》到《超脫末日》、《迷幻公園》、奧斯卡入圍作《自由大道》,儘管主題不同,但葛斯范桑大部分的作品都保有這種我喜愛的特質。

跟《迷幻公園》一樣,《大象》除了同樣描寫青少年群像,在拍攝上,也有近似的倒序演繹手法,一種反覆書寫的文學式電影敘事語言。此外,交換視野、多重跟拍與遠距拍攝的鏡頭運用,在這部片使用的淋漓盡致,也呼應了導演對這個影射科倫拜校園事件的故事所立下的觀點

全片節奏沉靜、鏡頭優美緩慢,近乎寫實紀錄片的手法,將優美的古典樂曲與校園殺戮結合在一起卻絲毫不古怪,葛斯范桑的鏡頭不夾帶任何批判的情緒,忠實呈現尋常的一天、幾個尋常的青少年、在其尋常的表面下所隱藏的情緒,其中不言可喻的感受就由觀眾自行慢慢咀嚼。

之前HBO半夜三點播送這片時,竟把一小段描寫校園男同志在淋浴間的畫面剪去,我一方面覺得這是形塑角色關係很重要的小細節、另一方面也覺得...HBO真不愧是剪片台,都已經半夜三點播是有什麼好剪的阿。

【電影】變腦 Being John Malkovich (2002)

想不想到我身體之內,想我所想,感覺我所感覺的?

「我為什麼那麼喜歡木偶戲?也許是暫時可以成為另一個人,生存在別人身體之內,看他所看,想他所想、感受他所感受的。這是很超自然的,實在找不出更好的形容辭。」

我很想給這部片滿分(光憑海報就想給他滿分了),但這部片比起代表作《王牌冤家》,實在是更病態,看到後面有點頭昏眼花,就稍微減個半星吧。從約翰庫薩克一開始展現了他是一個不得志的魁儡師開始,就知道這是一部大玩靈肉分離的電影,但可不是男女主角靈魂出竅、然後男女性別倒錯那麼公式簡單。

魁儡師在神祕的七樓半辦公室找到了資料員的工作,沒想到竟在辦公室裡發現了一個神祕通道,當你走進去時,你就可以進入演員約翰麥可維奇的身體裡,成為他意識的主宰,用他的眼睛看世界、用他的嘴說話、體驗他的生活,而當這件詭異的事便成一檔熱門生意後,才知道現代人對於自己有多麼不滿、又有多想要變成他人,大排長龍的生意帶來商機,也讓一群人的關係陷入混亂之中。

我好愛神秘的、大家都要彎著腰的七樓半阿!!《變腦》大玩空間遊戲,除了奇異的七樓半,約翰麥可維奇的身體也是一個可以自由進出的空房間。進入別人,變成別人。男人變成別的男人,女人變成男人,女人愛上了變成男人的女人...,混亂的自我認同與性別意識在影片中後段瘋狂的爆炸開來,這部Charlie Kaufman的大膽初試啼聲之作,實驗性質濃厚(也比較獵奇)。

我也很喜歡當約翰麥可維奇進入通道再進入自己意識的極度詭異畫面。

【電影】怵目驚魂28天 Donnie Darko (2001)

Donnie:你為什麼穿著那身愚蠢的兔子裝扮? 
Frank:你為什麼穿著那身愚蠢的人類裝扮? 
這部片最傑出的地方之一,我想絕對是編劇創造出了史上最恐怖的兔子符號。此外,Gyllenhaal姊弟的演出,也都跟他們現在的形象很不一樣。Jake Gyllenhaal在電影裡整個人相當的虛無與陰沉,特別是那個經典的詭異笑容,簡直跟現在的陽光大男孩判落兩人;而Maggie Gyllenhaal最有亮點的一場表演應該是餐桌戲,叛逆的形象也有別於現在充滿知性美的樣貌。

看起來精神狀態不佳的少年Donnie,常在一隻巨大兔子人偶Frank幻影的誘發下,做出一連串看似無意義的行為,像是半夜突然跑到家外面、弄壞學校水管讓學校淹大水、去老師家放火...,卻不知這一連串的行為都是命運轉輪上的小螺絲,慢慢地導向一個不可收拾的結局,因此發現了時空裂縫的Donnie,決定回到最開頭...。有一點點黑洞頻率或是蝴蝶效應的詭異Cult版味道。

電影裡有非常多的符號與暗示,融合既混亂又疏離的氣氛與色調、玩弄時間軸的前展與向後推移,探討人對於恐懼、未知、死亡、過往記憶與命運的選擇,是一部很棒的驚悚片。

【電影】她媽媽的公主 My Little Princess (2011)

 暗示並不犯法,這正是藝術令人玩味的所在。
我以為你夠成熟了,能夠區別。但是我錯了,
你永遠也超越不了你的庸俗

「要當我的攝影模特兒嗎?手抬高,不要微笑。
微笑很蠢,拍婚紗才要笑。
眼神看著我,假裝看到了地獄,就好像你在奉獻,懂嗎?」

這部由Eva Ionesco導演的作品,其實是她個人童年的自傳,她本人就是電影中那個十歲就被媽媽─世界知名的情色攝影大師Irina Ionesco提早在鏡頭前綻放的Violetta。這部片有很深的控訴意涵(簡單講就是恨意濃),導演本人也在長大後與母親展開訴訟(想買回小時候照片的所有權)。

「他們說你這樣拍我的照片,是一種『亂倫』。」

攝者(母)與被攝者(女)間權力與欲望的流轉是這片的一大看頭,Violetta在這個關係中不是全然的弱者,當母親拍其他模特兒時她極度憤怒覺得愛被剝奪、她也清楚地告訴母親「你就只有拍『我』才能引起大眾的注意。」母親告訴Violetta「這是藝術,外界平凡的人不懂」、「他們如果要笑我,我就笑給他們看,哈哈哈哈哈。」母親給了Violetta一個藝術家叛逆的態度,卻沒有給她藝術的精神和抵抗世界的勇氣,所以當Violetta看到自己的照片被印在情色雜誌的封面,那個母親建立起的聖殿是急速被摧毀的(你跟我說這是藝術,為什麼我看到自己被糟蹋?)。


「父親這種生物不存在於世界上。」

其實整部戲看下來,我不忍對伊莎貝雨蓓飾演的母親角色過多苛責,她的確是一個渴望活在掌聲下的失心瘋失格母親,但我看到她在一次次的拍攝過程中,也企圖釋放那個曾經烙印在自己身上的亂倫印記。再來看到的是女性角色在藝術領域的掙扎,我不知道今天如果這兩個角色換成父子是不是就會少掉許多爭議,也不知道藝術家、藝評家貪求女性的性感之餘卻設下年齡的限制難道就沒有假道德之嫌。

我喜歡電影最後,Violetta在少年監護所知道母親來探望她,從後門溜走在樹林裡狂奔然後畫面結束的場景,許多人覺得這幕挺有向四百擊致敬的意味。另外我喜歡飾演導演Eva Ionesco小時候的Anamaria Vartolomei,像個芭比娃娃一樣非常漂亮。