狡兔有三窟

【2011電影總回顧】個人年度十大不負責任推薦 My Top 10 Movies (2011)

2012-02-12T00:33:00.003+08:00

不知不覺已經二月，時間真是過的飛快，在時間被切割零碎的生活中，越來越覺得要能好好欣賞一部比較嚴肅、有深度的電影，實在不是一件容易的事，太多時候我們疲憊的感官變得只能接受聲光刺激而已。在很累的時候看一部需要思考的電影，那樣消化出的評價似乎也對電影不太公平吶...，漸漸手邊也不知不覺累積了許多需要投注專注力心力思考的「大片」，因為不想草草地囫圇吞棗，只好跟每部DVD說「再等等吧，下次精神好一定會看你」。

與其累積看片的數量，我更希望自己能夠珍惜、並好好體會每部電影響傳達的情感和每個細節，並在觀賞的過程中能盡情地投入，因此有個健康平衡的生活真的是非常重要(結論真是老生常談)。

2011一整年我總共看了121部電影，其中有72部院線(含影展)及49部DVD，驚人的不只是數量比去年成長，今年看的影片質感也都很好，密度過高因此造成我異常地疲累(笑)。而十大推薦和往常一樣，反映了我個人的喜好與個人觀影著重的角度，比較特別的是今年10片裡有3片是DVD(不是2011年上映的)，因為這三部電影實在太特別了我很喜歡因此納入。其實我光寫到這我就已經累了(哈)，這些電影我大多也寫過長篇心得，就簡單說說推薦的理由吧。

去年國片成績極為豐碩，但最讓我耳目一新的華語片，其實是陳可辛的《武俠》，早在預告teaser釋出時就令人驚艷(特別是金城武的四川口音完全掩蓋了他原本口條欠佳的缺點)，這部片運用了很多當代電影形式重新塑造傳統武俠片的可能，無論在劇情還是拍攝手法、動作美學上我都很喜歡！推薦理由：老狗一樣玩的出新把戲。

當然國片成績這麼耀眼，我不可能只推薦武俠，但整體來說，我比較喜歡去年端出的國片(《父後七日》《第四張畫》《當愛來的時候》)，至於票房孰高孰低反映的也許只是通俗性或市場時機。今年的國片我最推薦的是《翻滾吧！阿信》，他的票房當然不是最好、演員也許也不是最有話題、導演的功力也還可以更成熟進步、劇本結構也還有很多可以調整的空間，但這部片是這些國片裡讓我覺得最零距離、最不需要發揮愛國心或情感認同，便能被觸動的一片。就像製片李烈說的，台灣需要什麼樣的國片帶領大家走出這個市場？她覺得運動的題材最能為社會帶來正面力量，並且跨越文化種族的距離，同時又能從小人物身上看到你我的掙扎，我很同意，不然最近大家不會這麼瘋林書豪不是嗎？推薦理由：想要單純被運動的熱血感召。

提到燃燒生命式的奮鬥與帶有傳記式意味的電影，向來也是我看電影的關鍵字，在《皮相獵影》和《搖滾藥不藥》兩片中猶豫了一下，不過《搖滾藥不藥》裡Andy Serkis的演技實在是太完整太精湛，將一個殘障搖滾樂手人生的起伏與表演片段用台前與台後的方式完美呈現，「逃避死亡的方式有很多種，變得偉大是其中一種，也是我個人最喜愛的方式。」我很喜歡人生充滿矛盾衝突的Ian Dury。推薦理由：精采的個人演技與絕佳的搖滾傳記式電影。

以演技挑大樑的片子，今年還不得不選《黑天鵝》，除了娜塔莉波曼，配角Mila Kunis的演出也相當稱職(現在也成為當紅炸子雞)。導演Darren Aronofsky對人性追求夢想的癡迷、沉淪與幻滅，從噩夢輓歌、力挽狂瀾、黑天鵝不同題材出發都有精采的詮釋，整體氣氛營造的我也很喜歡(配樂很棒)。推薦理由：質感極佳的驚悚片，娜塔莉波曼旺到最高點。

在整體氣氛的營造上表現的很好的電影，去年Ryan Gosling主演的《落日車神》絕對是我最推薦的一部。這是一部評價相當兩極的作品，喜歡的人很喜歡、不喜歡的人大多覺得無趣，如果對男性英雄主義式的蒼涼浪漫、Edward Hopper蒼白疏離式的都會美學、冷硬派融合暴力與唯美的犯罪敘事有興趣的話，絕對會投其所好，千萬不要懷抱著看飆車爽片的心情觀賞。推薦理由：風格是你的菜就是必看LIST。

獨特的電影拍攝手法向來也是我的愛，由十大禁片《不可逆轉》的法國鬼才導演Gaspar Noe導的《嗑到荼靡》便是前衛迷幻美學的極致，整部片都以男主角靈魂第一人稱視野拍攝而成，每個段落都是一鏡到底，散發出強烈的奇異電波，全片虛實交錯、迷幻漂移，看完充滿極不舒服的糜爛感卻又令人無法自拔。推薦理由：想要被曼陀羅的粉紅迷幻光波感召一下可以試試。

而疏離人心的題材，和獨特的電影拍攝手法通常是相得益彰的搭配。2000年左右的末世氛圍放在2012年的末日警鐘下來看依舊適用。我與《心靈角落》有一種相見恨晚的驚喜感，劇本、拍攝手法、配樂、演員表現無一不流暢精彩，它除了講人際間的寂寥，也講命運裡的機緣和巧合，導演的《Boogie Night》已經放在我的必看LIST上了。推薦理由：對Paul Auster的作品有興趣的人應該也會喜歡這部片。

除了拍攝手法，精采的劇本結構也是一大重點。入圍去年奧斯卡最佳外語片的《犬齒之家》以及我Lag很久才好好欣賞的《變腦》，都是劇本題材令人耳目一新(也可以說光怪陸離到有點獵奇)的傑作。犬齒之家以反烏托邦的角度講一個極權教育下的寓言，而《變腦》則是大談存在與意識、軀殼與靈魂的議題(十足Charlie Kaufman風格)。推薦理由：好劇本為電影之本，我喜歡被好劇本嚇的起雞皮嘎搭。

十大的最後，我想推一部愛情電影，但套句常用的行銷slogan，這應該算是「非一般愛情故事」(但不代表是我個人的特殊癖好)，相當黑色幽默卻又一語中的地描述：關於愛情，人們追求的到底是什麼？《怪ㄎㄚ情緣》在帶著一點輕鬆小情色的幽默包裝下，其實是一個關於女性自覺與解放、勇於追求自己想要的愛情關係的故事。推薦理由：其實每個人追求的愛情關係都不普通。

《導演特區》
這幾年養成了喜歡的導演就要一往打盡的觀影習慣，不知道是收集癖作祟還是真有天時地利人和之巧合，總之心想事成，當我呼喚園子溫的時候，不但高雄電影節有他的電影系列特輯，連原本想說沒機會看到的《死魚》、《戀之罪》也都紛紛在主流或非主流的戲院上映，真是一網打盡滿足的沒話說。園子溫每部作品劇情主題不同，但依然維持他一貫打著「真人真事改編」的獵奇、暴力血腥、虐殺、邪教崇拜、失格的社會家庭關係打轉，除了這兩片，去年我還看了《愛之剝脫》。

以《靈魂的重量》打響名號的墨西哥導演Alejandro Gonzalez Inarritu，《最後的美麗》這部誨澀異常的最新作品，讓我見識到了哈維爾巴登不同於《險路勿近》的演技個人秀，非常深沉和動人的詮釋，會讓人看到心痛的那種。而去年的金馬奇幻影展，也很意外地看到了導演的初試啼聲之作《愛是一條狗》，相當有意思的三段式故事，充滿導演實驗性的個人風格我很喜歡。

《RABBIT44評審團大賞》
沿自去年開始的假掰特區XD，其實推薦理由很簡單，就是很喜歡但前面寫不下了啊！在列出100多部的片單後，會發現裡面也有不少的議題重複，除了巧合，極可能跟我個人對這類議題有高度興趣有關。去年一連看了《陌路˙天堂》、《永生樹》和《密陽》這三片導演風格迥異，卻都討論了當人在面臨極大的逆境(失親之痛)，所產生的自我和信仰間的戰爭，藉由一連串也許是復仇、也許是救贖、也許是修煉的跌跌撞撞歷程，重新回溯生命裡的不完美，試圖走出陰霾並再一次與命運對話的故事。

三部片格局都相當大(片長也都不短)，在故事結構、演技、拍攝手法和美學上各自都有優異的表現，觀賞起來都相當不輕鬆，議題也不輕盈，如果是追求從電影裡獲得深度思考的人，應該會很有興趣看看。

儘管我不斷抱怨太累了，但還是很感謝老天爺讓我能夠欣賞到這麼多精彩的電影(而不是花了一堆時間看爛片)，但是寫字的速度永遠比不上看片的速度，沒有時間和心力把每部喜歡的片都紀錄下來，是我的一點小缺憾。然後我整篇才光寫幾個字內心就靠杯不已，看來離專業評論者間還有幾萬公里之遙阿。

【電影】轉轉 Adrift in Tokyo (2007)

2012-02-07T23:30:00.003+08:00

幸福總是悄悄降臨讓人無所查覺

而不幸卻總是毫預警地縱然降落

每年的年初我都會選擇一部具有暗示意味的電影，作為新的一年開端的鼓舞，像是去年的過年，我就看了《海盜電台》，現在想想實在有點莫名其妙，不知道選這部片的精神究竟為何，早已忘了是要鼓勵自己勇於衝撞還是期許自己別像Hoffman一樣一直發胖。今年我許了一個新願望，希望每天都能放慢腳步的度過，悠閒但充實，雖然我知道以我這個勞碌命的性格有點癡人說夢話，但在除夕的下午，任由眼睛滑過許多未看的DVD...最終我還是選擇打開了買了好一陣子的「轉轉」。

《轉轉》顧名思義，就是一部在東京城市中轉來轉去的散步電影(我想大概算是公路電影的變化型吧)。不是跑步也不是騎腳踏車，而是一種帶著韻律感的步行速率，不太快也不太慢地看待身邊風景，在步行的輕緩速度中，我們感受平凡中的快樂、察覺不經意間的傷痛、享受美景美食的短暫歡愉、也被城市中每一次擦身的落寞包圍。

一部很淡卻也很有滋味的小品之作，再加上還有小田切讓，這一切不是太完美、太適合我的新年新希望了嗎？

我很喜歡三木聰的《烏龜主婦出任務》和《時效警察》，他很擅長描寫平淡生活中的奇想與趣味，無論是上野樹理還是小田切讓，在他的鏡頭下總是惡搞得很自然。《轉轉》描述一個父親欠了債的大學生遇到討債男子，展開了在東京街頭散步的「償債之旅」...。兩人一路上走過了神社、傳統小茶店、榻榻米店、Cosplay俱樂部、算命的新宿嬤嬤、拉麵店、鐘錶店、時效酒吧、動物園...，走了幾天幾夜，兩位男主角神秘的關係也一路隨著劇情發展，而不斷釣著觀眾胃口若有似無地變化著。最後到了記憶的遊樂園，過往的回憶與偽裝的家人展生了親密溫暖的連結，我很喜歡雲霄飛車那一段。

「街頭募款一天可以募得多少元？」
「為什麼上班族拿錢包的姿勢都一模一樣呢？」
「開在街上的鐘表店是如何生存的？」

已經不再去思考所謂「沒意義的問題」的我們，或許也在不知不覺間少了大智若愚的心胸和一隻貓般的灑脫。

【電影】最後的嬉皮 The Music Never Stopped (2011)

2012-01-24T22:06:00.002+08:00

一直沒機會好好聽聽Grateful Dead的音樂，也沒有經歷過那個音樂在社會、政治上別具意義的年代，但在看完了《最後的嬉皮》，我覺得這是一個很棒的Intro，而且就如片名─同時也是Grateful Dead代表作《The Music Never Stopped》一樣，這絕不會是一個追尋的終點。

我一直覺得這部片很有《愛瘋狂CRAZY》的味道，那些青春期的騷動不安與不被理解的苦阿！父與子、期望與失望、愛與逃離、認同與對立、彼此相愛卻又水火不容的家人們...，最終你會發現，他們兩人竟是如此地相似。好喜歡這首爸爸為了贏得演唱會的門票，而打電話進電台參加有獎徵答猜謎猜中的《Uncle John's Band》。

看到Oliver Sacks在《火星上的人類學家》裡的其中一篇(感謝Joy Ko的出國大出清，讓我挖到這本好書，我想我應該會加快把它看完)被《真情難捨》的團隊改編的DVD宣傳字樣，讓我買片時猶豫了一下，實在很怕太過煽情，但又太想看看那個在《吮指男孩》裡青澀俊美地令人不知所措的柏林影帝Lou Taylor Pucci，脫胎換骨變成鬍子小哥的表現，還有簡直就像下了魔咒似的，嬉皮、和那個年代的音樂。

故事描述一對老父母找到當年負氣逃家失蹤多年的兒子Gabrie，沒想到二十年後找到他時，發現Gabrie長了巨大的腦中線上腦瘤，不但自我精神喪失(陷入無止盡的沉思或迷失狀態)、認知混淆、記憶也被囚禁在60-70年代，對70年代以後的一切完全空白。

母親無意間提到他所熱愛的6.70年代音樂，披頭四、滾石、巴布狄倫、死之華時，Gabrie卻像某個開關被打開一樣，慷慨激昂描述音樂的細節、每首歌的故事，以及當初參加演唱會的盛況，歷歷在目地描述彷彿昨日才發生，以為自己還活在每個人都是嬉皮、強調愛與和平的1968。當音樂一結束，Gabrie的意識開關又被關上，對於剛剛才說過的話完全沒有記憶。治療師建議以音樂治療的遊戲方式替代藥物和手術，在一次次的音樂交流下延長Gabrie的意識。

看著這一切，那個當初對兒子沒有照著自己期望成長耿耿於懷的老父，終於放下顏面，把自己收藏的一箱古典樂黑膠，拿去二手唱片行全換成他所謂「60年代以後所有很吵的音樂」，他立志要研究那個年代所有的樂團，因為這也是年事已長的他最後能與Gabrie交談的機會。

「並不是只有你的記憶才值得回憶。」

電影中的老父對於兒子一直留在那個小時後一起聽古典樂開車去學校的年紀，他一直對那個跟他一樣喜歡古典樂(自以為)、且註定會繼承志業的孩子自豪著。他無法接受其實Gabrie並不愛古典樂，兩人甚至對政治和社會觀點都有著相當大的歧異，「兒子不是以我所期待的方式愛著我，現在我也應該用我原本不認同的方式去理解他」，再也沒有比放下自尊更偉大的愛了。

回到一開始的疑慮：這部片會不會太過通俗？整部片看下來我覺得算是相當恰到好處，演員表現都很自然，我想喜歡親子issue、喜歡音樂的觀眾都能各自滿足。

這部片充滿了許多的音樂梗待同好們細細挖掘，除了OST曲目陣仗相當厲害(台灣沒進這張...)，其中像是老父帶著黑膠唱片去二手唱片行交換的場景，選的也是60年代次文化發源地格林威治村著名的唱片行Bleecker Bob's、兩人去看死之華演唱會的場地選的是紐約哈默斯坦表演廳Hammerstein Ballroom、Grateful Dead也為電影重新演繹了《Touch Of Grey》...，我想這些都會是熱愛搖滾文化的觀眾會有興趣的關鍵字。

It's wonderful!!

【光點國民】≒ NEAR EQUAL 日本當代藝術家影展

2012-01-23T00:11:00.006+08:00

日本在流行文化的發展根基很深厚，在行銷與話題上向來很有一套，從流行音樂、服裝生活美學到電影、偶像劇對台灣來說都有一種指標性的影響。隨著藝術創作媒介與整個大環境、藝術市場的轉變，日本的當代藝術領域這幾年也凝聚出一股新興樣貌，他們各異其趣卻又有一些共同的特質：很流行、很有話題、很吸睛、甚至是很時尚很潮的，它們擁有小眾死忠的愛好者，同時也獲得大眾的焦點與商業的成功。

我不敢說現在全世界的藝術市場是否都感染了這股影響力，但至少在台灣比較關注當代藝術趨勢的文化圈裡，從先前的村上春樹吉本芭娜娜，到現在的村上隆、奈良美智、蜷川實花，關注的焦點從文學擴大到視覺，成為某一個社群裡的共同語言。

這次的《≒ NEAR EQUAL 日本當代藝術家影展》找了五位以不同主題媒介創作的日本當代藝術家代表，很難得地我們能一窺創作的歷程、貼近他們的生活模式，同時也有機會理解他們的藝術態度，很有趣的是我覺得這五人就像是整個日本藝術家各種型態的小縮影，有古典的、有前衛的、有展現達人技藝的、有KUSO搞怪的、有獵奇的、有浪子漂撇型的、有大師風範的，他們各有堅持也有執著。

「我不是幫雜誌畫插畫，
而是我覺得自己的作品還是最適合被印刷輸出，

這也是保有浮世繪那種民間刊物的精神。」

從古典主義出發，結合狩野派的繪畫技法、浮世繪的常民街頭趣味、再融入後現代藝術原素的天明屋尚，我覺得是這五人中使命感最強烈、也是最ㄍㄧㄣ的藝術家。

擁有絕佳的日本藝術史觀點，天明屋尚將古典與現代的原素融合成一幅幅帶有強烈批判意識與象徵意含的新日本畫。他的技法是傳統且嚴謹的(像是古法貼金箔、堅持馬毛要一根根繪製)，但用的卻是壓克力顏料；他崇尚東方繪畫中留白的意境卻同時也營造出彷彿漫畫、電影分鏡的分割畫面；他的作品在拍賣市場上可賣到千萬元的價位卻堅持其《誌上藝術》(在刺青雜誌上發表作品)。天明屋尚有將各種衝突的能量轉換成個人獨具魅力的能力，因此無論是日本古畫專家、日本藝術史研究者、浮世繪研究者、刺青師傅、街頭潮流人士或年輕學生都對他讚譽有加。

我覺得天明屋尚是五人之中對藝術史最有鑽研的藝術家，可能也跟他很積極追尋自己在整個歷史脈絡裡的位置、自我定義有關。他熱衷創造新名詞或是使用各種名詞自我表述：「新日本畫」、「傾奇者」、「婆娑羅」...，但他也很了解自己的作品魅力其來何自。像是我很喜歡他堅持在刺青雜誌上刊登彩頁作品的概念，某個評論家表示天明屋尚從創作本質、繪畫內容、到展演方式都揭露了一種反傳統反權威的街頭精神，是他能夠凝聚死忠支持者的原因。

了解自己所做的每一步的意義、了解自己創作的目的、了解自己是誰、充滿個人風格與行事準則藝術態度，是武鬥派藝術掌門人獨樹一幟的作風，我唯一擔心的就是他實在花太多時間在創作了，以至於個人生活似乎有點貧乏...以及過勞的隱憂呀。上面這張是我個人很愛的《潘朵拉的盒子》，我喜歡那個分割式的畫面，以及他使用刺青的圖樣做的隱喻。

「重點是存在感，而不是像不像。」

「運氣也是一種實力(特別是在運動場上)，當機會出現的時候，

有能力應對與掌握，才能使機運變成奇蹟。」

舟越桂是這次五位藝術家裡，我認為形象差最多的一位了。光看他的作品所散發的優雅「和風洋食」氣息、以及一種大師風範的媒體形象，沒想到紀錄片裡的舟越桂是一個可愛到不行的阿伯：風趣、幽默、健忘，對創作原則很有個人見地，但同時也很會自嘲，這樣的反差相當吸引我。

這部紀錄片完整地紀錄了舟越桂創作一個作品，從草稿、雕琢、修正角度、上色、鑲填眼睛、組合頭部與身體的三個月過程，其中可以完整看到一個藝術家的工作狀態(包含休息時是兩眼發直看足球賽這件事XD)、撞牆期、與助理的互動(他也是五人裡唯一讓觀眾看到藝術家助理的一位，所以由助理代勞的部分也都是很誠實地呈現在螢幕前)、以及創作閒暇之餘的美術大學教學工作(也是五位裡唯一有從事教育工作的)。

身為名門雕刻家後代，在融合東方柔和氛圍、雅致的色調以及別具禪味的命題和西方式的五官與莫迪里亞尼式纖長型體的兩種創作外貌背後，也可以看到舟越桂以完全遵循古法，創作出濕潤、發出光澤的人形眼睛。每尊人形的兩個眼睛像是看向不同方向，營造出一種遠望感，舟越桂將這些遠眺的姿態作為是人一種自省的表態。

我很喜歡他在看完自己拍完資生堂的廣告後在電視機前面呵呵笑的樣子，以及最後在街道上玩滑板的神技，是一種很高層次的從容感與生活態度。

「攝影沒有原創性可言，拜託別把原創和藝術掛在嘴上。」

「藝術可以說是從無到有的創作，但攝影並非從零開始，
而是複製加工現有的影像，

那何不承認複製為前提，大膽逼近攝影的本質？」

「攝影到一個階段，就會開始追求高階的相機和鏡頭，

但是如此一來，攝影師就會成為相機的奴隸。」

晃動、模糊、失焦、高反差、黑白粗粒子分明，在日本攝影史上一定會提到的攝影大師森山大道，其攝影作品一如其人，內斂卻絕不妥協。再看似不經意與隨興的相貌下，森山大道有著相當典型藝術家印象的生命歷程與性格。一本《写真よさようなら》的攝影集，打破了「照片」既有的概念，告訴觀者照片不一定要是清晰的、有主題的、有意義的。在某些角度上，這本攝影集的誕生也將許多影像工作者從照片裡解放了出來。

電影從一趟看似無目的的遊走中出發，森山大道拿著一台裝著底片的傻瓜相機，像個無所事事的漫遊者在新宿街頭銜晃著，看到有興趣的畫面就拍下來。他用拍立得、用Ricoh的底片機，每一台相機都是別人送的不曾自己購賣過，一直到電影拍攝的此刻，才由工作人員手中接過了他第一次接觸的數位相機。

擁有名氣與才氣、也曾走過吸毒嗑藥的墮落荒唐歲月、坦誠與家人關係疏離、完全無法被逼迫做不喜歡的事物、思考許多哲學性或文學性的問題，森山大道走過許多人生的風景，在他的攝影裡碰撞，形成了一道道「擦傷」─一種與生命接觸，並在心中留下無以名狀的痕跡。

我們究竟在這樣看似不經意的影像中，期望看到甚麼？這些遊走在城市中的日常街景，既熟悉又疏離。或許這騷動不安的一切，都是我們內心中稍縱即逝的陰影，我們從中抓到的片刻靈光，反射出的都是我們生命的本質。

「我是專門揭露負面意識的角色。
與其高唱愛與和平，不如逆向操作。」

「我一天只能工作三小時。」

欣賞會田誠這一段紀錄片真是再愉悅也不過了！因為他就是一個十足的怪咖，活脫脫像日本綜藝節目裡會出現的搞笑藝人一樣(我覺得他非常像搞笑雙人組ナインティナイン裡的矢部浩之
)，有一種亂七八糟的窩囊感(外表)、毫不保留展現自己玩世不恭的不正經態度，卻又有著相當可親、以及一種大智若愚的氣質。

裡面無論是在墓園舉辦的詭異cosplay婚禮(老婆是一個長得很像美少女戰士的藝術家)、在一個差不多是放大版的蟑螂屋工作室裡作畫、找一群女學生幫他畫(再請她們吃燒肉)、不知道從哪裡CALL來友人幫他製作大型瓦楞紙屋自己卻偷偷逃跑、以及剪瓦楞紙剪到在假哭的樣子，讓人差點忘了他可是東大美術系碩士班畢業的高材生。

他的作品題材乍看都相當驚世駭俗，不吝惜把少女們剝光與蟑螂交媾或打成果菜汁，風格多變，漫畫、油畫、立體作品、錄像裝置...技巧相當好，有時會出現古典工筆的精緻畫風、有時又出現宛如幼稚園小孩般的塗鴉。

「我的作品充滿了妥協與讓步，不這樣賣不出去，因此盡是做一些媚俗的作品」；「我認為藝術就是應該只為藝術，要易懂，且能再現創作者的看法。藝術家也是在做紀錄的工作，只是表達的方式和記者不同。」會田誠相當理解自身的位置，以及在大時代下藝術與藝術家存在的意義，他會告訴你他用日本式的漫畫方式畫少女、極盡的物化女性，是因為這是引起國際媒體注意最好的方式，而他也巧妙掌握了市場獵奇的心態，不可置否地儘管飽受批評，這仍是他最暢銷的代表風格。

這樣的會田誠，也許是這五人裡最真實表達自己的傢伙。

「這真是太漂亮了。我真是個天才。」

我真的不知道草間彌生年紀已經這麼大了，一直覺得她就是日本當代藝術裡「前衛」的代表，而代表前衛的人又怎麼會老呢。草間彌生的這段紀錄片，之前金馬影展已經播過，紀錄了她完成50張100號黑白創作的歷程，年事已高的她狀況時好時壞，滿像個小孩需要他人很多的關愛眼神與掌聲，有時創作不順時還會耍起任性，責怪都是拍攝的團隊在所以害她分心了。創作時充滿一種堅定的自信，拿著一隻黑色麥克筆就是一直永無止盡的畫下去。

她像是活在自己的小宇宙裡，不斷對著旁人歌功頌德自己成就，定時翻閱所有的藝術雜誌看看自己的相關報導，儘管私生活像是個可愛又有點古怪的婆婆，但出席各大封勳場和永遠都是她獨樹一幟的高彩假髮和鮮豔的訂製服飾，你會想，這樣的人是不是真有點老糊塗了，但有時她又會突然冒出驚人之語對著工作室的工作人員說：「我知道妳們都在等我死去，等我死這些全部可都值錢了。」坦承直白地令週遭的人只能尷尬地搖著手說沒有沒有、老師你想太多了。

「我想站在山頂上，不斷把山的高度堆高再堆高。」紀錄片中也訪問了當年與草間彌生在紐約住在同一棟公寓裡打拼的藝術家，突然覺得她年輕的樣子有點像小野洋子，錯過了她最意氣風發的6-70年代有點可惜，有機會想找她的自傳來看看。

推開當代藝術的大門，我們獲得了一種來自於精神自由的富足，但同時也陷入準則崩毀的茫然；我們樂於看件藝術製造出聚大的商業利益，但也質疑這樣的成功是否掏空了原本純粹的本質。我們就是這樣懷抱著脫序狂喜與不安騷動慢慢走向一個無邊無際的失控疆界。

【Weekly Cinema】2011.12.25-12.31

2012-01-09T00:46:00.004+08:00

2011年末以兩部我個人去年滿愛的商業大片做結尾，有一種被聲光效果刺激活化的感覺，陰濕幽暗的冬日就該被如此娛樂一下~

《不可能的任務4: 鬼影行動Mission: Impossible Ghost Protocol(2011)》★★★★☆

其實我覺得MI3就滿好看的，演員對我來說好感度很夠(可能因為有Philip Seymour Hoffman、Jonathan Rhys Meyers和Maggie Q這些我喜歡的菜~)，但可能受到MI2的拖累，所以票房還好之餘，阿湯哥也一直被唱雖。我個人一直都很喜歡阿湯哥，除了他有最典型好萊屋明星的長相，我覺得他就是標準巨星風範，無論電影要他做甚麼都全力以赴並且樂在其中。除了商業大片盡情耍帥之餘，在一些藝術片或搞怪片裡其實也有很不錯的出人意表演出。

這次MI4預告一開始出來，我覺得普普，但看了後來阿湯哥爬杜拜塔的幕後花絮，簡直就是雞皮疙瘩掉滿地驚為天人！而且從幕後花絮可以看出，他就是一個極富膽識、追求完美、積極賣力的人(整個再度被收服)，MI4除了杜拜塔，兩隊人馬用假身分交易、沙塵暴、自動停車場等幾場戲都拍得很有特色。

此外我最喜歡的一點，就是MI4終於又擺脫了阿湯哥個人秀、每個隊員都在逆境中必須突破自我且戲份有所發揮。這次一開始就告訴你，以前那些神奇科技後援都不靈光了，整個小組被放棄、每集都出現的面具製造機失靈、連發任務的機器都要拍一下才自動銷毀，再加上小組裡有菜鳥探員、一心想復仇的女探員、謎樣的男探員，互動中的各種變化與笑點也不少。我很喜歡最後阿湯哥那幕，十足MI系列的孤獨命運、又充滿人味！

《龍紋身的女孩 The girl with the dragon tattoo/ David Fincher version(2011)》★★★★

2011年的最後一天，以David Fincher式的冷冽幽闇終結。從《班傑明的傑幻旅程》到《社群網戰》等風格各異其趣、且獲得各式肯定的作品，David Fincher拍攝了改編自拉森千禧三部曲的《龍紋身女孩》重新喚醒觀眾對這位導演最初的喜愛其來何自。重返Se7en、Zodiac的黑色陰鬱風格，會不會有老調重彈之感？套句小郵差對此片的評價：「Zodiac的陰鬱，Se7en的緊繃，加上Benjamin Button的優雅。」

我沒看過瑞典版的電影所以無從比較，不過David Fincher版的選角我很喜歡，比較有明星味對觀眾來說好感度高。我之前一直覺得丹尼爾克雷格臉很苦沒有很喜歡他，但他演布隆維斯特這角色真是恰如其分！少了007那種過度神勇和自詡風流，布隆維斯特是一個相當有人味且擁有正義之心的記者，丹尼爾克雷格演來非常適合。關鍵女角沙蘭德由沒有包袱的新人Rooney Mara飾演也是聰明的選擇，除了歌德龐克式的邊緣人外貌，Rooney也為這個角色增添了一點強悍之餘的柔美氣息，她其實與小說的形象塑造差異最多，但我想看了她的表現應該沒有觀眾會介意的。

劇情的部分自然有修改刪減，畢竟千禧三部曲每一本都跟磚頭一樣厚，但我不是原著本位主義的書迷，覺得在劇情上導演大致已經改的很不錯，小細節仍有瑕疵但瑕不掩瑜。David Fincher之前接受訪談時表示，這種黑暗變態的戲碼就是他擅長的拿手好戲，但我覺得《龍紋身的女孩》並不是再一次地跟觀眾們宣揚他的看家本領而已，這裡面也有敘事和技術上的成熟進化。

如果說David Fincher、丹尼爾克雷格、驚悚連續殺人魔、冷冽陰鬱氛圍、北歐斯德哥爾摩風情、拉森...這些關鍵字都還吸引不了你，看看電影片頭動畫加上NIN主唱Trent Reznor和YYYs主唱Karen O重新詮釋齊柏林飛船的Immigrant Song吧！完全值回票價啊！

2011年初的一陣奧斯卡熱，讓我一連進電影院看了多部很棒的好萊屋院線片(像是王者之聲、黑天鵝、真實的勇氣、社群網站...等等)，之後也陸續看了不少會認人覺得「沒想到你也會看這部」的片XD，像是《現代驅魔師》，我必須要再度宣揚這類型的片我都還滿愛的這個事實(《驅魔》好看到爆！)，而《The Rite》又有人魔怎能不看！

《下流正義》與《X Man前傳》也都滿有意思的，看《青蜂俠》出自於一股支持國貨與Michel Gondry的心情，《大象的眼淚》也是因為熱愛原著所以連電影一起支持(絕對跟吸血鬼沒關)，希望2012年的我，也可以繼續爽爽吃爆米花支持精彩的商業片(商業片真的非常療癒阿！)。

【murmur】本日收穫之7

2012-01-04T15:03:00.002+08:00

《本日收穫》

什麼都不想幹的倦怠感和缺乏覺悟的心

突然有了「其實也不錯阿，2012是世界末日」的開朗心情

看了本期大誌發出
「不行！我還沒去過Fuji Rock不能世界末日」的吶喊

大吃北海道來的薯條點心
不懂日本人為什麼可以搞得那麼好吃的疑惑

對自己一開始興沖沖畫的東西很喜歡
但沒多久就棄如敝屣的性格感到困擾

擔心murmur日記變成癬癬日記的隱憂

岩崎崇 Takashi Iwasaki說：天氣不好，人生是黑白的。(沒啦，很明顯一切都是我自己的胡言亂語)

【Weekly Cinema】2011.12.18-12.24

2011-12-31T00:45:00.009+08:00

幾部日韓電影短心得大連發，有商業驚悚有純愛有搞怪KUSO也有藝術感的，好一陣子沒大看亞洲片了，年底一次出清！

《綁票七日令》(2007)★★★☆

一部很緊湊好看的標準韓式犯罪商業電影。通常劇情如果安排小孩被綁架，男主角是爸爸就會化身為絕地老爸，復仇鬼上身一路大開殺戒；如果主角是母親就會像《非常母親》裡的媽媽一樣，一邊崩潰又一邊堅強地用盡各種方式奮力拯救小孩，《綁票七日令》裡的金允珍就給我這種賣命感。

故事描述一個紅牌辯護律師在女兒遭到綁架後，接到指令要在七天內為一個殺人犯脫身，在小孩生死未卜與追查嫌疑犯的雙重壓力下，卻發現殺人犯似乎確實犯下罪刑，律師不但面臨私情與道德的夾擊，在調查的過程又意外掀開了一個大醜聞...，有一點點像《下流正義》，不過編得更花俏(也更不合理，但我睜一隻眼閉一隻眼純享受)，節奏明快娛樂感十足。

《沙羅双樹》(2003)★★★☆

今年金馬影展也有導演河瀨直美的另一部作品《朱月之花》，曾拿過坎城影展金攝影機獎的她，作品到底呈現甚麼樣的風貌一直是我很好奇的，終於有機會看了代表作《沙羅双樹》。

故事描述一對雙胞胎兄弟在一次的樹林追逐中，其中一人走失，而另一個兄弟俊，與整個家庭的時光似乎都停滯在那一天的故事。「雙胞胎少了一個，就再也看不到自己了。心中永遠有一塊空缺」。導演用清淡雅致的敘事描述了那些被遺忘的事、難以忘懷的事、取捨之間的事...，電影頭尾各有一次在奈良古老蜿蜒巷弄間穿梭奔跑(鏡頭從後方尾隨)的畫面，一次是面對消逝死亡，另一次則是迎接新生。

一個家庭如何在死亡的陰影下獲得重生，似乎是滿多日本導演/小說家喜歡探討的當代議題，河瀨直美的觀點一如她的攝影風格，含蓄內斂與清澈悠揚兼具，十足古典風味，我喜歡最後那個緩緩飄向天際往下鳥瞰房子的視角。這就是發生在一個城市裡的一個小故事。

《惡人》(2010)★★★★☆

這是一個關於愛與寂寞的課題。愛不對人讓人感到寂寞，用錯誤的方式愛人也讓人感到寂寞，假裝擁有愛比坦率地擁抱寂寞更令人感到寂寞，最後，出於一顆想愛人與被愛的心，卻讓每個人都犯罪了。

目前看過兩部吉田修一作品改編的電影都好成功，《東京同棲生活》和《惡人》我都很喜歡。《惡人》基本上就是層次演技的堆疊烘托情緒的成功之作，每個人都好會演，我很喜歡深津繪里飾演的光代一個人默默吃著妹妹剩下來的蛋糕，然後看著妹妹與男友房間凌亂的床單，然後默不作聲地把忙關上的一段，寂寞的慾望表露無遺，深津繪里這這片的演技真的很有看頭(我覺得把妻夫木聰的陰沉演技初挑戰的光芒都壓下去了)，女保險業務員的的父親也是，他讓我想到很多社會新聞裡被害者的家屬。

「如果能早一點遇到你就好了。」

「我只是想要被信任。」

愛，就是這麼簡單、卻又如此艱難的事。

《賽柏格之戀》(2007)★★★★

人只要突破一些偏見，似乎通常會有不錯的收穫。朴贊郁的愛情故事？(能看嗎？)我很好奇這個鬼才導演拿掉暴力血腥與復仇的原素之後，還會呈現甚麼？

故事發生在一個精神病院裡，因此這個愛情故事裡所有稀奇古怪的情節也都順理成章了起來。收音機組裝女工詠君出生在一個有精神病史的家族，她一直認為自己是機器人而拒絕進食，一開始在收音機工廠把組裝電線插到自己手腕裡(無意識自殺)的畫面就風格化十足。而Rain飾演的病患則是一個小偷狂，認為自己可以偷走別人的病症、情緒或抽像能力。

每個精神病患都有一個「罩門」。詠君拜託Rain偷走她的「同情心」，因為患有精神病的奶奶被醫院強行帶走是她最傷痛的回憶，「不能沉浸在悲傷裡」，所以把同情心帶走吧！變成無痛無感不需進食的機器人吧！唯有如此才能堅強地生存在世界上啊！我很喜歡女主角被拿走同情心後，在自己幻想世界裡變成一個疑似田中星人貌的殺人機器不停射殺醫護人員的片段，朴式招牌血腥卻融合著一股鬧劇般的黑色幽默。而被親生母親拋棄的Rain最害怕的事情則是「消失成為一個點」，因此他要不斷偷取別人的「東西」：打桌球的能力、同情心、窩囊感...來證明自己的存在，在劇中只要當他遇到無能為力的狀況時，整個人就會漸漸縮小的設定很有意思。

我喜歡這個非一般愛情故式的設定，除了天馬行空的創意外並沒有刻意賣弄浪漫，我們反而在裡面看到了一些生命經驗、情緒脆弱面的連結，而且再也沒有比「無論再怎麼樣怪的咖都能找到接受自己的另一半」這樣的愛情觀點，更令人感到欣慰的事了。

《奈緒子》(2008)★★★☆

最近張鈞甯幫NIKE拍的舊金山馬拉松路跑廣告吸引了我不少目光，漸漸開始覺得跑步真的是一件看起來很單調、裡面卻暗藏玄機的事。大部分的馬拉松選手都散發出一股巨大的能量，可能是因為在視覺呈現的意象上，跑步選手是很堅定地往一個目標筆直邁進的緣故吧。

《奈緒子》對我來說最大的賣點當然是演員，雖然上野樹里和三浦春馬並不是那麼地有螢幕火花(但兩人的樣子都還是很討喜就是了)。故事是標準的純愛勵志，一對少年少女因為童年的意外有了連結，而透過了一次夏天的馬拉松集訓和比賽，兩人與週邊的人們也都獲得了某些關於生命、友情、親情、自我、勇氣與原諒的力量。

「我們到底為了甚麼而跑呢？」是電影裡不斷重複出現的問題，是個大哉問，卻輕巧地落在這部日系輕電影中，盪起清淡的漣漪。沒有甚麼大道理論述、狗血也還算灑的點到為止，重點是三浦春馬在這部片裡的演技比《戀空》好一百萬倍...。我很喜歡導演拍攝馬拉松選手與補給水份的後備選手交會的一瞬間的畫面，慢動作與鏡頭切換用的很好，拍得很有交錯感，也很有情緒張力，是整個小品裡令人印象深刻的一段。

【Legacy】亂彈阿翔─厚哩叫媽媽演唱會@華山Legacy 20111218

2011-12-19T22:50:00.008+08:00

去年八月阿翔他闊別十年的《英雄的逞強》復出演唱會我沒有跟到，一直覺得很扼腕，因此去年年末《簡單生活節》的演出便抱著非看不可的決心。排隊排到鐵腿、然後又被莫名人潮往前推擠(順勢咕溜地往前)到搖滾區的我們，被滿滿一小時的台式硬漢搖滾魅力震懾到不行。

那是一個混和著音樂祭特有的騷動、興奮與疲勞，激昂吉他與蒼勁歌聲帶來的視聽震撼、聚光燈下90年代不羈瀟灑的長髮搖滾樂手形象、滿場觀眾沸騰地大唱「人生阿~親像走馬燈~」，一直在我記憶裡非常鮮明。還記得結束時收到站在同場不同處的友人傳來的簡訊：「看阿翔一場抵三場」，我點頭如搗蒜。

挾著今年金馬獎的最佳原創電影主題曲得主的氣勢，以及電影音樂專輯《把我換成你》的問世，亂彈阿翔南北兩場演出，聲勢相當浩大地開唱了。

該來的金曲一首都沒少，《良心》、《麻痺》、《美男子》、《絕口不再提》、《尋找》、《我要的不是你》和寫給陳奕迅的《我甲你》...，當我非常喜歡的《戀人》歌詞一進入：「冷風中雪花飄在山巔/蒼白的大地阿/看似安靜的來阿」，完全鐵漢柔情的展現(太帥了我投降)。而中場特別來賓《翻滾吧阿信》的導演林育賢喵導和柯宇綸的站台，除了呼應這次演場會「厚哩叫媽媽」的主題，也搞笑地重現金馬獎當時熱烈的頒獎氛圍，也為接下來表演的電影系列歌曲《叫媽媽》、《翻滾吧》、《完美落地》做了最棒的開場。安可曲《走馬燈》一定是渲染力十足的全場大合唱，最後整個演唱會以《寒風刺骨的思念》雙吉他互飆做為ending，吉他手阿偉忘情地跪倒在舞台上SOLO，我看到謝幕時阿翔連吉他絃都斷了。

然後你會覺得這一切都很神奇，阿翔不是休息了三五年而已，他中間有大約十年都沒有公開表演，但這些歌過了那麼多年還是那麼好聽且歷久彌新，在不同年紀聽都有不同感受，他每一場現場都一樣靦腆不多話，以彷彿是最後一場演出的態度，沉默又賣力。

我很喜歡某篇網路報導裡形容阿翔的音樂：「那是一種不會留妳下來的逞強」。他的歌裡可以聽到生命的各種況味、對理想與現實的掙扎、說不出口的愛、對社會的批判、賭一口氣給別人看的拼命、質疑和苦衷。而現在的他唱著《完美落地》告訴你要大步往前走。

也許我們對生活都還有同樣的一點逞強。

【2011 金馬影展】泥河 Muddy River (1981)

2011-12-15T00:10:00.001+08:00

究竟是戰爭可怕？還是在戰後貧困中活下去比較令人畏懼？

「也許那些在戰場上光榮戰死的人是比較幸運的。」爸爸如此說。

導演小栗康平以一種嫻熟內斂的手法，拍出了日本戰後十年的關西地區的人們，如何在過往戰爭帶來的陰影下生活。

不得已的再婚、討生活的艱辛、社會階層的差距、生存、友情、小小的快樂...，我們置身於生命這條滾滾泥河，於其中載浮載沉，各種悲歡離合交雜出一股再也無法形容的顏色，就像信雄與爸爸最後的無聲的對視一樣，無奈與滄桑不須言說，人在片刻苦澀之中便成長了。我很喜歡變著魔術的敦厚爸爸，雖然日子很難熬想到前妻也有愧對的心情，但總是像一個中流砥柱一樣撐起一個家。船屋的小孩拿火燒螃蟹當娛樂的一段也讓我印象深刻，被迫提早在成人世界裡討生活的孩子，在世俗眼光無禮地對待之下，心，是不是也漸漸麻木了？而他將來又會成為甚麼樣的大人呢？

不知為何，《泥河》讓我想起了動畫《紅豬》中非常魔幻的一段，各國的戰機載著戰亡的士兵緩緩向著光亮升空的一幕，戰爭侵略的本質也許不可避免地造成了民族意識型態的對立，但是在戰火下人民的痛楚，卻是一個大時代跨文化的共同印記，是一個沒有選擇餘地的、集體人類的共業。(《泥河》曾獲得1982年奧斯卡最佳外語片提名)

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金馬影展今年在看了十片後終於熱鬧的結束了，拖了好久的心得也終於一篇篇完成。覺得今年很幸運，都看到很好看的片子，但可能因為質感密度過高導致於我異常的疲累XD。硬要選一下「還好有看到的前三名」的話，我想應該是：《密陽》、《萬花嬉春》和《浴室春情》吧，至於理由完全是個人喜好。結束了舟車勞頓的日子，現在要回頭對付滿山滿谷的DVD啦。

【Weekly Cinema】2011.12.04-12.10

2011-12-07T18:26:00.004+08:00

啊！最近真是到了極限，可能老天爺聽到我的吶喊，所以賜給我三部我喜歡的好片吧~

《夜釣 Night Fishing》(2011)★★★★

其實會看日韓大牌檔都是為了朴贊郁啦，因為很欣賞他的敘事風格和影像美學(原罪犯、蝙蝠)，所以看到這次有放映他與胞弟朴贊旭獲得今年柏林影展最佳短片金熊獎的短片《夜釣》，就很想一探究竟。~~沒想到這是要購買套票才能看的特映場，電影公司用這招實在夠賤阿！~~

這部電影最大的噱頭，就是這是第一部全片以I-Phone拍攝而成的電影，網路上有許多幕後花絮可以看拍片過程，不過除了攝影機本身是I-Phone外，其他的收音、演員排場等等...都還是電影規格。劇本很有意思，一個男人跑去夜釣，釣了一個謎樣的女子，原本看起來像是古代民間故事的劇情(釣到鯉魚精之類的)，卻在女人發出了男人女兒的聲音後反轉了起來。夜半垂釣的人們，究竟期待釣到什麼？是人釣魚？還是魚釣人呢？

朴贊郁的劇本功力還是很棒，把一個民間傳統乩童、靈媒的故事用相反的觀點、相反的角度、相反的敘事描述，呈現一種不落俗套的風味我滿喜歡的。另外從事當代錄像藝術的朴贊旭應該在視覺美感上提供了不少點子。

《晚秋 Late Autumn》(2011)★★★★

光看晚秋的劇情和劇照，說實在這不是我會有興趣的電影，還好最後破除了這些成見，結果超乎預期的喜歡。一個因為要參加母親喪禮而獲得一日外出機會的服刑女子，在這一天之中意外遇見了一個牛郎，兩個在西雅圖的異鄉人，撫慰了彼此的缺憾，儘管這只是兩人命運中短暫交會的一日。這個很特別的故事，其實是來自於一個曾多次改編的韓國老電影，由湯唯和當紅炸子雞玄彬詮釋，我原本並沒有太期待兩人的化學效應，沒想到看下來其實還挺有火花的。

全片都是在西雅圖拍攝，很美！隨著牛郎「一日扮遊」的情節，把西雅圖多雨多霧的氣候、知名的景點、街頭風光都攝入其中，其實頗有一種「西雅圖我愛你」的味道。因為角色的國籍不同，導演也順勢在片中大玩「語言」的遊戲。像是大部分人都很喜歡廢棄遊樂園那場戲，兩個人隔著玻璃幫一對男女配音，配的究竟是信口胡謅的老派愛情故事？還是彼此對過往愛情的體悟與未來愛情的期待？(全片一段很美的魔幻劇情也是發生在遊樂園，導演用湯唯幻想的雙人舞，來傳達兩人沒時間好好發展的戀愛過程，我也很愛)

另外女主角向男主角告解入獄的原因，這一段她是用中文說的，但男主角卻憑著女方說話的口氣與表情，在每一段的結尾用他剛學會的中文「好」「壞」做評，除了有盡在不言中的默契(好事評好、壞事評壞)，當壞事被評為「好」時，似乎也撫平了那股憤怒，厄運不再是厄運。

語言梗的最高潮在喪禮餐會的「叉子戲」發揮的淋漓盡致。男主角與女主角的舊情人一言不和大打出手，情急之下男主角宣稱打人是因為「對方用了我的叉子沒有道歉」，女主角轉向情人興師問罪「這又不是你的叉子，你為什麼要用？」「一般人就算不知情，也會懂得禮節吧？」「重點是，這叉子又不是你的！不是你的！是他的！」「你是不是欠我們一個道歉？」湯唯在這場戲裡大爆炸，把自己喻為那把叉子，在愛情的過程中被爭奪又被拋棄甚至失手殺人入獄的心情，詮釋的很有壓抑過頭後的爆發力。

可能我比較悲觀，最後的開放式結局的安排，我認為片名《晚秋》就是一個哀傷的暗示...深秋之後，就是漫長寒冷的冬(不然這片應該叫《晚冬》會讓人覺得比較有希望)，最後來一張2人幫VOGUE拍的宣傳照。

《阿娜答有點BLUE ツレがうつになりまして》(2011)★★★★

「憂鬱症就像是心靈的感冒一樣，誰都有可能發生的。」

「希望未來的我們，可以笑著看待這場宇宙來的感冒。」

改編自日本女漫畫家細川貂貂的自身經歷作品，實在讓我喜歡到不行。可能因為當代人都過的挺憂鬱的關係，卻對憂鬱症有太多的偏見或刻版印象。我原以為這片會像《幸福的彼端》那樣的鬱悶飄忽的氛圍，沒想到卻完全不同，反而真實感人許多(兩片比起來我比較愛《ツレ》)。

因為不了解，所以害怕。這部片把憂鬱症患者前中後其不同的病症都表現出來，有些地方甚至是用很搞笑的方式詮釋，多少也削弱了大眾對憂鬱症的心理陰影，我們隨著ツレ一起經歷了憂鬱症的種種關卡，到最後真的有千辛萬苦終於撥雲見日的感動，「就算還是陰天，也比黑夜明亮許多」，這句OS實在說的太療癒了！宮崎葵和堺雅人繼篤姬後二度飾演夫妻，對手戲都非常自然動人，寵物大蜥蜴我也很喜歡。

「絕對不要努力，覺得難過的話就不要做這件事，不要急、不要勉強自己。」這句話是女主角在陪伴了老公努力了一段時間後的體悟，不但運用在自己的人生道路身上，同時也送給了一個剛離婚的友人。人總是要在生病了，才開始思考人心是怎麼一回事，這句話真是打到我心坎裡了，千萬不要讓自己的心感冒阿。

細川貂貂的漫畫非常可愛，也有出台版，可惜我不太喜歡台版的封面...希望出版社可以趁機改版一下...像日本一樣用黃色的不是很好嘛！！圖大大的不好嘛！！幹嘛自己亂做封面阿~

【2011 金馬影展】密陽 Secret Sunshine (2007)

2011-12-01T11:36:00.002+08:00

在陽光普照的地方，
我們是不是就可以看見全部的東西不放過一絲黑暗？

會想看密陽，其實不是因為導演很有名也不是這部片也拿下大獎的緣故，而是之前看了今年拿下坎城金棕櫚大獎的《永生樹 The Tree of Life (2011)》後有很多說不上的感覺...，看到許多網友推薦《密陽》，然後彷彿某種感應一樣，今年金馬影展竟然有李滄東導演的特集。

人在逆境中放棄信仰是電影中很普遍的主題，因為「神」沒有阻止悲劇發生，通常，如果劇情朝向負面的情況發展，主角大概就會成為反社會的瘋子或殺人魔之類的；而大部分的正向劇情又會導向一切的事件都有其發生的意義，主角最終靠著自己力量站起來重拾人生真諦...之類的。《密陽》並沒有脫離上述的範疇發展出多麼奇詭的故事，卻在兩個對立的命運結局中刻劃出最真實複雜的人生困境。

「祢怎麼可以在我還沒有走出傷痛前，就先寬恕了他的罪？」

單親媽媽申愛決定在新環境裡重新開始人生，沒想到雪上加霜遭遇了小孩被撕票的悲劇，已經形同行屍走肉的她，決定投入一開始不願意接觸的宗教慰藉。在教堂中，所有悲憤痛苦的情緒都得到釋放，神父的手輕輕放在申愛的頭上，即仿佛被上帝撫慰了一般平靜了下來。伴隨著宗教，申愛的生活漸漸重新回到軌道，但是她知道，最困難的心魔是原諒。

她決定去獄中告訴兇手「我原諒你」。然而探監時才發現，兇手早已不是想像中畏畏縮縮、充滿罪惡感頹喪的模樣，而是意外地容光煥發，兇手表示在獄中信仰了宗教、得到了救贖，他告訴申愛，上帝已經赦免了他的罪讓他獲得了新生。這番告白讓申愛的世界重新毀滅，「我是多麼艱辛想要走出傷痛，他卻輕易的獲得重生？」於是她開始挑戰信仰的底線...。

「這一切都是我的選擇還是神的旨意？」

電影裡的佈道者不斷說到，生命裡的一切，都是上帝的旨意，就連你現在看到的那道陽光也是。單親媽媽選擇帶著小孩回到亡夫的故鄉定居、選擇信仰重新站起來、選擇不原諒、選擇質疑與褻瀆宗教、選擇想要活下去...，最後選擇自己剪去頭髮，這究竟是我們的意志？還是又一次上帝的旨意？女主角墜入黑暗那一段是整部戲第二次翻轉的高潮，讓我想到了《陌路˙天堂》裡那個靠著他人的悲憤力量才活的下去的小女孩，原本以為你(祢)是站在我這邊的，沒想到被留在黑暗中的，只有我一個而已。

全度妍的演技精湛到我瞠目結舌，不僅外放的部份表現得很好，那些細微的轉折：力圖振作卻掩蓋不住的疲憊脆弱、質疑信仰時的挑釁姿態，去探監後整個人乾涸的面無表情、去找金先生示愛瀕臨精神喪失的邊緣...，都是極致演技的展現，散發出來的一切能量都很驚人，拿下坎城影后真的是名副其實。

我尤其喜歡她有一段在外面很樂觀、回到家一個人默默吃著飯、不知不覺間眼淚就無法控制的流下來、然後她一邊念著禱文的樣子，非常的無聲卻很動人。另外她勾搭藥房老闆對天喃喃自語著「祢有在看嗎」那段，導演刻意用了很長一段鏡頭讓她的臉在螢幕上是上下顛倒的，散發出一種入魔的面貌也很讓人不寒而慄。

《密陽》這部電影讓我最感動的一點是，導演將情緒轉變的起承轉合處理得既強烈又細膩之餘，還賦予了「宗教信仰」一個很巧妙的功能。一開始先給它一個不受歡迎的樣貌(藥房老闆娘說：像你這樣不幸的人就應加入團體，讓觀眾先入為主的產生排斥)、再讓它發揮正向功能(全度妍從在教堂哭到掏心掏肺到漸重拾生活中的平靜快樂)、獄中會面後的崩潰(不參與教會、自我封閉)、再讓宗教信仰成為女主角質疑挑戰的對象(勾引教友、偷東西、破壞集會、自殘)，最終在把這個部份完全地抽離，回到一個人，與她選擇的人生道路之上。

這就是一個關於生命與絕境的故事，就算把宗教的原素拿掉依然是一部很值得看的佳作，「密陽就是一個跟別的地方一樣的地方，沒甚麼特別的。」導演李滄東透過電影頭尾重複了兩次這段對話，淡淡帶出這就是我們每個人的故事，沒有甚麼特別，是每個人生命中都會歷經的。

「上帝，那時祢在哪裡？」

回到今年坎城的話題之作《永生樹》。我實在沒辦法睜眼說瞎話說我沒睡著...在長達半小時的宇宙生命的起源部分讓我昏迷了(但我有看到恐龍)...，不過劇情的部分倒是都看得很認真。

我很喜歡運鏡與美術，尤其那些從腳部的跳動、灑水器的節奏拍攝的畫面、俯瞰、天際與水流(有網友說導演用這樣的方式去呈現了上帝的視點，我們走過的路就是上帝存在的證明，我覺得形容的很棒)，大廣角、絕美的柔和色調(整片都是在清晨或黃昏時拍攝的，因為導演Terrence Malick覺得這是一天之中最美的兩個時刻)，都讓我印象深刻。

其實《永生樹》的劇情本身是很淡的，但是卻很幽微，男主角在失去弟弟之後，重新回溯了童年愉快與不愉快的記憶、溫暖與陰影、慈母與嚴父、對菁英典範的嚮往、對體制的反抗、發現父親形象的不完美、被迫搬家、然後走入更深的迷惘...。整部片像是抽像畫一般，將上帝、信仰、父親、愛、家庭等抽象的原素揉合在一起，充滿了隱喻，充滿了困惑。有趣的是，這部片的 Ending跟《陌路˙天堂》有著同樣飄渺的氣氛。

有機會會想挑戰一下Terrence Malick的紅色警戒The Thin Red Line，這部跳脫舊有框架又十足導演本色的戰爭片。

或許是我太悲觀，但某部份的我，很喜歡這類探討當人處在絕望逆境、或是信仰被摧毀的痛苦中，該如何抉擇與自處的電影。因為我認為人生就是被一連串(帶有悲劇色彩)的事件牽引著，快樂的事件、幸福的感受通常不會帶給我們價值觀上的遽變與衝擊，然而，我們不可能一輩子禱告「希望這些事永遠不要發生在我們身上」。

李滄東導演在電影講堂裡所說的很好：「電影裡即使有快樂結局，也不代表人生就會有快樂結局。如果我們在人生當中想要獲得快樂結局的話，這就是電影的功用，它讓人能夠有感觸，能夠試圖改變自己的人生。」也許我追求的不是快樂的結局，也許那是一個比快樂還要複雜的東西，但如果藉由這些電影可以一點點匯聚那些無法言說的感受或力量，我會覺得這是一個很棒的經歷。

【murmur】本日收穫之6

2011-11-30T16:33:00.000+08:00

《本日收穫》

一種屬於夏天的熱氣

一個上火的食物和一個退火的食物

無所事事卻又要做一點什麼的心情

「呆坐著也是會累」的OS

「好想好好看本書」的OS

因為真的沒什麼事產生的罪惡感

因為真的沒什麼事產生的罪惡感衍伸的自我厭惡感

做了好久的東西不知道會不會是最後一份的懸疑感

發現錯過了一個東西的扼腕感

以上是一個產量很低但感觸很多的一天

不知道為什麼，今天的心情很像大學或是在實習時的感覺，很有Kiuchi Tatsuro木內達朗插畫裡那種很清爽、很輕盈的陽光愉悅感。所以我很喜歡他某年幫StarBucks畫的聖誕限量提袋。但因為過的太無所適從了，心裡又莫名上演小劇場，覺得自己實在很欠扁。

【Weekly Cinema】2011.11.20-11.26

2011-11-26T15:52:00.005+08:00

每個人都有不為人知的一面。有些陰暗面我們有意識地努力抑制著、有些陰暗面蟄伏在潛意識的深處連自己都尚未察覺。悲觀、絕望、困惑、迷戀、病態、獵奇、幻想、瘋狂、自溺、暴力...，這些不能說的秘密，卻能在電影裡找到共鳴，我們總是透過電影，又更了解自己了一點。

《怵目驚魂28天 Donnie Darko》(2001) ★★★★☆

這部片最傑出的地方之一，我想絕對是編劇創造出了史上最恐怖的兔子符號。此外，Gyllenhaal姊弟的演出，也都跟他們現在的形象很不一樣。Jake Gyllenhaal在電影裡整個人相當的虛無與陰沉，特別是那個經典的詭異笑容，簡直跟現在的陽光大男孩判落兩人；而Maggie Gyllenhaal最有亮點的一場表演應該是餐桌戲，叛逆的形象也有別於現在充滿知性美的樣貌。

看起來精神狀態不佳的少年Donnie，常在一隻巨大兔子人偶Frank幻影的誘發下，做出一連串看似無意義的行為，像是半夜突然跑到家外面、弄壞學校水管讓學校淹大水、去老師家放火...，卻不知這一連串的行為都是命運轉輪上的小螺絲，慢慢地導向一個不可收拾的結局，因此發現了時空裂縫的Donnie，決定回到最開頭...。有一點點黑洞頻率或是蝴蝶效應的詭異Cult版味道。

電影裡有非常多的符號與暗示，融合既混亂又疏離的氣氛與色調、玩弄時間軸的前展與向後推移，探討人對於恐懼、未知、死亡、過往記憶與命運的選擇，是一部很棒的驚悚片。

《變腦 Being John Malkovich》(2002) ★★★★☆

我很想給這部片滿分(光憑海報就想給他滿分了)，但這部片比起代表作《王牌冤家》，實在是更病態，看到後面有點頭昏眼花，就稍微減個半星吧。從約翰庫薩克一開始展現了他是一個不得志的魁儡師開始，就知道這是一部大玩靈肉分離的電影，但可不是男女主角靈魂出竅、然後男女性別倒錯那麼公式簡單。

魁儡師在神祕的七樓半辦公室找到了資料員的工作，沒想到竟在辦公室裡發現了一個神祕通道，當你走進去時，你就可以進入演員約翰麥可維奇的身體裡，成為他意識的主宰，用他的眼睛看世界、用他的嘴說話、體驗他的生活，而當這件詭異的事便成一檔熱門生意後，才知道現代人對於自己有多麼不滿、又有多想要變成他人，大排長龍的生意帶來商機，也讓一群人的關係陷入混亂之中。

我好愛神秘的、大家都要彎著腰的七樓半阿！！《變腦》大玩空間遊戲，除了奇異的七樓半，約翰麥可維奇的身體也是一個可以自由進出的空房間。進入別人，變成別人。男人變成別的男人，女人變成男人，女人愛上了變成男人的女人...，混亂的自我認同與性別意識在影片中後段瘋狂的爆炸開來，這部Charlie Kaufman的大膽初試啼聲之作，實驗性質濃厚(也比較獵奇)。

我也很喜歡當約翰麥可維奇進入通道再進入自己意識的極度詭異畫面。

《大象 Elephant》(2003) ★★★★☆

葛斯范桑想說一個瞎子摸象的故事。任何人對一個事件都只會接觸一個點、一個面向，你永遠也無法知道另一個面向會是甚麼。你接觸到了甚麼，就在你心中定了形，成為你認知中全部的事實。

也因此，這個事件的本身並不是重點，甚至結局是大家都知道的，導演所關注的是事件中角色的情緒、心靈狀態與內在感受，拍攝手法非常細膩，充滿人性的幽微甚至處理地極富詩意。從早期《男人的一半還是男人》、《心靈捕手》、《大象》到《超脫末日》、《迷幻公園》、奧斯卡入圍作《自由大道》，儘管主題不同，但葛斯范桑大部分的作品都保有這種我喜愛的特質。

跟《迷幻公園》一樣，《大象》除了同樣描寫青少年群像，在拍攝上，也有近似的倒序演繹手法，一種反覆書寫的文學式電影敘事語言。此外，交換視野、多重跟拍與遠距拍攝的鏡頭運用，在這部片使用的淋漓盡致，也呼應了導演對這個影射科倫拜校園事件的故事所立下的觀點。

全片節奏沉靜、鏡頭優美緩慢，近乎寫實紀錄片的手法，將優美的古典樂曲與校園殺戮結合在一起卻絲毫不古怪，葛斯范桑的鏡頭不夾帶任何批判的情緒，忠實呈現尋常的一天、幾個尋常的青少年、在其尋常的表面下所隱藏的情緒，其中不言可喻的感受就由觀眾自行慢慢咀嚼。

之前HBO半夜三點播送這片時，竟把一小段描寫校園男同志在淋浴間的畫面剪去，我一方面覺得這是形塑角色關係很重要的小細節、另一方面也覺得...HBO真不愧是剪片台，都已經半夜三點播是有什麼好剪的阿。

《超脫末日 Last Days》(2005) ★★★☆

Nirvana主唱Kurt Cobain在樂團後期便因毒癮問題不斷進出勒戒所，或許是盛名帶來的社會壓力、或許是不願再複製自己成功模式的創作壓力、或許是一切生活思緒的混亂...，他在1994年結束自己的生命，以一種非常激進的方式，先注射過量海洛英再飲彈自盡。

《超脫末日》裡的歌手不叫Kurt而叫Blake，但不管他叫甚麼，都不會有人去質疑這不是Kurt，那個淡金色的即肩髮型喚起了大眾最鮮明的油漬印象，一個90年代搖滾樂壇的代表ICON。葛斯范桑曾在1991年與Kurt有過一次會面，他當時見到的Kurt，是一個「不多話，但非常有領導魅力」的人。在Kurt最後一次逃離勒戒所到被發現死亡的中間，有幾天消失的時間，沒有人知道他去了哪裡？做了甚麼？感受到了甚麼所以做出如此決定？《超脫末日》便是描述在這段時間裡，一個即將離世的人所經歷極度空虛無助、低落自溺、喃喃自囈、混亂絕望的內在情緒。

葛斯范桑原本極富詩意性的流暢影像，在這裡變成更飄邈、碎片式的喃喃囈語。這是一個打破英雄神話的故事，沒有瘋狂叛逆的搖滾狂人姿態，只看的到一個極度迷失脆弱的遊魂。

錯亂的時序、前後倒敘等拿手的拍攝手法一樣沒有少，《超脫末日》裡大量使用了遠窺的鏡頭，像是Kurt在房間裡彈吉他，鏡頭拉遠，最後只剩爆裂的吉他音牆這一段我很喜歡。

整部片極度的自溺，彷彿一張當代抽像畫作，劇情很淡，但我很喜歡Ending的設計，將Blake死亡的場景與當年Kurt被報紙媒體從遠處拍攝的死亡現場重現，最後靈魂離開的一瞬間，很輕、也很重。子母畫面一面上字幕、警方人員一面進入現場驗屍、搭配著教堂聖歌，我們從超脫意境中重返現實。這是葛斯范桑青春死亡三部曲的最終曲，一切終將歸於平靜。

【2011 金馬影展】萬花嬉春 Singin' in the Rain (1952)

2011-11-24T22:31:00.008+08:00

「Make them laugh!!」

《萬花嬉春》是一部關於歌舞片的歌舞片，50年代拍了一部爛默片的好萊屋男演員，企圖用歌舞片挽救自己的演藝事業，同時也產生了對身為一個好演員的認同、以及對愛情的追尋。所以我們看的歌舞片段不只是超脫常理的表達方式，同時也是劇情裡的拍攝鏡頭。而這也是一部關於電影工業轉變的電影，生動地描述了默片時代的好萊屋受到有聲影片技術的衝擊，影響了演員表演方式、導演導戲方式和電影製作的方向。

看完像做了一場美好的美國夢(美國電影真的是用來做夢的啊！)，讓我膚淺地不停大喊好好看！(片尾同時響起本次影展我經歷最熱烈的掌聲)真不愧是影史上票選的荒島電影第一名阿，任何片段都不無聊、目不暇給的歌舞、幽默機智的對話，我真的覺得如果我一個人被放生到荒島帶著這片應該可以活得很好。

男主角Gene Kelly飾演的Don是一個從滑稽歌舞演員陰錯陽差當上特技演員、再意外當上男主角的好萊屋默片一哥。Gene Kelly笑起來就是那種典型的美式帥哥，笑容很迷人，他跟男配角Donald O'Connor號稱史上最完美的踢踏舞雙人搭檔，一個俊美一個活潑討喜，youtube上可以看到非常多兩人搭檔的踢踏舞脫口秀，真的是非常精彩！

女配角Debbie Reynolds非常開朗俏麗，長相和角色性格都很討喜，我也很喜歡(有一種溫蒂漢堡的感覺)。如今雙搭檔皆已離世，三人一起表演的《Good Morning》的歡愉，只能成為60年代美國人心中一個永恆的共同記憶。

《發聲練習》這段是我很喜歡的一段演出，結合跟老師學發音的繞口令練習，語言的節奏和踢踏舞結合實在很趣味，看完想跟他們在ending一起大喊「A」！

下面是在《萬花嬉春》上映後產生了一系列很棒的踢踏舞脫口秀片段！不但結合歌藝、舞技，還融合了幽默風趣的對談，整個是一絕。(以前的Talk Show好好看！)

電影裡也演到了好萊屋演藝圈內幕，像是演員總是會亂唬爛自己的生平與出道經歷，和那些不為人知的代演代唱。其中Lina請Kathy代唱的一段，結局相當大快人心，但也點出了許多經典作品的背後都有不知名的電影工作者默默燃燒自己的才華卻沒有觀眾知道，不知為何讓我想到當年奧黛麗赫本的經典名曲Moon River，也是由他人代唱、所以無法獲得奧斯卡提名的這個陳年軼事。

【2011 金馬影展】梅里葉魔幻電影音樂會

2011-11-21T19:47:00.000+08:00

「電影是最迷人的魔術。Georges Méliès(1861-1938)」

自從1895年，法國的盧米埃兄弟(Auguste Marie Louis Nicholas & Louis Jean)改良了愛迪生發明的西洋鏡，並在法國巴黎卡普辛路十四號大咖啡館的地下室播放了第一步短片開始，電影，就成為人類文化中一個更能展現我們對世界想像的媒介。隔年，法國電影大師喬治梅里葉受到了啟發，開啟了他500多部默片的創作生涯，其中甚至包含了電影史上的第一部科幻片「月球之旅」的誕生。

我不知道Michel Gondry是不是受其感召，但我敢保證他一定愛死了梅里葉精湛的手工電影藝術，不但編、導、演、製片發行一手包辦，那些奇幻到不行的機關與景片也都是全手工製作，簡直就是sweded精神的祖師爺。

金馬影展這次超級用心，不但帶來16部短片集錦，為了讓觀眾更能體驗上個世紀(真的是100多年前)看默片的氛圍，特別請來梅里葉的曾孫女做為說書人，她用活潑生動的語調向大家介紹每部片的主題，並視情況加上一點點台詞。而梅里葉先生的曾曾孫子本身是一位相當傑出鋼琴家，他就在電影院現場為短片彈奏鋼琴配樂，精通古典、爵士、法國香頌等不同類型鋼琴曲目的他，讓這場限量版的電影播映，當場轉變為史上絕無僅有的表演藝術。

喬治梅里葉的魔幻默劇短片題材其實非常多元，除了科幻，政治、宗教、童話、中世紀的公主與女巫、異文化的想像(中東)、海底世界、魔術師與音樂家...等都是他熱愛的題材。

我很喜歡他使用一些在當時很前衛的拍攝技法(例如重複曝光)搭配一個簡單的情境，就能呈現出無窮的想像空間和獨道的法式幽默，像是他本人重複曝光7次的一人小樂對我就很喜歡，另外像是《蛹與蝶》、《神奇撲克牌》、《世紀末印象派》等都是我滿喜歡的短片。而被國際教科文組織列為人類文化遺產的影史上第一部科幻電影《月球之旅》，更是必看的經典。(一定要看看太空船是如何降落到月球的，月亮的臉非常機車很趣味！)

【2011 金馬影展】東京公園 /青山真治系列 (2011)

2011-11-19T22:36:00.009+08:00

「請用這台相機多拍拍太太的照片吧，請好好地正視她。」

初看《東京公園》，我覺得有一點《Blow Up》的味道，或許「攝影」加上「公園」這兩個元素實在太深植人心。但「究竟拍到了什麼？」，其實並不是這部電影的核心。

我覺得本片不只是一部用運了許多攝影語言的電影，更是探討各種觀看狀態的電影。透過各種觀看，如光司與偷拍少婦間單方面的窺視、光司與姐姐雙方面的相互凝視、亦或是富永與小廣處於看見與看不見的曖昧狀態間，人心的連繫與幽微的互動，透過各種視線被清晰地描繪了出來。直視他人，究竟想看清楚的是對方，還是對方眼中的自己？

「手足總有一天會變成陌生人。」

導演青山真治說，那場最富爆發力的姊弟情慾戲使用的手法，是對小津安二郎的一種(致敬)模仿。我想青山導演真是太謙虛了，這也是我整部戲裡最喜歡的橋段之一。

「凝視」本身就是一個很有趣、蘊含了很多權力慾望關係的行為，要使用鏡頭拍出兩個角色相互凝視，以及觀眾能夠感受到彼此視覺力量的強度、雙方的視野，不是一件很容易的事，我覺得青山導演傳達的很好。特別是當被攝者(姐姐)的目光直視鏡頭，一種反凝視的力量寧靜又強而有力的傳達，「我不只是一個被言說的被攝體，我自己的情感透過自己的目光傳達」，接著親吻了弟弟的畫面，情慾在主客角色的轉換間流轉，很有意思。

《東京公園》的故事裡，除了描述非一般的家庭關係之外，多角關係、日常偵探、淡淡的靈異味、同志的角色、過往的死亡事件這些元素的運用，都讓整部片有點吉本芭娜娜的味道。

這部片走寫實清新的溫暖風格，節奏雖不至於非常明快，但也不沉悶，配樂與攝影都運用的很好，每個人物的個性都滿鮮明的，角色間互動自然且有很多趣味小細節，我喜歡導演一開始沒有把大家的關係說的很明白這一點，而是隨著劇情發展，讓觀眾自行咀嚼出角色間彼此的關係與羈絆。

值得一提的是，這種溫暖療癒的風格是青山真治導演的初嘗試，與他的代表作九州三部曲有著截然不同的差異，我不曉得是不是人到了中年之後就會變得比較溫暖，但全片戶外的場景幾乎都發生在東京的各個公園裡，每一幕都拍攝的風和日麗、陽光煦煦到了極點，每個人物的週邊都散發著明亮柔和的光線，讓我想到了《東京野餐趣》之類的風格小書。導演在映後座談笑著表示，甚至有外國觀眾在看完後表示「這不是他認識的東京」。

比起小路幸也的原作小說，青山導演在電影中安排了一個幽靈的新角色，一個什麼都不知道的偵探搭配上一個什麼都知道的幽靈，這個導演特意做的雙拍檔設定相當絕妙，我個人很喜歡。另外就是我一直覺得三浦春馬比較適合演性格分明的角色，但其實他詮釋這種有點迷網的大男孩也詮釋得很不錯呢！

【Weekly Cinema】2011.11.12-11.19

2011-11-18T23:34:00.007+08:00

雖然最近Follow金馬影展已經忙得不得了，但翻一翻之前的沒發表的電影筆記，發現有一些電影集結成一篇還滿有意思的，《迷走青春》、《辣的要命》和《蹺家女聲》這三片雖然主題與風格大相逕庭，但是除了都有我喜歡的美少女演員之外，三片的配樂也都做的很亮耳！原聲帶都相當值得一收。

《迷走青春 The Tracey Fragments》(2007)★★★★

整張電影配樂都是由加拿大後搖團崩世光景Broken Social Scene操刀，我好像也只有在配合電影畫面的時候，會覺得後搖這個音樂類型好聽阿。我特別喜歡這首《Horses》，不知道為什麼看到Johnny這個名詞就有一種慘綠少年的氣味，電影中一面響起這首歌、Tracey一面跑出家裡的淺藍色粗粒子手持鏡頭畫面，一直讓我印象深刻，就是那種一定要離開、卻又不知道要去哪裡的心情。

《Horses》

...The boy disappeared,

Johnny's on his knees,

Started crashing his head against the locker,

Started laughing hysterically when...

Suddenly... Johnny... gets a feeling... he's being surrounded by...

「這是一個迷路的人尋找失蹤的人的故事。」

這部電影在07年的金馬影展是秒殺片，我想很大一部分是因為有Ellen Page的原因吧。《迷走青春》走的是標準MV式的實驗式電影風格，Low-Fi手持式攝影、瘋狂的分割子母畫面、小動作的凝視與放大、直視鏡頭的喃喃自語，拼湊、重複、重疊，一切都很後現代。

故事從Tracey尋找消失的弟弟Sunny開始，展開了一連串青春期少女的叛逆囈語與迷惘，自我認同的挫敗、在愛情的迷戀投射中迷失、自卑感罪惡感...，一切情緒一觸即發，與心理醫生的對談那段很有意思，我想Ellen Page應該演的很過癮，不但有Patti Smith式的搖滾LOOK，在電影中還髒話N連發(後半段也有不小的犧牲)。

另外我對裡面一段文字很有感覺，是Ellen講她不喜歡鄉下的原因。「我不喜歡鄉下，因為水溝裡有屍體。女孩的屍體長出花，產生了花蜜，女孩的家人去店裡買了花蜜，於是女孩的家人吃了女孩。」有點類似鵝媽媽童謠的闇黑感我很喜歡。

Broken Social Scene - Horses

《辣的要命 Jennifer's Body》(2009)★★★☆

會看《辣的要命》真的是因為我很喜歡《JUNO》的編劇Diablo Cody ，我覺得她是一個很酷的女生(外表也很酷)，對很多事情有很另類的觀點，因此才能寫出《鴻孕當頭》如此別具特色的高中少女未婚懷孕故事。當然另外還有Megan Fox跟Amanda Seyfried兩個吸睛的焦點。

很多人覺得這片很爛，我倒是覺得這片滿滿的Cult片風味阿(我甚至覺得Diablo Cody 就是想寫一個這樣的故事)，原本跟你每天膩在一起的好友，有一天突然充滿了魅惑吸引力，身邊的男生卻一個個消失，到底發生了甚麼事？或許，這一切要從一場搖滾演唱會說起...。

其實這個故事也是女性的復仇，我特別喜歡最後結束上字幕、小畫面上演Amanda的角色去找樂團算帳的部分，十足風格化非常酷！整部電影的配樂都是很流行的搖滾，EMO、Punk、POP、電氣、Hard Rock...兼具，網羅樂團包含Silversun Pickups、 Florence & the Machine 、All Time Low等年輕樂團...，相當流行悅耳也別具美式teen culture的氣味。

Toxic Valentine - All Time Low

《蹺家女聲 The Runaways》(2010)★★★☆

如果要說電影裡有可愛的女角加上好聽的原聲帶，以美國第一個全女子龐克樂團The Runaways的成軍歷程為主題的《蹺家女聲》就更不用說了！Joan Jett至今仍是女子Hard Rock代表Icon，《I love Rock'n' Roll》、《Bad Reputation》、《I Hate Myself for Loving You》都是到現在還會聽到一堆Copy的神曲，Joan無論是金髮還是黑髮都一樣殺，到現在也還是很活躍，真的是史上最帥氣的女吉他手/主唱啊！

其實這片劇情普普(就是按照過去歷史真實演出)，會看真的是因為我還滿喜歡Joan Jett，一直給我死氣沉沉感覺的Kristen Stewart在這片的演出到是非常適合，還有長大的Dakota Fanning一開場一段模仿David Bowie的演出令人眼睛一亮。

還有一段很有趣的是，在裡面非常慧眼識英雌然後性格又非常邪惡機車的經紀人Kim Fowley給女孩的台前特訓，叫一群小男生在她們練團時扔擲酒瓶、垃圾甚至狗屎，直到她們連眼睛都不會眨一下(甚至可以回擊)為止。

因為背景是華麗搖滾和Punk盛行的70年代，Kristen Stewart和Dakota Fanning的造型只能說是盡其所能的濃妝豔抹，我想大家還是覺得她們這樣比較可愛吧！:D

Joan Jett & the Blackhearts - I Hate Myself For Loving You (1998)，金短髮也是帥翻

另一個沒啥戲份的吉他手Rita Ford，其實也是又辣又強的金屬妹一枚。
LITA FORD - Can't Catch Me

【2011 金馬影展】殺不到的仇人 (2010)

2011-11-16T14:04:00.001+08:00

金馬的文宣上寫著《殺不到的仇人》保證讓觀眾「驚聲尖笑」，我還在想這是哪一國的形容詞...聽起來好B啊！沒想到看完之後，的確讓我體驗到今年金馬影展截至目前為止，觀眾現場即時反應最熱烈的一部片了！(大家真的是又笑又叫阿...)

無論是兩個手無縛雞之力被綁在床上的病人，竭盡所能想要幹掉對方用的方法令人拍手捧腹、還是後半段一次手術後兩人性格與記憶的大逆轉，讓大家極度驚呼的冷冽血腥暴力，都讓我們再一次見識到韓國電影有多擅於集合各種賣座元素，徹底發揮「小成本/大驚喜」的劇本功力，果然沒有浪得本次影展秒殺片的威名。

「人只會記得自己己想記得的事情。」是《殺不到的仇人》劇情設定的奧妙之處，一對皆失去部分記憶且身負重傷的仇人，被迫關在同一間病房裡，只記得彼此有著深仇大恨但關鍵記憶卻怎麼也想不起來。其中一個不但中風還想盡辦法自殘、另一個看起來挺樂天但每天起床後記憶又會退回原點，兩個人接受醫院新研發藥物的特殊治療，雖然能一點點喚起記憶，但會產生幻覺的副作用，卻讓記憶、真實、夢境與妄想更加混亂了起來...。

幾乎80%的劇情就發生在一個病房裡。我很喜歡最後女護士走進病房卻沒有發出驚呼的安排，似乎默默暗示著，一切都是女性的復仇。

其實後半段的逆轉我有猜到劇情(因此不能說設定的多麼出乎意料)，但整體來說還是製作的很不錯。前半段相當緊湊又很巧妙，簡直就是「你不知道的病房裡的殺人大全集」，演員一冷一熱互動相當有趣，並加入徐孝琳這個俏護士相當妙意橫溢。後半段一個手術的分隔，讓劇情急轉直下回到韓系暴力電影一貫的冷酷張力，打殺就是沒跟你客氣，寫實到會讓人倒抽好幾口氣那種，結尾再加上一點點出人意表的設定，短短90分鐘內多種口味一次滿足，算是相當划算。

【2011 金馬影展】平凡人物的號角 The Beat Is The Law - Fanfare for the Common People (2011)

2011-11-14T22:10:00.003+08:00

在英國，許多樂團都有濃厚的地域色彩，像是說到Beatles大家會想到Liverpool；說到Oasis會想到曼徹斯特，而這部由Eve Wood執導的紀錄片《平凡人物的號角》，則延續了其上部作品《Made in Sheffield》的精神，繼續探究英國雪菲爾這個工業城，在80年代柴契爾執政的礦工罷工風波、社會的動盪蕭條、保守黨與工黨鬥爭的背景下，一群來自Sheffield對音樂充滿熱情的年輕樂團，如Chakk、FON Studios...如何在世界樂壇建立起90年代第二波英倫入侵風潮─Brip Pop這個英搖名詞的基石，這其中當然包括最著名的Pulp(果醬樂團)。

「工作(？)噢不，這字眼是髒話。在那年代每個人都領救濟金度日。」

80年代柴契爾執政的經濟政策引爆了礦工戰爭，讓許多工業城市面臨了高失業率的危機，我印象中對這段歷史背景有加以著墨的電影，就是Jamie Bell主演的《舞動人生》了，片中Billy的父兄都是參與罷工最後又被強迫回去上工的礦工。在當時，許多樂團樂手也親身經歷了家人失業、或因罷工事件持不同看法反目的過程。

生活於英國左翼社會主義代表城市雪菲爾之中，這群年輕音樂家的身上似乎也都更加具有一種平民勞動生活的色彩，除了草根性的堅持(大家都想在Sheffield玩音樂，沒人想去London)，就連他們成功的歷程也都是加倍的艱辛。Pulp從1978年成立，整個80年代都在經濟蕭條的不得志環境下渡過，撐了十年直到90年代初才大放異彩，且成功融合House風格(這舞曲浪潮原本可能成為危機)，反而創造出不同於其他英倫天團Oasis、blur的曲風。

「如果像我這個瘦皮猴都可以做得到，你也一定可以做得到。」

Pulp在1995年的Glastonbury音樂季，取代洛史都華成為壓軸表演樂團，直到2000年初他們都是Brip pop的代名詞，而後彷彿輪迴一般他們又沉寂了十年，然後在今年2011年的夏天重組。這首代表作《Common People》也就是他們、與現場八萬觀眾以及橫跨數個世代年輕人對生活的共同感知與妄想。對我而言，這不是甚麼無名小卒成功的勵志故事，而是橫跨十數年終於又開創一個新世代、達到另一個音樂境界，平凡卻又強烈力量的展現。

You'll never live like common people

You'll never do whatever common people do

You'll never fail like common people

You'll never watch your life slide out of view

and then dance and drink and screw

'because there's nothing else to do

I want to live with common people like you...

【2011 金馬影展】新海誠：她與她的貓 / 星之聲 / 秒速五公分

2011-11-13T22:07:00.000+08:00

《她與她的貓》(1999)

一直沒有機會賞新海誠的作品，這次金馬影展竟然推出導演特輯，二話不說自然選擇了代表作《秒速五公分》這個場次，另外搭配的《她與她的貓》是導演的處女作、《星之聲》是融合純情愛戀與科幻的首部長篇，都是奠定導演風格的重要之作。

我個人非常喜歡《她與她的貓》這個溫暖又有點都市疏離氣息的小短篇，從一隻被撿回來飼養的流浪貓眼中，看女主人生活中經歷的快樂與悲傷，整體故意偏灰色系處理的色調、以及有時只有字幕的無聲OS、鋼琴風味的柔軟配樂，都讓這個珠玉之作呈現出一種近似抒情散文體的絕佳質感。

另外小貓找來一位成熟年輕男子作配音、以及從頭到尾都沒有畫出女子的正面五官，都是很有意思的設計，我只能說這段真的是短的好，讓我非常回味，看完甚至覺得感動到有點想哭，預告也剪的很不錯。(這場許多觀眾大遲到，甚至連這部都沒看到真是太可惜了)

《彼女と彼女の猫 Trailer》

《星之聲》(2002)

《星之聲》是一個以204X年為背景的科幻愛情故事，一對中學的青梅竹馬，因為女生被選為聯合國宇宙團隊的隊員，必須在太陽系的各大行星間進行各種任務，因此與男孩聯繫的簡訊，也從原本的隔一日收到、隔一個禮拜收到、漸漸變成隔一個月收到、隔一年收到...，最後一封簡訊隔了八年才收到。

「惆悵無奈、又融合遙遠思念的愛情」似乎是新海誠導演最熱衷的主題，而這部也有不少類似鋼彈的機器人與外星人打鬥的劇情，是科幻味道比較濃厚的一部，但整體來說故事還是很有日系輕小說的風味。

但《星之聲》最吸引我的，是美到不行的畫面。

新海誠大概是我近期看過最會畫光影的動畫家了，無論是自然光(宇宙、天光、夕陽...)、都市光影(教室透著窗的光線、透著樹蔭的光線、灑落在街道與行人身上的光線、騎樓的光影、居家的光影...)，還是人造光(街燈、電車車燈、看板燈光...)都是一絕，融合雙色的大面積暈染製造光暈效果也是他的拿手好戲，這種寫實中帶著唯美又透露著靜謐孤寂感，感覺不需要有太多劇情，就可以讓我這樣一直默默地沉浸其中。

《秒速五公分》(2007)

無緣的青澀戀情、電車(火車/平交道)、教室的場景、天空都是新海誠熱愛運用的符號，而在《秒速五公分》這個代表作中，則是將所有熱愛元素完美地運用，我非常喜愛教室大背光的場景，我記憶中也有那樣的風景，看到被如此完美呈現真是令人滿足。

其實我個人覺得新海誠的人物設計比較普通，沒有太突出的造型，肢體也比較僵硬(就是一般水平)，但是背景與劇本的良好搭配，加上配樂和剪輯運鏡都是他的優點，因此能製作出相當完整的輕暖感傷奇幻愛情小品。

整部動畫分成三段：《櫻花抄》、《太空人》、《秒速五公分》，可以各自獨立又相互呼應，同樣講述一段無緣的青澀戀情。其中片名「秒速五公分」指的是「櫻花以每秒五公分的速度降落」，不僅浪漫，且挺有想像空間的，這片名我很喜歡。第一段《櫻花抄》有大量的夜景描繪，夜晚雪地、夜晚的車站等...，幽暗的氛圍讓人印象深刻。

新海誠最為人津津樂道的除了他的主題與風格，重要的還是製作的模式。我知道很多動畫導演喜歡全部一手包辦，作動畫的人通常會有「個人小宇宙」情結，要完全地浸淫在自己的小世界裡創作。

新海誠最讓人瞠目結舌的，是全部的東西都是用他一台MAC做出來的，包含一些3D、配音配樂、剪輯等，所以能完全地掌握住個人風格，我不知道這樣的創作模式在後期製作比較大規模的作品時，是不是還是這樣運作，但早期的作品都是「一人小工廠」產生的，因此也有一些評論家表示，也許是一人製作的緣故，對於其作品上的一些瑕疵也相對比較能夠包容。

有些人將新海誠冠上宮崎駿接班人的稱號，但我覺得其實兩人的風格與關注的議題都很不相同，還是不要抱持這樣的期望來欣賞他的作品會比較好。

最後貼上《秒速五公分》最後的主題曲，日式輕搖滾風味非常好聽，也能順道欣賞新海誠導演拿手的剪輯與視覺風格。

【2011 金馬影展】浴室春情 Deep End (1970)

2011-11-12T23:28:00.003+08:00

《浴室春情》不只片名講起來有點令人害羞、連劇情也有點宅味。故事講述一個羞澀的十五歲英國少年Mike到澡堂擔任服務員的工作(竟然有這種工作！)，前半段不斷被飢渴的女客人上下其手，但他其實暗戀的，是同在澡堂工作的女同事，較年長的女同事不但週旋在未婚夫與游泳教練之間，也相當會用手斷挑逗少男，讓他一顆心懸在那邊，因此引發一連串十分忙碌且一發不可收拾的劇情...，這劇本怎麼看都挺有日本漫畫春心動盪的風味。

整部片從一開始就散發著一股淡淡臉紅心跳的氣息，可能因為主場景設定在公共澡堂，洗澡的人們、半裸的人們、浴門一開一關之間，自然流漏出不少春光與曖昧的互動，一幕幕都若有似無地挑逗著觀眾的視神經。

導演 Jerzy Skolimowski將影片拍的節奏很明快，笑點也不少，光看男主角被胖貴婦「侵犯」的樣子就讓人忍不住哈哈大笑。而他在經歷了一連串的蠢事，最後終於一償幻想宿願的背後，呈現的是情竇初開的少男，初探成人世界的愛情遊戲，體驗到了無法壓抑的衝動、喜悅、憤怒與迷惘。藉由Mike這個年輕的角色，同時展現了年輕愛情的執著能量，與身陷迷戀之中無法自拔，相當超脫現實的愛情觀點。

我很喜歡電影中幻想的段落，特別是Mike抱著疑似 Susan的裸女立牌沉入游泳池中、而立牌又轉化成真人的片段，虛實交錯，正與劇中四角戀的交雜感相互映，我們猜不透Susan到底對誰才是真心的，觀眾也跟Mike一樣困惑：她這一秒是不是喜歡上我了呢？

散場時好像聽到一些觀眾不太喜歡結局，我倒覺得Mike不小心失手誤傷(殺)了Susan、兩人沉入游泳池底(與幻想呼應)的處理，挺有英國式的黑色幽默非常特別。男主角John Moulder-Brown年輕實非常可愛，尤其是劇裡以為自己牙齒被打掉了、結果發現牙齒還在的失而復得傻笑真的非常促咪，google了一下現在已經是大叔中的大叔了，歲月阿！

飾演Susan的Jane Asher，在劇中都是很典型的60年代英倫女孩裝扮：白長靴、A字型花洋裝、鮮艷的漆皮大衣，很有時代感，我覺得她的紅髮與眼神相當迷人，查了一下沒想到竟是Paul McCartney的前女友！她也因此片拿到了英國金像獎的最佳女配角。

【2011 金馬影展】計程車司機 Taxi Driver (1976)

2011-11-09T23:54:00.001+08:00

我好像很少影展會選到十部片，今年不知道怎麼回事，卯起來選片，但最終還是有所節制...刪刪減減變成這樣的片單，可能最近看電影的胃口稍微好轉，覺得可以衝一下，再加上我的御用選票手凱特小姐又身先士卒幫我劃位，片單一不小心突破二位數根本就是一定會發生的嘛。另外就是，今年請林小乙設計這個暗暗色系的金馬主視覺我個人還滿喜歡的。

這次看的十片是：

《計程車司機/馬丁史柯希斯》(美)

《秒速五公分/新海誠》(日)

《浴室春情/Jerzy Skolimowski》(德/美)

《東京公園/青山真治》(日)

《殺不到的仇人/趙元熙》(韓)

《平凡人物的號角/Eve Wood》(英)

《梅里葉魔幻電影音樂會/Marie-Hélène & Lawrence Lehérissey》(法)

《萬花嬉春/Stanley Donen》(美)

《密陽/李滄東》(韓)

《泥河/小栗康平》(日)

「我已經開計程車開了三十年，甚至有十年是夜班，你知道為什麼我至今沒有一台自己的計程車嗎？因為我想要有自己的人生。」這是「先知」與Travis─兩個在髒亂瘋狂的紐約城市裡討夜生活的計程車司機間的對話。

計程車司機是一部非常紐約的電影，取景的地點大概位在曼哈頓的13街與第2、3大道間、東13街202號(Rooms Doorway)、東13街226號(公寓槍戰)、第3大道與13、14街間、Ed Sullivan 劇院，我想專業的死忠粉絲們應該樂意花時間按圖索驥走個幾次這些路線。導演馬丁史柯西斯把一個城市最光鮮、也最腐敗的一面，透過一個大夜班計程車司機的城市觀點展現給觀眾。因此上一秒下車的可以是正經八百的政客，下一秒入車的是醉醺醺的大老闆與妓女。

我最近好像用了過多男性浪漫這個形容詞...(突然覺得有點詞窮...還是我最近真的看了很多同樣類型的片？)，但這片真的是男性英雄主義式的浪漫經典片呀！除了經典片段如Travis在家對著鏡子揮舞著槍、練習著那句「Are you talking to me?」(快速舉槍)、想要救小雛妓逃出火坑之外，最後那個倒在血泊中用手指著太陽穴做的開槍動作，都完全是男性觀眾最熱愛的耍帥元素阿。

33歲的勞勃狄尼洛實在非常帥氣，把一個退役軍人在社會中找不到人生意義的茫然感、被心儀女生甩了開始變得暴力偏激的陰沉、和最後找到自己可以生存方式的心境轉換詮釋得很好。有趣的是，導演馬丁史柯西斯在這片裡也尬上一角，他飾演那個想幹掉偷情老婆的乘客實在讓人非常神經緊繃。

13歲的茱蒂福斯特，當初她接演這個雛妓的角色引發起一陣喧然大波，她小時後非常漂亮，跟長大後的知性風貌完全是不一樣的Style。

究竟什麼樣的電影可以被稱之為經典？在此引用蛋堡《經典》一曲裡的歌詞：「什麼叫做超經典/不會被忘/不會被換/不會被停止不停地唱」《計程車司機》就是一個最好的例子，我們可以在這部片裡找到後續無數佳片靈感的源頭：無論是落日殺神疏離夜色、或落日車神的冷硬風格、還是Leon的大男人小女孩的紐約生存與逃亡，然後也許我們不會記得整個故事的劇情，但留下的片段記憶就是那麼令人印象深刻。

【電影】安迪沃荷與他的情人 Factory Girl (2006)

2011-11-03T22:08:00.009+08:00

"It's better to burn out than to fade away." Kurt Cobain,1994.

我想這段出自Neil Young歌曲的歌詞、然後又被Kurt Cobain遺書裡引用的文字，用來描述Edie Sedgwick的一生非常貼切。她就是這樣活的不顧一切、渴望被愛的人，而她的瘋狂人生也成為後世無數藝術作品的謬思。

下面這張劇照的靈感，應該就是來自上面這張《Factory》工廠的員工大合照。Andy Warhol的「工廠」工作室，匯集了60年代紐約最前衛的藝術家、戲劇家、作者、畫家、表演工作者、導演...，一群人鎮日在工廠瞎混、聊天、抽菸喝酒打屁(偶爾吸個毒)，聊藝術概念、談左派思想、拍實驗電影，而Andy Warhol就在這個地方生出那一張張普普藝術的代表作。

Andy Warhol：...你知道的，最近的社會趨於冷漠，人們不關心他人，我的作品就是反映這些事情。

記者：就像你當初跟Edie分手後一樣嗎？你知道她昨天去世了嗎？

Andy：...噢這我知道，...但你說分手，好像我們有一段甚麼似的...但你知道的，我當初其實沒有那麼了解她。(鏡頭特寫)

純就藝術創作來看，我個人其實還滿喜歡Andy warhol的作品，但就過往的經驗來看，成功的藝術家通常也是成功的混帳，除了天分，如果能再混和一些善操作媒體的狡猾習氣、特立獨行的外表和古怪的脾氣、一些目中無人的傲氣以及一些陰影與自卑，簡直就是無敵了，而Andy Warhol就是集上述全部條件於一身的傢伙。

我猜可能有些人會覺得蓋皮爾斯詮釋的稍稍過火，但我自己倒是挺喜歡他的演出的。因為除了檯面下古怪難相處、嘴巴機車的商人氣息之外，他也把Andy warhol性格上自卑(因此他極度崇拜漂亮的人事物)與狡猾(他傷害Edie的方式，挖Edie倉疤)、小心翼翼與脆弱(帶 Edie見他媽媽)、愛吃糖愛講電話、宗教信仰...等細節都展現得很好。

我特別喜歡後段在 Edie死去後的記者訪談，那一段攝影機拍得非常近，問題也很尖銳，Andy Warhol冷靜自持的表情上，透著鏡片的瞳孔閃過了一絲陰影。一種很細微的動搖。

這張是我最喜歡的Edie Sedgwick的照片，不但有她最經典的造型(金短髮與大耳環)，她笑得很開的笑容(註冊商標)與菸酒不離手的行為，完全就是這女孩短暫一生的最佳側寫。

老實說，由席安娜米勒來飾演傳奇的60年代紐約時尚icon Edie Sedgwick其實有點勉強，一來是Edie的長像是屬於古靈精怪式的甜美，席安娜米勒長的算是成熟的；二來是席安娜米勒其實年齡已經超過過Edie當時的年紀了，所以整個就是比較顯老一點。不過仔細想想，選擇席安娜其實也不失為一個好選擇，因為我對這女明星的八卦娛樂印象遠遠超過她的作品(完全想不出有任何代表作)，這種不上不下的感覺，與Edie短暫空虛的浮華人生還挺吻合的。(而且也露點的挺大方的我們還能要求甚麼)

不過整部片看的出她很努力在演繹這樣極度瘋狂的人生，a poor little rich girl，以及相當賣力地模仿edie笑得很開懷的笑容。

Andy Warhol：「Edie Sedgwick是60年代最美好的事物。」

Edie Sedgwick是60年代風靡整個藝文界的時尚Icon，有YouthQuaker、地下電影皇后的稱號，是個浪擲千金的富家女，生活瘋狂、我行我素、怪異又獨創潮流。短短的金髮、誇張的耳環、黑色Legging、甜美笑容與臉頰上的痣是她的註冊商標。參與過的「工廠」出品的電影有：《Vinyl》、《 Horse》與《Online》、以及著名的《The Poor Little Rich Girl Saga》系列，當然還留下了數不清的攝影作品。

她出身極度顯赫的權貴之家(不知道第幾代的曾祖父還是簽署美國獨立協定的成員之一)，然而終其一生中都活在家族性醜聞、在精神病院裡自殺的兄長對她造成的陰影與痛苦中。

看來看去，我覺得更適合扮演這位60年代「IT Girl」的是21世紀的英國It Girl名模Agyness Deyn，不僅臉型像、造型與個性也都有點像(可惜Agyness太大隻)。

"In the future everyone will be world-famous for 15 minutes."Andy Warhol.

我想Andy再說出這句話的時候，這15分鐘的名望應該不包含他自己才對，聰明如他，自然是靠著創造他人的15分鐘名望為自己帶來歷史性的傳奇永恆。

Edie Sedgwick並沒有只爆紅15分鐘，但兩人交好的時間也相當短暫。Andy與Edie的互相吸引，其實是必然的結果。Andy Warhol對自己的外貌有一種自卑感，因此他天生對外表極具吸引力的人相當崇拜，Edie對他而言就像是一股強烈聚光燈，把自己的陰暗都照亮了。

Edie在Andy身上找到的是集眾人寵愛於一身的歸屬感，非常、非常多的愛戴，如公主般的受寵。她在家族裡被視為異端的性格，在Factory裡不但受到膜拜還創造了風潮，兩人魚幫水水幫魚，同時在感情上也建立起某種程度的認同感。

但根據事實， Andy Warhol其實是很公開的同志，所以我不認為他們之間有所謂愛情，其實滿像小女生間過度黏膩的友情或是一種商業關係，在吸引的強度背後也脆弱地承受不住所謂背叛，因此在 Edie與Bob Dylan發展出戀情後，Andy Warhol很果決地斬斷Edie身邊的人脈與一切，也馬上找到了下一個新玩具─Velet Underground的德國主唱NICO，一樣是站在舞台就吸引注眾人目光的焦點。或許身為後世旁觀者，我們也不能怪他太冷血，因為Andy Warhol的遊戲規則，早在一開始就告訴你了。

Andy Warhol和Bob Dylan的合照，記得當初展覽時看到覺得「這真是歷史性的一刻」。Andy-Edie-Bobby這段三角戀算是整部電影一個很吸引人的元素(也是當時藝文界相當轟動的一段八卦)，但這兩位男性其實並不對盤，除了藝術理念的違和，Bob Dylan一直覺得Andy是一個吸血鬼，在吸完Edie的血之後就會將她拋棄。電影中兩人在工廠針鋒相對的一段滿有意思的。

Hayden Christensen飾演的Billy Quinn很明顯就是Bob Dylan，不過我想因為他與Edie一段比較算是地下情(他後來被發現已婚，因此Edie與他分手)因此電影裡選擇用了一個假名，我覺得Hayden Christensen 演出的還不錯，有抓到神韻，帥度十足。

據說在這部電影上映後，Bob Dylan本人(畢竟三個主角只剩他老人家還在世)一狀告上法院，覺得電影影射因為他的關係Edie才死亡的，但事實是，這兩人除了彼此，私生活也是各自精彩，據聞Jim Morrison和Mick Jagger都跟 Edie交往過。而她在離開 Andy並與Bob Dylan分手後，毒癮大爆炸過得相當潦倒也敗光家產，電影裡演的讓人不忍卒睹。

我很奮力地在網海搜尋，並沒有找到任何Edie和Dylan的合照(照電影情節，他們不但有合照還上了報紙頭條)，兩人的一段情雖然經過當事人認證(Edie還曾經簽給Dylan的經紀人當藝人)，但還是相當具神秘色彩。因此最後就放上兩位演員詮釋的照片，替Edie紀念一下她人生中最快樂的一段時光。

【murmur】本日收穫之5

2011-10-29T15:25:00.001+08:00

《本日收穫》

極度缺乏陽光、水和小確幸的疲倦

什麼都想做也什麼都不想做的百無聊賴感
吃了過多的青蘋果口味喉糖
一則稍稍心情愉悅的簡訊

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現在的我可能需要Laura Stoddart式的優雅藝術治療。她讓我想起珍奧斯丁之類的事物，雖然我不愛她的文字，但那樣的氛圍卻讓我有點嚮往，優雅、自然、恬淡得宜、無所事事、每天為了野餐與生活中的小事而忙碌...還有什麼比這個更棒的？

【Weekly Cinema】光點國民戲院─禁忌的遊戲影展：幻影枕邊書/幹掉大老闆

2011-10-24T13:42:00.000+08:00

《幻影枕邊書The Inner Life of Martin Frost》(2007)★★☆
因為保羅奧斯特的關係...勉強給到2顆半。其實故事是有趣的，但是演員表現實在太不合我的胃口了(長的也不討我喜)，電影節奏也很怪異(男主角坐到一張壞掉的椅子再默默換到一張的用意是...？)我覺得保羅奧斯特自己本人下海去演，也許都比較有看頭(他本人還挺帥的)。全劇演的最好的，大概是那個五金行的搞笑工人吧。

然後我後面坐了三個外國人不停的發出笑聲跟踢我椅子，就當作提醒我不要睡著好了。

《幹掉大老闆Louise-Michel》(2008)★★★☆
Louise跟Michel是電影中兩個主角的名字，但編劇在這邊玩了個雙關，Louise-Michel也是法國一個相當知名的無政府主義者。故事講述一群不滿老闆捲款潛逃的工廠女工僱用了一個看起來有點彆腳的殺手，希望可以幹掉老闆，但老闆總是神出鬼沒分身一堆...。法式的黑色幽默與英美不太一樣，一個電影裡會同時出現嚴肅的劇情與誇張的表演兩種極端的氛圍，我對於他們千辛萬苦殺了一堆不是大老闆的老闆感到有點感傷。

【電影】為你鍾情 Walk the Line (2005)

2011-10-23T01:24:00.001+08:00

"Johnny Cash is what a country like this needs...someone that is the Soul of America."

By Chris Cornell, Soundgarden.

巨星東山再起的故事大眾向來喜歡，除了戲劇化之外，我們也為傳奇人物平凡、不為人知的脆弱黑暗面所深深吸引。

一個出身阿肯色州棉花田的農村男孩Johnny Cash，當過軍人、銷售員，最後自己向唱片公司毛遂自薦終於錄了人生中第一張專輯，他一定沒想過接下來的人生會踏上發行18張錄音室專輯、與貓王一起巡演的巨星之路。然後與同樣已婚的Joan Carter相戀、染上毒癮酒癮、遭警方逮捕、離婚並陷入人生低潮、之後東山再起投身公益為受刑人演唱，成為第一個在San Quentin監獄錄現場演唱會專輯的歌手並成為美國鄉村音樂歷史的傳奇。

我很喜歡幕後花絮，找來了一大堆重量級的搖滾樂手談他們心中的Johnny Cash。其實50、60年代的音樂在現在聽來是相對簡單且樸實的，如同一則則悲歡的人生故事般被吟唱著。

Johnny Cash之所以能成為無數人的救贖，同時也激勵了更多後代音樂人，是因為他不只是美國的象徵(Icon)、美國的靈魂，他同時也代表了所有勞工階級。他的人生走過許多不一樣的道路、犯過所有人可能犯的錯誤、體驗過顛峰與低潮、經歷了所有心碎的時刻，因此他的音樂中充滿了絕對的真實。

其實這部片對我來說還滿溫馨勵志的，可能因為Johnny跟Joan之間一直很有愛，比起當初看RAY帶來的震撼，《Walk the Line》在劇情呈現上相對平鋪直述，在演技、美術跟音樂的展現上也都力求真實感的呈現。

會看這片當然很大一部分是因為Joaquin Phoenix，但在看的過程中，竟懷念起他哥哥River Phoenix來了，可能因為Joaquin在毒癮的詮釋，實在是太逼真了。雖然Reese Witherspoon因為這片拿到的奧斯卡女主角獎(她難得演出內斂深沉的角色)，不過老實說這片的亮點還是圍繞在瓦昆身上，除了親自演唱與彈奏吉他，小動作的捕捉、情感的層次、發電眼神...啊！真是sorry啦瑞絲！

片子的考究在選角上也看的到。上面是當年JR與Elvis、Jerry Lee Luise、Carl Perkins的難得合照，60年代的百萬歌手四人組(也是一起巡迴作秀表演的同公司藝人)。因為要演繹傳奇人物20初頭的年輕模樣，除了神韻要像之外還要帶著一點青春的狂放、一點生澀，我覺得幾個年輕演員都詮釋得很好，讓整部片更完整。

【murmur】本日收穫之4

2011-10-22T02:02:00.001+08:00

【本日收穫】

狂跳不已的右眼皮

一種稍稍沒有達到標準的失落

幾句隔空寬厚的慰藉

集中在鼻腔的疲倦感

一塊巧克力蛋糕

午夜不知所以的雜訊嗡鳴

無以名狀的自溺

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這是《川貝母 inca pan/みなもとしずか》。

然後你就會對現狀突然感到膩了。對沒有目的的前行感到憎惡，雖然很多時候你的意識在攻擊別人，但其實多數的時候你是在對自己感到不耐煩。

你會想要脫離行伍好好看看自己一路走來的足跡。你會開始想看舊的東西、聽舊的音樂、看看過的小說、找一個鮮少連絡的老朋友聊天，然後用過往的時空記憶把自己包覆的好好的，重新認識自己，就會覺得很安全。那些回憶的太空艙，都帶著某種魔幻的種子在體內散發著粉紅色的電波，我們任意識在其中漫遊，找一個安心的角度，求一夜好眠。這究竟是滋養了生命，還是乾涸了靈魂？然而，關於這點，我們不得而知。

【光點國民戲院─禁忌的遊戲影展】我的美國舅舅 Mon oncle d'Amérique (1980)

2011-10-19T22:01:00.004+08:00

「如果我們無法理解我們的腦與意識，是如何控制別人或被別人控制的，那我們的命運，將永遠沒有改變的可能。」

電影《我的美國舅舅》是一部非常有意思的電影，我從來沒有想過那些原本只會在教育心理學課本上出現的行為主義、操作條件制約的實驗(光寫到這些名詞就讓我昏昏欲睡)，會出現在一部談感情、談人生、談兒時生活的影響、談選擇的電影裡，而且運用的如此巧妙。

電影一開始先順順地演完三位男女(陷入不倫戀的舞台劇女演員、一心想當作家的政治人物、面臨被取代命運的工廠主管)各自獨立又交錯的故事，三個人在面對工作、生活、家庭、感情的各種壓力與挑戰下的種種情緒與抉擇。之後電影切換到法國心理哲學家Henri Laborit的訪談與古典操作制約實驗畫面中，將上述發生的劇情，重新解構、歸納與實證，讓觀眾站在一個「全知」的神格角度，看實驗盒中的男女是如何在命運牢籠中不斷打轉，導演Alain Resnais雷奈把原本一個通俗的生活故事重新演繹出十足後現代的趣味，過了30年看依舊充滿了創意，不愧是拿下1980年坎城影展評審團大獎之作。

「存在唯一的理由就是存在」。

電影中不斷出現拍攝各種平面照片的集錦，像是一種成長的回憶或軌跡。而當劇中主角做出了一個重要的轉折或劇情來了一波高潮時(例如：男人負氣要離家，女人早一步擋在門口說：你哪也別想去。)，導演便剪集了許多知名黑白老電影中類似的鏡頭快速穿插，像是古與今、現實與文本的呼應，一種命運的表徵。

而解構後重新建構的畫面，更將劇中人物與實驗盒的白老鼠合而為一，這種古怪的後設畫面與三位演技派演員的絕佳詮釋，讓我在觀看的過程中不斷重複產生既投入又抽離的複雜感受。電影中有一幕讓我印象深刻，是幾隻巨大的白老鼠在劇中主角的家中裡竄跑的景象，這不就是所有中產階級在實驗盒裡的生活百態嗎？我們面對生活與關係的難題，做出一切可預期的行為、陷入可預期的焦慮與慌亂、做出了可預期的抉擇、然後我們覺得我們掌握了「自己的命運」，忽然間讓我有一種「這就是Matrix」的感覺。

「當我們面對威脅的時候，會開始互相傷害，而當我們無法傷害別人的時候，會選擇傷害自己。」

我不知道有多少人會希望自己活在宿命之中，我想也許不見得有勇氣，但大部分的人對「走出行伍」、活的不受操縱掌控都是相當嚮往的。這部電影以新鮮的影像語言與創意中帶有嘲諷的拍攝手法，傳達了這樣的人生概念。

從頭到尾，那個三個主角口中的美國舅舅始終不曾出現，而命運的出口，時而敞開，時而關上。導演雷奈透過影像文本的拼湊與再解讀，以科學的冷峻精準解讀人生的混亂狀態，是一部外在感官與內在思考可以同時受到大量刺激的好片。

【電影】單車失竊記 Ladri di biciclette (1948)

2011-10-18T22:49:00.000+08:00

「當了磚石工人，就註定要餓死嗎？」職業局前失業的工人如此說著，「工作沒有就是沒有，你兇我有甚麼用呢？」職業局的官大爺如此說著。

透過義大利新寫實主義導演Vittorio De Sica狄西嘉的代表作，我們可以看到二戰後義大利的蕭條與世態炎涼、公權力與政府體制的無用官僚氣息、人生中反反覆覆的小確幸與失意茫然，故事片名開宗明義告訴我們，這是一個掉了一台單車的故事，但看到最後你會發現，他們失去的不只是一台單車而已。

我們跟著這對父子，走進了二戰後蕭條的義大利巷弄中，走訪二手車市場、教堂、警局、餐廳、河堤、找靈媒...，隨著他們尋找的劇情，一起經歷了希望與失望，以及藍領階級生活中隨處可見的貧窮、溫暖、冷漠、庸庸碌碌、辛勞、不順遂、友情、堅毅與落空。

Vittorio De Sica的鏡頭是寫實的，不特別嚴苛也不特別溫暖，也許與他出身中產階級有關，將平凡小人物的生活百態拍的不慍不火。而他對社會階級不可逆轉的控訴，則在最後父子失意地手牽手隨著人群緩緩前進的畫面中無聲吶喊著。電影裡的小男孩很可愛，跟在父親屁股後面跑(可以看到父親過馬路時自顧自的走，根本不管後面來車就讓小孩在後面追)、頂嘴被父親打了一巴掌後躲在樹後面哭「你為什麼打我...」、以及最後眼睜睜看著父親找不回車氣急攻心去偷了別人的車，結果被圍毆的畫面，更是讓人不忍卒睹。

故事從掉了一台單車開始，我們卻透過小男孩的眼睛，看到了平凡人生最殘酷的樣貌。

【murmur】本日收穫之3

2011-10-18T01:32:00.001+08:00

【本日收穫】

一大罐愛心楊桃汁

一堆甜甜鹹鹹的鼻涕

一些該做又不該做的進度

沒由來的坐立難安

一點失望的心情

一個練手臂的包裹

一陣咬牙切齒的妄想

2顆包著情人果夾心的Macarons

一個難吃的新口味摩斯漢堡

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到底我們要如何才能活的自我卻又保有可愛的、令人喜愛的面貌？不欺騙人(也不欺騙自己)也不傷人？Eric Carle筆下的動物都毫無保留地展現自己最真實多彩的一面，卻又傻氣地令人開懷。然而，我自己心裡是那麼清楚，不是每一個人做著大猩猩的動作或努力單腳站立都能逗人發笑，也不是每一個被大量轉寄的人生教條都能複製出一樣的幸福。

「can I do it?」

與其Cut,Copy,and Paste，我寧可用笨拙、莽撞、不成熟的方式從0開始寫屬於我自己的語言，然後我會告訴你：「歡迎引用」。

【電影】裸體舞台 Mrs. Henderson Presents (2005)

2011-10-14T23:22:00.000+08:00

我們的人生充滿各種教條，卻鮮少有人告訴我們怎麼過人生。一個陰鬱的搖滾巨星該怎麼過生活、一個窮學術研究員該怎麼過生活、一個憤世嫉俗的左派少年該怎麼過生活...，「而一個有錢的寡婦，又應該怎麼過生活？」

是每日東奔西跑藝文社交？還是做點附庸風雅的手工？或花點小錢養個小白臉？在1930年代的英國，70歲的Mrs. Henderson直接了當的告訴你：「我當寡婦已經當膩了。」，預告了《裸體舞台》是一部非常顛覆想法、根據真實事件改編的絕妙可愛電影。

「你想的是乳房，我想的是胸部！」

「這有甚麼差別？」

「差別在你的靈魂。」

Mrs. Henderson在先生去世後不甘寂寞地頂下了一個關門的劇院，請了一個資深的合夥人經營，一開始獨創24小時劇場生意不錯，卻被同業抄襲失去了新意，念頭一轉乾脆來一個露點舞台秀吧！但那是一個連裙子都不能高於膝上的年代，Mrs. Henderson該如何運作？而劇場又面臨了意想不到的風波...。

整部片歌舞畫面其實不多，跟紅磨坊那種一邊演一邊唱的形式不一樣，比較寫實地呈現30年代英國戲院的經營百態。因為法官說只要裸體美女不動就可以，因此各種「活體畫」融合在戲劇與舞蹈裡實在非常非常有意思！非常的有藝術感，有些甚至很有現代感阿。也許就是在那個保守的年代，更能強烈感受到那種自由奔放的氣息，而猛力突破框架的愉悅也就格外鮮明。

Mrs. Henderson不只是一個錢太多沒事幹的老寡婦，身為劇院的的合夥人，她是一個絕佳的藝術市場開拓者，不但有洞燭先機的品味、也了解「有露點就有賣點」的商業操作模式，在感官愉悅外還能提供大眾一個動盪時代的精神依歸。

而這一切看起來瘋狂的想法，其實來自一個相當令人傷感的故事。一張在21歲就在一戰裡為國捐軀的兒子床底下發現的「法國明信片」(裸女明信片)，讓 Mrs. Henderson驚覺，兒子可能從未談過一場真正的戀愛就離開人世了，那麼年輕卻一切都還來不及經歷就消逝殆盡。而在二戰方興未艾的戰火裡，她看到一個又一個年輕士兵投入這場戰事哩，「國家希望年輕人奉獻，也應該給他們享樂的權利。」《裸體舞台》在最後，揭曉了那個堅定又溫暖的存在意義。

當然這部電影也不是沒有遺憾，飾演全劇「最美的胸部」的女配角Kelly Reilly超級漂亮，我覺得她平時的時裝照還好不特別亮眼，反而是復古造型非常適合她。眼睛非常有戲，戲份不多但與年輕軍官的一段感情戲演得非常有味，搭上Will Young的《All The Things You Are 》甜美短暫的另人心碎。

除此之外，光看Judi Dench和Bob Hopkins兩個戲精飆戲就值回票價。本片獲得奧斯卡最佳女主角、最佳服裝設計雙料大獎提名;金球獎最佳影片、最佳女主角、最佳男配角3項大獎提名。

【murmur】本日收穫之2

2011-10-14T21:17:00.003+08:00

【本日收穫】

一場秋季大雨

一記附贈喉嚨痛與昏沉的流感

過多不愛喝的免費飲品

充滿隔閡的對談

過於喧囂的鍵盤聲

四包泡麵

好幾個機械式的待辦事項

同一個視角的厭倦感

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石田徹也的作品總是讓我很震驚，「畫出這樣的圖的人，到底是用甚麼樣的視角看這世界？」那種無以名狀的空虛與寂寞讓人看了覺得打從心底發狂。然而，越是不利健康的，往往就越讓我入迷。

【murmur】本日收穫之1

2011-10-12T19:03:00.002+08:00

【本日收穫】

一段帶著玄機意味的對談

一個獲得口頭應許的提議

濃度不算太高的疲倦

幾聲發自真心的快樂笑聲

消滅了一個雜魚

陷入另一個感覺原地踏步的迷霧
一點徒勞無功的心情

一盒新加坡來的喉糖

一塊螢光綠的蛋糕

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上圖是我個人很喜歡的英國插畫家Jessica Souhami的作品，她的創作有一種罕見的東方皮影戲風味(我每次看到都有中國民間故事的感覺)，很喜歡她畫的森林裡的動物們，大家好像都有鳳眼很親切。

好久不見的murmur文是blog限定，不會出現在資訊雜亂的FB或PLURK，我喜歡這邊的乾淨簡單，有一種沉靜在自己小宇宙的感覺。

【Weekly Cinema】2011.10.02-10.09

2011-10-11T13:56:00.001+08:00

《不能沒有你No Puedo Vivir Sin Ti》(2009)★★★☆
我向來滿喜歡戴立忍的演技，但沒有想過他的鏡頭(他眼裡的世界)，別有一番苦澀的台灣社會底層小人物滋味。開頭一場廟口乩童起乩、民眾圍繞觀看、紛亂雜沓的人聲與面孔...這個畫面拍的很有感覺，刻意使用黑白冷調處理的鏡頭，也有一種帶著冷酷遠視距離的態度。

《不能沒有你》用一個父女情深的故事說明社會裡的不公義，其實劇情上覺得編寫表現的普通(這個新聞算是我很有印象的)，可能導演刻意要呈現的比較寫實的關係，有網友說戴導這部片很有義大利新寫實主義的風格我也同意。我覺得在呈現警察、記者跟行政單位的冷漠的部分都滿直白的，最有韻味的可能是爸爸在水理由下往上看著女兒坐在船邊的鏡頭吧！

《賽德克巴萊─太陽旗》(2011)★★★★☆
《賽德克巴萊─彩虹橋》(2011)★★★★
《賽》片從開拍前到上映後都話題不斷，其實對我而言想法很簡單，就是覺得台灣終於有一片能以多元文化的觀點呈現一個過去的事實、激發人民對歷史的省思、用不同文化角度去理解與認同電影了。(不只是單單去激發所謂民族認同愛國情操、或是陳述是非對錯黑白而已)。

研究所時期看了文化人類學的書，裡面講了一堆部落的人怎樣/都市的人怎樣，或是西方的人如何/東方的人如何...其實就是希望大家能用他者的角度學習理解並尊重異文化，我真的覺得要理解這些，來看《賽》片就對了！上下兩集比起來，我比較喜歡上《太陽旗》，情緒的鋪陳、文化觀點與衝突的堆疊都很有層次，把原住民的傳統講的很清晰。

下《彩虹橋》可惜的地方在於，一開始就太磅礡了，一般觀眾看電影情緒最高漲的時間應該是在1/2或2/3的時候，可是因為劇情是接連著演，所以一開始就很澎湃，我覺得賽族婦孺與花崗兄弟自盡的部分沒有把情緒推到頂峰有點可惜(但是小朋友們哭抱阿罵的部分還是讓人泣了Q_Q)，花崗一郎的演技很棒！巴萬的演技也是！中年莫那就不用說他是主角！這三位入圍金馬最佳新人我很滿意，誰得獎都非常非常棒。另外馬志翔演的鐵木瓦力斯也讓我看到相當入迷，到死前最後一刻都在跟自己童年埋下的幻覺搏鬥，非常傳神。

當然《賽》片也不是沒有要改進的地方，特效、動畫、劇情的安排...都還有進步的空間，不過看到台灣可以拍出這樣一部電影，心裡默默湧現「太棒了」、「台灣電影終於又到達了另一個層次了」的心情。

【電影】落日車神 Drive (2011)

2011-10-05T22:31:00.002+08:00

電影開始，手寫的粉紅色英文字體(就像海報上的一樣)組成的片頭閃過眼前，我很喜歡這個粉紅色的字體，加上那個幽暗孤獨的夜色，讓我聯想到40年代美國的冷硬派小說的封面，這個有點刻意復古的設計，說明了這將是一片相當風格化、且充滿男性浪漫的孤獨英雄主義電影。

如果光看片名，以為這是跟「玩命快遞」一樣風格的觀眾，可能會大失所望(但有趣的是兩部片在內容上倒是有點雷同，只是呈現了完全不同的風味)。一個平日看起來寡言內斂的無名修車廠黑手，平日除了當特技演員，最大宗的收入來自各種犯罪行為的接應工作，他冷酷、堅守原則、行事俐落敏銳、開車技術高超、沒有人知道他來自何處、沒有名字。電影一開頭的接應工作用了足球賽的梗，顯示了男主角是馳騁在夜色中，高手中的高手(這段很精彩)。

這樣的一個宛如在修練的孤獨男子卻遇上了一對丈夫正在服行的單親母子，一如所有可預料的劇情，母子成為了反派角色的籌碼，而動了惻隱之心的男子為實踐自己愛人的方式，以一種「只為今天而活」的態度走向殺戮與未知的命運。整部片讓我聯想起另一部我也很愛的冷硬之作《落日殺神》。

聽起來老套的劇情，導演尼可拉溫丁黑芬卻以此片拿下今年坎城影展最佳導演絕非偶然，他善用了幾個關鍵，讓整部片劇情與視覺產生強烈連結，迷人到不行。

一如所有熱愛冷硬派式電影風格的導演如Michael Mann，在視覺風格上或多或少都參考了美國現代畫家Edward Hopper的寂寥美國都市生活群像，夜景、空蕩的街頭、巨大的空間、人造燈光與黑暗的對比、奚落的人物，一種疏離蒼白的Urban氣息。如同《落日殺神》，本片的夜景拍的也極佳，儘管夜色低垂裡面卻充滿各種色彩，加上充滿速度感的動作場面很過癮。此外，也有不少白晝景色，一樣使用大片日光、大空間營造出LA都會風情，與血腥暴力的動作場面形成強烈的對比。

儘管畫面優美，但本片畢竟還是限制級，殺戮場面相當暴戾(大概從第一個角色掛點後就開始很血腥)，打鬥場面走的都是真實路線，電梯戲大概是整部戲最為人津津樂道的一段。

男主角與心儀的女主角和派來解決他們的殺手關在同一個密閉空間裡，除了男主角之外的兩人並無發現異狀。因此男主角先與女主角深深的吻別、再發狂似的解決掉凶手，留下一臉驚慌錯愕的女主角逃離電梯。這一段沒甚麼對白的畫面呈現了溫柔與暴力的極致，性格冷靜自持的男主角，在整部片中第一次流露了他訣別式的愛、也第一次展現了他因為恐懼而近乎虐殺的失控暴力，非常精彩。

這部片成功的關鍵選角絕對是一大重點，我原本對Ryan Gosling沒有太鮮明的印象(只記得他算是很少接商業大片的演員)，但他跟Carey Mulligan眼眉之間電流超強，兩人對話不多，卻可以感受到其中電波交會的滋滋聲，以及那種一切盡在不言中的無奈感。這種默默守候的感情模式也是展現男性浪漫氛圍的必備梗吧！

電影最後安排的很有想像空間，男主角負重傷離去、駛向無止盡的公路，無止盡的前進著，離開是他保護所愛的唯一選擇，至於他是生、是死？導演沒有交代。那種混合惆悵未知的疲倦感，覺得終於可以放下的心情，也讓我連想起一點點《險路勿近》最終的寂寞氣息。《落日車神》是今年看的院線外片中我個人相當喜愛的一部。

【NARA】跟著奈良美智去旅行 Traveling with Yoshitomo Nara (2007)

2011-10-01T23:51:00.000+08:00

「孤獨和疏離感是我創作的動力。」在宮崎葵別具吸引力的緩緩OS、以及意外有種復古英搖氣息的配樂下，開始了這個故事。

一直以來我都很喜歡奈良美智的作品，MSN的圖還用了他一張紅髮女孩抽菸的側面背影照，是比較少見的一張作品，但我覺得在某個連結點很有可以代表我的感覺，特別是那個看不太清楚五官與表情的角度，所以就一直沿用了2、3年。

不過在這幾年日本潮流藝文訊息的大量引進(炒作？)下，越來越多畫類似主題的藝術家誕生，去一趟藝術博覽會或是飯店型博覽會，各大日本藝廊都推出了自己的大臉娃娃肖像，那個正面示人、填滿整個畫面的玩偶模式瞬間有點像甚麼菌類一樣地無趣繁衍著，忽然間我有點被那樣的風格搞壞了胃口，有一段時間對這樣的風格表現感到疲乏。而欣賞這部《跟著奈良美智去旅行》的A to Z全球巡迴展覽紀錄片，或許是一個找回當初第一次看到奈良先生作品感動的契機吧！

「作畫時總是一個人。」儘管已經是這麼有名氣的藝術家，作畫的空間、作畫的狀態依然像是一個普通的藝大學生一樣簡約樸實，他的畫室就像是一個小倉庫一樣，凌亂的狀態跟師大的西畫教室比有過之而無不及，沒有畫架，就把畫紙貼在牆壁上畫著。

我喜歡看他的作畫過程，炭精筆打底、排筆大面積的上色、反覆的修修改改重疊上色，最後融合出來了一種混合了多種色彩的簡單柔軟氣息。不知道被問了多少次為什麼會畫出這樣小女孩的動機，我覺得奈良美智的回應也很有趣：「小時候的我是一個完全沒有靈感的小孩，腦子裡空空甚麼也沒有，長大後我重新回顧那時的自己，於是畫出了這樣的作品。」

另一個我很喜歡的東西，在世界各地巡展的過程中，與工作夥伴和不同在地工作人員的交流下奈良美智的變化，以及那一棟棟豎立在展場中溫暖的小房子。

「我現在能畫出以前無法畫出的東西了，但是我也不確定我還能不能畫出以前的東西了，這對藝術家到底是不是一件好事呢？但我想這總是比一成不變好。」看完電影的瞬間，看著最終展裡好多棟的各式各樣小房子，散發著溫暖的光芒、佈置成不同時期的工作室、貼著許多手稿和民眾寄來的信...那種好喜歡的感覺似乎又回來了，有一種在小狗窩坐了好一陣子，又可以大步往前走的心情。

【好久不見】2011 屋頂音樂節─猴子飛行員、MOJO、黃小禎

2011-09-25T22:21:00.000+08:00

好久沒有看現場表演了！而上一次看屋頂更是2008年跟凱特一起的事了。今年的屋頂做宣傳時，放了好多之前的屋頂音樂節的片段：1976大唱「世界末日就是明天」的態度、馬尿跟cia cia大唱吳宗憲跟溫嵐的屋頂...，突然一股混雜著熱血的回憶又出現了呢！(只能說副標「青春紀事」四個字用得真好)

這次的名單一開出來，其實我對黃玠X蛋堡興趣最高，但是基於小郵差想看猴子飛行員、以及我又好久沒看到張國璽(MOJO)，所以我們決定來個Friday Night Music Live！

不知道屋頂音樂節是不是時間改提早了？(記得上一次看沒那麼早開始呢！)7點由大叔團猴子飛行員開場，帶來非常熱力四射的美式Hard Rock，主唱的聲音真的很棒，是台灣樂團裡沒有的渾厚搖滾嗓，雙吉他互飆SOLO更是耍帥到不行，完全就是80年代的熱力氛圍，吉他手楊聲錚(刺客)表演非常投入，這真的是高中時期傳說中的人物啊！(連國璽都要膜拜的角色)猴子飛行員們表演了多首歌曲，雖然大部分我沒聽過，不過以暖場來說，他們非常的稱職。

MOJO出場的時候，情商來的女孩與機器人的鍵盤手為大家演奏了馬蓋先的主題曲揭開序幕，當時觀眾都差不多進場、場子也熱了，張國璽便用他依然非常高亢的歌喉、混雜著低級趣味的喇低賽賣力演出，還玩了主唱從台上跳到人群中被傳來傳去的把戲！(雖然國璽很怕他一飛下台大家都散開XD)，只能說大家對這個小胖子依舊十分買帳阿！氣氛熱切之外，還莫名的聽話，國璽要大家尖叫就尖叫、噓就噓，唱很不入流的歪歌《我穩死ㄟ(改編YMCA)》全場依舊笑得花枝亂燦是怎樣，連旁邊的W Hotel都可以變成他講笑話的梗真的是一個亂七八糟好笑的傢伙！

除了MOJO的歌，也表演耳熟的脫拉庫歌曲如《你的電話》，還有懷舊組曲鳳飛飛、草蜢、愛情陷阱...以歌單內容看非常精彩划算啊！

黃小禎的出場又掀起了另一波的高潮，我覺得她真的很厲害，這些年幾乎都退居幕後鮮少演唱，也沒有再發行作品，但現場的文青朋友們依舊捧場阿！(歡呼聲超大)，一連唱了15秒練習曲、我在想你的時候睡著了...等多首歌曲，雖然我一直覺得國璽跟小禎的音域其實不太搭，一個太高一個太低，不過現場氣氛就是HIGH，大家也就特別容易沉醉了。

一張大家很容易被操控的證據照片。MOJO的安可時間一定要唱《我愛夏天》的呀，間奏時間要大家一起玩鶴拳的動作(整個莫名)大家就像被催眠一樣一起做了XD，唱完我愛夏天，誠品屋頂咻咻吹著好涼、好涼的風，突然發現2011年夏天真的已結束了。

最後三組人馬在大合唱《Without You》中結束，「真是個happy ending阿」我想，不論是表演還是夏天都是。

【Weekly Cinema】2011.09.11-09.17

2011-09-20T14:58:00.000+08:00

又是觀影口味雜沓的一周阿...

《陽光練習曲 Sunshine Cleaning》(2008)★★★☆
因為很喜歡艾美亞當斯跟愛蜜莉布朗，所以這兩人組合起來演姐妹就一定要看！故事講一對生活的不順遂的姐妹，因緣際會下開起一家專門清理自殺或他殺命案現場的清潔公司的故事，清淡中帶著點寫實，兩姐妹的個性刻劃也相當有趣。

外表像個龐克的叛逆妹妹其實有著柔軟的內心，一心想要轉交獨居而死的老太太遺物卻毀了自己一段可能萌芽的感情(救狗那一段幾乎毀掉整個公司)；而看似女人味十足又堅強的前校花姊姊，在過往光環的陰影下掙扎著，希望自己可以快點考上房產經紀人重返上流，卻又不爭氣的當起了高中情人的情婦...，裡面的角色都相當立體(爺爺也很有趣)，充滿了人的劣根性，看完的心情也是一股淡淡的被洗滌的清爽氣息。

《燃燒鬥魂 The Fighter》(2008)★★★★☆
我只能說馬克華伯格很雖，跟三個戲精(克里斯汀貝爾、艾美亞當斯、梅莉莎李奧)合作，儘管中規中矩地演出，相較之下還是淡而無味許多。克里斯汀貝爾飾演的毒蟲大哥迪奇實在太神，不只是外貌上改變的用心，個性上那種活在過去榮耀中的迷失狀、總是不斷惹出麻煩再不段找藉口的鱉三模樣都太精湛，讓我差點忘了他過去帥氣的模樣。

看過的拳擊片不多，《登峰造擊》跟The Fighter是最有感觸的兩部，這兩部的主角也都有很難纏的家人(都有點視主角為搖錢樹)，加上拳擊以生命搏鬥的競技場面，肉體與精神的雙重折磨，通常都會塑造出一種悲壯英雄的氛圍，好險The Fighter的結局還滿正面的，不然我應該會對拳擊手這個職業產生陰影。(Million Dollar Baby結局太悲)

《玩具總動員 Toy Story 3》(2010)★★★★
其實我沒有看2，就直接在同事家看藍光版的3但依然覺得很好看，結局非常噴淚(所謂孩子大了的感動就是這樣吧！)不小心切換到西班牙模式的巴斯光年快把我笑死，我覺得想出這個IDEA的傢伙根本就是個天才阿，是TS3好看的一大功臣！

《惡夢偵探 Nightmare Detective》(2007)★★★☆
這部片的幾個元素其實都是日本恐怖片愛用的梗：電話、夢境、超能力偵探、密室殺人事件、催眠...，不過導演塚本晉也畢竟是怪咖中的怪咖不可小覷，把這一堆冷飯炒出了相當不同以往的獵奇風味，運鏡、配樂、氣氛營造都相當棒，雖然從頭到尾沒有半個阿飄但讓人神經極度緊繃。

而我喜歡的是這個故事(儘管我覺得劇本可以寫的再好些)，一個可以自由穿梭他人夢境中的偵探調查無解的連續密室殺人事件，在一堆眼花撩亂的恐怖元素下，包裝的是當代都市人深藏在內心深處的虛無、孤寂與求死欲。「我早就想要去死了。」安藤政信飾演的年輕警官是一個非常體貼、隨和且認真的角色，但在他的夢境中，我們則能看到他真實的內心，覺得世界很醜陋、自己無力改變什麼...，所以當他一打給導演本人飾演的神祕人物「0」隨即被鎖定。安藤的演技很不錯，把這兩種反差詮釋的很好有毛骨悚然的感覺。

「我是想死，但我想死在這個世界，我不想死在別人的惡夢中。」這部戲裡的主角都是因為不開心過往而內心相當抑鬱的角色，導演用真實/夢境的轉換，其實呈現的就是當代人憂鬱症的各種面貌，其中夢境的轉換相當巧妙，若愛好這類主題應會相當過癮。

【Weekly Cinema】2011.09.04-09.10

2011-09-12T23:53:00.000+08:00

《無名指L'Annulaire》(2005)★★★
想要改編小川洋子的作品，我想難度大概就跟改編村上春樹跟吉本芭那娜差不多，因為這些文學作品強調的都是一種氛圍，只要演員、畫面、配樂、敘事一個地方不對就會被fans批評得很慘。雖然原著是日本文學，但我覺得這部法國作品還挺抓得到小川洋子的氣味，光是電影前10分鐘的影像跟Beth Gibbons(Portishead)做的配樂就很有小川文字散發很多淡淡氣泡的氣息，可惜這個我故事我個人沒有很有共鳴，我想小川的作品無論文字還是電影都讓我喜愛的大概就是《博士熱愛的算式》了吧。

《翻滾吧！阿信》(2011)★★★★☆
這一波國片復甦運動的片中，我最想看的就是阿信了！一開始是被預告中阿翔的歌聲所吸引，後來看了果然是充滿「教練我想練體操」的青春熱血。而且在這邊我要鄭重的跟彭于晏道歉，我以前實在不太喜歡他，不過一個成功的演員只要演一部好作品就能夠扭轉大眾的印象，光是快30歲的年紀還可以練體操練成這樣真是令人佩服，另外柯宇綸演的真是好啊！希望可以入圍金馬男配，看一些幕後花絮導演說「看柯的演出，彷彿替自己補足沒有參與到哥哥的那段漂泊歲月」感覺很棒，另外我也很喜歡電話小姐的角色。

【錦老師工作坊VOL.1】500年沒做的橡膠版畫

2011-09-12T23:19:00.005+08:00

沒想到今年中秋節是912日！既然如此來進行一些久違的復古藝術活動也是很不錯的。已經不知道幾百年沒有做版畫了，翻箱倒櫃挖出雕刻刀跟馬連剪直就跟骨董化石出土一樣啊！...當年大三大四幾乎快要每天都呆在版畫教室裡，苦哈哈做到天亮跟四大版種大戰的日子真是懷念，聽到錦老師說她從美術教室帶了一些橡膠版顏料讓我眼睛一亮，而且橡膠版的失敗率又超低，想說來印一下好了！

不過眼睛也只有亮一下=_=，開始刻我就有點頭暈了...哈，怎麼那麼累阿，已經年輕刻個A4都沒問題阿~原本想要刻啥刻啥的雄心壯志就慢慢消磨殆盡。於是刻了一個小小電視版，裡面挖空可以貼一些有的沒的色塊，做複合、帶點設計感的心情挺愉悅的。

我大概做了7.8張吧(這幾張是錦老師幫我拍的)，覺得以前做這些東西的時候好嚴肅，希望很有藝術性甚麼的，現在反正也不是藝術家，愛怎麼弄就怎麼弄得自在感真好，而且錦老師可能要振奮我們彼此的精神吧，還去買了神旺飯店的巧克力蛋糕！！超好吃比黃湘怡好吃，如果失去理智可以一個人嗑掉一整個6吋的沒問題~~(我竟然帶蝦味先過去整個弱掉.../_\)

最後附上一張8年前的橡膠版作品Jazz Agogo緬懷一下過往時光(還套了好幾色以前交作業真乖阿~~)並以茲紀念，也期待錦老師工作坊第二彈的開課！

【電影】驚悚末日Melancholia (2011)

2011-09-09T23:10:00.001+08:00

上一次看拉斯馮提爾的作品是09年的《撒旦的情與慾》，過了兩年再欣賞克絲汀鄧斯特的坎城封后之作《驚悚末日》，發現兩部片的一些敘事方式還挺接近的。像是兩部片片頭都有約十分鐘以古典音樂劇(這次是崔斯坦與伊索德)作為配樂、佐以慢動作剪輯一些較意識形態、甚至有點超現實意境的畫面，做為整部電影基調的營造。

另外就是大量符號的運用，《撒旦的情與慾》的原片名為Antichrist(反基督者)，因此整部片充滿對基督教義裡性別角色、悲憫與救贖等概念的批判。在《驚悚末日》裡亦然，海報裡克絲汀鄧斯特飾演患有憂鬱症的新娘抱著一束花躺在水裡的鏡頭，就像是拉斐爾前派畫家約翰‧佛雷特米萊《奧莉菲雅》的重現，而在電影中這張畫也曾經出現。

整個故事其實很簡單，一個患有憂鬱症的新娘因為沒有辦法按著流程表進行每一件該做的事，於是搞砸了自己的婚禮。而在行星將撞擊地球的末世氛圍下，每個人該用甚麼樣的態度看待未知？我很喜歡這部片的意像，光看電影海報便說明了一切，Justin宛如哈姆雷特裡的奧莉菲雅一樣，有一種詩歌似地悲劇情懷，以一種沉靜清澈的感傷氛圍接受自己的命運。

(另外布勒哲爾的畫作《The Hunters in the Snow (Winter)》也出現在電影中兩次，我想應該也佔有重要的符號意義。)

在第一段劇情裡，憂鬱症的新娘不斷脫軌地做出令人覺得不明所以的舉動，譬如切蛋糕切一半跑去泡澡、在高爾夫球場小便、在婚禮進行中偷偷與素昧平生(甚至也稱不上喜愛)的男性發生性行為...，並不斷忍受姊姊與姐夫的指責、父親與母親的失合、惹人厭的公司主管、與丈夫間不同調的隔閡。Justin無法按照社會的遊戲規則建立每段「正確」的互動關係，她不斷發生微弱的求救訊號，卻換得眾人「拜託你今晚就正常一次」的期望。

因此第二段劇情的一開始，憂鬱症發作的Justin回到姐姐家療養，彷彿一個重病患者一樣，毫無行為能力。然而在末世巨大不確定性的壓力下，身邊原本一個個充滿正向意念的正常人們卻一個個瓦解了。最先崩潰的是平日處處展現強勢領導風範的姊夫，原本被強大意念包圍的正常人們在命運的最終只能以自殺逃避或像個孩子般的無助哭泣，而對生命與社會關係本來就抱持著巨大悲觀消極看法的Justin，在這個時刻反而能以一種平靜的先知姿態，淡漠地接受毀滅的一刻。

所謂的「症」是相對於正常的運作，有一種多數/少數、強勢/ 弱勢的權力對比，拉斯馮提爾以一個事件的發生，轉換了兩者的立場非常有趣。我向來喜歡拉斯馮提爾對社會中一些既定的弱勢團體做概念上的反轉，但這種強烈且獨到的詮釋方式也不見得每個人都能接受就是了。據說他本身也深受憂鬱症所苦，因此在坎城記者會上會發生失序納粹言論也不那麼令人意外了。

比起《撒旦》，《驚悚末日》的幽微超現實視覺呈現整個就是完全地符合我個人喜好，很多幕都美的像畫一樣。我特別喜歡一開始Justin穿著婚紗走在一片灰色荊棘中的意象，寸步難行的畫面彷彿憂鬱症患者在社會制度上行走的滯礙與痛苦。另外電影的最後，大家都被藍色行星的巨大光芒給覆蓋，那個畫面也相當震撼。

他們生活的世界(2008) ─ 電視裡外的人生都有大道理

2011-08-28T18:57:00.003+08:00

我看的韓劇很少，因此推薦的也更少，為了不與時代(還有同事)脫節，今年起我逐漸打開對韓國人的心防開始收看一些韓劇，希望自己可以活得少一點偏見XD。陸陸續續藉由朋友同事的推薦看了《個人取向》、《是美男阿》、《Pesta》、《祕密花園》、《你為我著迷》之後，我終於找到一部可以真的打破我對韓劇的成見、並且可以真心地推薦給朋友的韓劇了─《他們生活的世界》。

看了幾部韓劇，發現儘管主題各異，但都存在某一些發展模式，譬如男女主角的互動與誤會、男主角的媽都有點難搞、小姐&流氓或少爺&平民少女的各種組合、永遠默默守候的男二與永遠來亂的女二...，如果說電視劇反映了某些生活的真實面向，那麼為什麼我們人生的快樂與悲傷都不像這些電視劇裡那樣痛快呢？拍電視的人又是如何看待自己的作品呢？主角面對感情的態度是不是也反映了導演的人生觀或感情觀？

《他們生活的世界》是一部風格與節奏都相當破格的清新小品，故事的主角就是一群在電視台工作的電視人的故事，他們的生活也與他們在戲裡拍的戲劇交互呼應著，相當有後設文本的趣味。(上一部看到類似結構的電視劇，好像是日劇《虎與龍》吧！)

以三條主要的感情線交互穿插著：電視台內的前後輩導演(玄彬&宋慧喬)、電視台台長與資深女明星、票房超好的明星導演與新人女演員，並佐以一群菜鳥副導、資深老演員群、武行、編劇、主角的家庭成員等等，滿有日劇或漫畫的風味(也有網友說有點像《Love Actually愛是你愛是我》的味道)。

此外，16集的片名和片中男女主角的口白，都寫得相當發人省思，並與該集劇情層層呼應著。像是：

《第二集/心動與權力的相互關係》
男主角：「這個導演終於等到她一生中最好的劇本，這個男人等到一個好消息─他終於要回到魂牽夢縈的電視台了，但這些心動，也會瞬間破碎，就是遇到權力時，就連愛情也不例外。電視劇就是對人生的詮釋，失去理智、失去自我、沒有想法，也沒有對時代的理解，你以為把畫面拍好，就是導演了嗎？」

《第四集/我所不能理解她們的故事》
男主角：每一個導演在邂逅一個新的作品時，就好像踏入一個未知的世界，讓人產生恐懼。但如果不能正確面對這些恐懼，這個新作品一注定就要失敗。為什麼要拍這個作品，我鏡頭下的角色分別擁有怎樣的價值觀。為什麼會孤獨？為什麼會無法入眠？我鏡頭下的愛情故事甚至要考慮到角色的性格取向。

真奇怪，「我無法理解妳」這句話，昨天對我來說還是憤怒的意義，但現在抱著「無法理解」的俊瑛，卻感覺這句話很有魅力。因為無法理解，所以我們才能更多地交流，我們才要專心傾聽對方。「我們不是因為互相理解才相愛的」，就這樣繼續下去吧！

《第五集/純情對我來說，很棘手》
女主角：想想看，其實我並不是對一直講述純情的韓國電視劇反感，而是討厭沒有純情的自己。為什麼呢？因為我比對方更加愛對方的這件事情傷害了我的自尊心。但只要我這樣跑過來，以及只要相信向我奔跑過來的他...，到底我在懼怕什麼呢？

《第九集/活得像電視劇一樣I》
女主角：小時候是為了媽媽，才看了電視劇。但如果一直繼續躲避下去的話，就只能一直深陷在電視劇裡了。我不允許這樣的事情發生，電視劇只能是電視劇，而人生是我的人生。只是身為詩人的爸爸好像也說過類似的話，如同詩一般，過好你的人生。

為什麼當一段關係要變得更親近時，就一定要說出自己的秘密或是分享自己的傷痛？為什麼不能把傷痛埋藏起來，直接讓感情更進一步呢？難道除了互相分享自己的秘密，就沒有變親近的方法了嗎？

另外還有像《活得像電視劇一樣II》、《他的底限》、《中毒、後遺症、混沌》、《絕對無法適應的幾點》、《劇作理論：劇本大綱的演繹方式》這幾集的口白都很棒(不勝枚舉阿！)，全OS可以到《蘑菇愛亂寫》這個BLOG看看。

除了劇本與拍攝方式，演員的表現也很成功。這部戲最吸引我的地方就是少了一般韓劇聲嘶力竭的誇張通俗，每個角色都寫得很立體，同時兼具各自的自信與魅力與人性中偶爾產生的自私、偏激、消極性格，演技的展現也完全是走寫實路線。特別是玄彬跟宋慧喬這一對互動真的非常自然，自然到簡直就是把他們私底下的模樣搬到檯面上一樣(兩人也在拍完這部戲之後交往，直到玄彬入伍分手)。

也可能就是太自然了，所以這部戲在韓國的收視率滿低的...XD(不合韓國人胃口吧)，好像平均只有6%-7%，以這個CAST來說算是不及格，不過看電視或電影本來就是這樣，只要在欣賞的某一個瞬間，我們的心靈有所觸動、與生活有所呼應、或是憤怒得到了發洩、悲傷得到了同理、從中獲得新觀點或正面的力量，就是好戲劇吧。關掉螢幕的那一剎那，我也會想，那麼愛看電視電影的我們，映照出來的人生，又是如何呢？

【Weekly Cinema】2011.07.31-08.06

2011-08-08T14:01:00.000+08:00

這週的電影口味還真是雜沓，...商業/藝術/復古/前衛都有，完全顯示出我這個人善變的性格。

《哈利波特7: 死神的聖物Ⅱ》(2011)★★★★
雖然我個人覺得還是倒數第二集好看，好看的程度有拉回第三集阿茲卡班的逃犯的水準，但畢竟是最後一集，就這樣十年過去了啊！最後還真有點依依不捨的感覺(大概是這種感傷讓觀影感受更唯美了點)，連昨天在電視上稍微重看了當初覺得不好看的《鳳凰會的密令》也都覺得...「其實還不錯看呀！」我想大概是回憶讓一切都美好了起來。而長大後的主角群們最後也畫了中年裝扮各自兒女成群，我只能說...榮恩你的肚子應該完全不是裝出來的吧。

《香奈兒CoCo Chanel》(2008)★★★
這部不是《香奈兒的秘密》，也不是《時尚女王香奈兒》，而是由莎莉麥克琳和芭芭拉波布洛瓦領銜主演的電視電影(共兩集)。劇本其實很樸實並不突出，講述CoCo Chanel是如何崛起的，也不過度鋪陳她與情人間的關係。但我很喜歡開頭，以一場中年CoCo Chanel失敗的時裝秀為開端，她不是一旦平步青雲後，就一直飛黃騰達的設計師，永遠在極度善變嚴苛的時尚產業裡戰戰兢兢地捍衛自己的時尚理念，也不斷對自己產生「我是否已經對流行失去敏銳度」的質疑，堅強又脆弱地生存著。

翻開歐美名牌的歷史，洋洋灑灑一切都是男性當家，因為以前的女性打扮是女為悅己者容，但CoCo Chanel認為女人應該要為自己裝扮，因為「自由，是永遠不退流行的時尚」，光是這句話就能在柔軟的山茶花符號中體會到堅毅的女性主義氣息。而4.50年代Chanel由原先Urban、自主休閒風格一直到21世紀成為貴氣經典的符號，其中形象意義的轉換也挺有意思。

《嗑到荼靡 Enter the Void》(2009)★★★★
十大禁片《不可逆轉》的法國鬼才導演Gaspar Noe睽違多年的新作，全劇以一種仿一鏡到底、第一人稱視點的方式完成這部前衛的迷幻巨作。會說「仿」的原因是，其實他每一段劇情在跑的過程都是一鏡到底的，但段落與段落之間其實是以一些很巧妙的迷幻片段串連著。從影片的一開始，強烈的字幕便散發出詭譎的電波氣息，觀眾隨著不斷出現、散發著異光的曼陀羅紋像、血管擴張的意象、巨大的白光、漂移的空間、真實建築與模型的交錯、回憶與現實，展開一場虛實交錯的spiritual旅程。

我非常欣賞觀眾以男主角靈魂漂移的視點，在一個空間上下左右斜穿牆漂移的拍攝畫面，非常炫麗不知怎麼拍的。其實這部片對嗑藥的描述還好，主要是死亡經驗的表現，以及週遭人對突如其來死亡事件的反應。或許對導演來說，每一次的用藥經驗都讓他有了瀕死的感受。除了拍攝手法，其實劇本我也很喜歡寫的很精采，推薦給想看看獨特劇情、對特殊拍片手法有興趣或感官已經麻痺的朋友們。

《她媽媽的公主 My Little Princess》(2011)★★★★
「父親這種生物不存在於世界上。」
這部由Eva Ionesco導演的作品，其實是她個人童年的自傳，她本人就是電影中那個十歲就被媽媽─世界知名的情色攝影大師Irina Ionesco提早在鏡頭前綻放的Violetta。這部片有很深的控訴意涵(簡單講就是恨意濃)，導演本人也在長大後與母親展開訴訟(想買回小時候照片的所有權)。

「他們說你這樣拍我的照片，是一種『亂倫』。」
攝者(母)與被攝者(女)間權力與欲望的流轉是這片的一大看頭，Violetta在這個關係中不是全然的弱者，當母親拍其他模特兒時她極度憤怒覺得愛被剝奪、她也清楚地告訴母親「你就只有拍『我』才能引起大眾的注意。」母親告訴Violetta「這是藝術，外界平凡的人不懂」、「他們如果要笑我，我就笑給他們看，哈哈哈哈哈。」母親給了Violetta一個藝術家叛逆的態度，卻沒有給她藝術的精神和抵抗世界的勇氣，所以當Violetta看到自己的照片被印在情色雜誌的封面，那個母親建立起的聖殿是急速被摧毀的(你跟我說這是藝術，為什麼我看到自己被糟蹋？)。

其實整部戲看下來，我不忍對伊莎貝雨蓓飾演的母親角色過多苛責，她的確是一個渴望活在掌聲下的失心瘋失格母親，但我看到她在一次次的拍攝過程中，也企圖釋放那個曾經烙印在自己身上的亂倫印記。再來看到的是女性角色在藝術領域的掙扎，我不知道今天如果這兩個角色換成父子是不是就會少掉許多爭議，也不知道藝術家、藝評家貪求女性的性感之餘卻設下年齡的限制難道就沒有假道德之嫌。

我喜歡電影最後，Violetta在少年監護所知道母親來探望她，從後門溜走在樹林裡狂奔然後畫面結束的場景，許多人覺得這幕挺有向四百擊致敬的意味。另外我喜歡飾演導演Eva Ionesco小時候的Anamaria Vartolomei，像個芭比娃娃一樣非常漂亮。

【電影】線人/林超賢 (2010)

2011-08-03T13:35:00.002+08:00

因為非常喜歡前作《證人》，所以當我看到林式原班人馬的續作《線人》，就懷抱著既期待又怕受傷害的心情欣賞著。老實說我還是比較喜歡《證人》，劇情一氣呵成、緊湊並將人物個性和互動張力融於其中，加上當時對轉型的謝霆鋒和演技大爆發的張家輝表現印象深刻，只能說《線人》算是維持水準(但還有很多進步空間)的續作。

一個導演會想要接連兩部片都用同樣的男一男二，並讓他們在前後兩片飾演反轉的角色，想必對其演技十分有信心。的確，再看完《證人》與《線人》讓我對張家輝好感度大發，無論是詮釋身不由己的半盲殺手還是表面上是個踩著線人往上爬的冷血高階警官都很有力道，而謝霆鋒在《證人》裡的悲鳴外放到《線人》裡的壓抑內斂，可放可收也都展現了稱職男二的本事。

可惜《線人》的劇本對我來說整體刺激有餘精采不足。跟臥底一樣，線人在警匪片的結構中也是很微妙且充滿危機與血淚的角色，臥底已經有一部《無間道》把其生命描寫的淋漓盡致，那線人們呢？

其實我覺得「線人」這個角色本身也是有很多精采的細節可以去描述。會願意賣命當線人的人，通常有比性命更想保護的東西也處於身不由己的狀態，利用著自己跟黑道的一點連結以及對良善的一點渴望在夾縫中辛苦存活著，忍受著背叛與被背叛的折磨。可惜整部電影就壓縮在細鬼(謝霆鋒)出獄為錢當線人、幫警方抓一個大哥的任務裡，主案子本身是相對簡單的，對線人的心理刻畫沒有我期望的深入，也沒有呈現出那種「三年之後又三年」的無奈宿命。

不過導演還算是有一套，在整個看似平淡的故事中三不五時運用了一些刺激的元素。像是警匪片中一定會有的跟監行動、槍戰追逐，或是太平哥發現有內鬼直搗細鬼家差點露陷的一段都非常刺激到位，有腎上腺素激升的感覺。

其實仔細看，電影裡有許多點到為止的元素都是很有趣的。譬如線人與警方如何聯繫、線人的情報如何計費(抓到一個毒梟是多少、破一個賭局是多少都有價目表可循)，線人的身分也不一定是跑腿的小弟，也有可能是個幫派的二堂主，靠著跟警方交換來的情報在組織裡往上爬。

像是電影一開始警官與前線人的互動描寫就很棒，原本出發點是一個要錢一個要利，但兩人其實綁在同一艘船上也培養出了一點情分。但關鍵時刻警察為了抓人其實犧牲線人性命也是在所不惜的，而前線人最終落得被黑道追殺、發瘋成街友的下場，受不起良心折磨的警官也只能夜夜默默去探視，甚至在前線人面前抓了黑道老大只為告訴他「你現在可以回家了」。這種利用價值結束被警方拋棄的劇情，也更張顯了所謂正義的醜陋。我喜歡這段劇情是因為不但揭露了線人的悲哀，也讓觀眾感受到張家輝角色的立體感，他跟他老婆那一大段反而不是必要的存在(也跟主題線人沒什麼關係)。

因為這片有桂綸鎂，也讓我很想說一下她的表現。每個玉女到了一個階段一定會想要轉型，通常「變壞」是最快的方式，有的轉得生硬、有的令人驚艷。桂綸鎂也是在不斷的嘗試中去發展自己轉型的範圍，對我來說，她在《停車》裡演一個滿嘴髒話的不滿少婦就很像小孩子的逞強，但在《線人》裡的表現說真的有讓我看到不一樣的她，就算是鼻青臉腫眼睛也很有戲。

我不滿意的是她雖飾演一個從台灣到香港的角色，但總可以安插講個一兩句廣東話吧(交雜著講會比較自然)，譬如喊謝霆鋒細鬼就可以用廣東話喊，用中文講「細鬼」豈不怪哉？再來就是，我覺得她在戲裡的樣子演大哥的女人有點勉強，看她開槍的狠勁跟偏俐落的造型，形象應該比較接近大哥手下的大將(但跟大哥有一腿)的那種大姊頭。

導演在訪談裡也說到，其實一開始要用桂綸鎂有點擔心，但相談後發現她也沒在顧忌形象就覺得用她也OK，why not ? 像這個跟謝霆鋒拼酒的場景，有一幕桂一個人一口氣喝完一整瓶的一鏡到底畫面，導演表示她是真喝，連原本不喝酒的謝都嚇到也卯起來一起喝。

劇中把兩個人當初相識的契機拍的很趣味，令人印象深刻。我個人覺得戲裡兩人的情愫發展還算是淡而有味，沒有搞到太像旺角黑夜那種我倆沒有明天的壯烈氛圍，儘管大結局是滿慘的。

看一些演員訪談的新聞，許多演過林導的演員都表示非常樂意回鍋(更遑論張和謝)，一種「林家班」的熱烈氣勢正逐漸形成，好看的警匪動作片還是香港電影對我而言最有吸引力的特色，繼續期待林導和他的林家班的後作。

最後補一張熟悉的小鎂笑容(大家在片場幫她慶生)，演古惑女還是一樣勾錐喔！

【Weekly Cinema】2011.07.017-07.24

2011-07-25T20:54:00.000+08:00

《借物少女艾莉緹借りぐらしのアリエッティ》(2010)★★★★
最近聽了焦雄屏的動畫講座，讓我整個又有了宮崎駿Fever上身的感覺。《借物少女》是一個用清新典雅視覺包裝著大議題的小品，說小品是因為無論劇情還是議題都是點到為止，相信有不少人看到最後都會覺得「蛤？就這樣？」但我自己是滿喜歡這種不太樣版的設定。

影片中心思想是一貫吉卜力的精神：人與自然的關係，我喜歡這部片用「借物」的概念作角色上的反轉：自古人類都是以向大自然借物來說明獲取資源的行為，如果今天存在於自然界的精靈或其他種族來跟我們借物呢？另外小男孩(翔)將自以為是的善意強加在艾莉緹一家(送他們玩具屋的廚房)，結果導致他們被人類發現的事也很有意思，我也很喜歡這部片的角色設定，一開始看起來凶惡的貓後面跟艾莉緹有了友善的互動、而一開始看起來人很好的管家婆婆反而是一心想要抓住小人的人類，非常有人性矛盾與幽微感的一部動畫。如果這些都不是想看的部份，其實光畫面跟配樂也挺適合治癒過度炎熱的夏天。

《戀愛從游泳開始Jack Goes Boating》(2010)★★★
這是奧斯卡影帝Philip Seymour Hoffman第一部執導的的影片，這次台北電影節我會選來看真的是衝著他的緣故。一如所料是一部小品，也出乎意料地片子還滿深沉的，探討兩對中年男女的愛情與婚姻，那些我們好像逐漸懂了卻還是無法掌握的事，如果有單位要辦《中年影展》的話可以把這片選進去。(會有這種影展嗎？)

《我的藍莓夜My Blueberry Night》(2008)★★★☆
這是王家衛第一部全英語發音的電影，可惜當初好像有一點雷聲大雨點小，本位主義的粉絲們也還是比較愛原汁原味的舊作的樣子，不過我個人倒是挺買帳的，王家衛擅長的那一套放在西方的情境裡也不突兀，當然可能這部的演員我也都滿喜歡的也是原因之一吧！

就像阿飛裡說過的，王家衛的電影我真的不知道劇情有啥好講的，但你就是會記得一些片段，「過去幾天，我們在學習不去相信別人，很高興我們失敗了。有時我們把別人當成鏡子，定義他們等於告訴我們自己是誰，從他們身上反射出來的每個投射，都讓我們更喜歡自己。」就像裘德洛跟諾拉瓊斯接吻的這一幕一樣，記得這個就夠了。

《武俠Wu Xia》(2011)★★★★☆
陳可辛的電影向來可以在限定的框架裡玩出新把戲，《如果愛》如此，《武俠》也是。前半段的金城武辦案真的非常讓人耳目一新，彷彿在看明治小五郎+CSI一樣，拍攝手法、運鏡、剪輯、配樂都很新穎，慢動作武打也編的很有趣，後半段「出來跑遲早要還」的劇情也補足地十分合理，由於我不是葉問的粉絲，所以我覺得武打的部份對我個人而言是很滿意了啦。

整部片子也跟CSI常探討的一個主題相似：真相是不是真的那麼重要？你翻開一層土，傷害了多少小生命呢？金城武飾演的徐百九這個角色真的很有趣，最後他拯救的，其實也是原本不再相信人性的自己。~~四川口音最高！(XD)~~

【2011台北電影節】阿飛正傳(粵語原音版) (1991)

2011-07-22T16:27:00.001+08:00

這次台北電影節特別選了一部王家衛早年的作品《阿飛正傳》粵語原音版來欣賞，除了裡面充滿現在一線港星青澀的模樣，還能順便緬懷張國榮俊美的面容。其實以前王家衛的電影我一直沒有非常投入，僅能領略他在形式與眈美戀物風格上表達的趣味。不過小時候看不懂的，未必長大便無法再體會，就像最近重看了《我的藍莓夜》獲得不少樂趣一樣。

能夠在大螢幕上再一次靜謐地欣賞《阿飛》是享受的，憂鬱的鏡頭、特寫、對白，高反差帶著綠光的攝影、懷舊的配樂，還有那個永遠的經典，誰都抓不住的絕美Lesley。

張國榮他在電影裡跳舞的這段是整部電影我最喜歡的片段，也只有他可以穿著阿公背心加阿公內褲還跳舞的那麼痞又那麼迷人。我的視點跟著Lesley舞姿左右的移動著，先從左邊的鏡子裡看到投射，再看到右邊，隔著牆旭仔又跳到左邊，在影像空間裡建立起一種雋永又親密的觀影經驗。而前一段「沒有腳的鳥」的口白也是經典，就像是旭仔的形象一樣，太感傷的飛翔，讓我不禁聯想起Lesley結束自己生命的方式。

「因為你，我會記得那一分鐘，從現在開始，我們就是一分鐘的朋友，這是事實，你改變不了，因為已經過去了。」

「他有沒有因為我記得那一分鐘，我不知道，但我因此記得了這個人，他之後真的天天都來，我們就從一分鐘的朋友，變成兩分鐘的朋友，沒多久，我們至少每天見一個鐘頭。」

這段也是許多人喜愛的阿飛著名OS之一。充分地表達了王家衛的感情觀，一種永恆的瞬間。

看大牌明星們青澀的模樣實在過癮，尤其張學友一出場大家都笑了，年輕的劉德華也好帥(雖然是五億探長的造型)，劉嘉玲的小辣椒LULU也相當有風采。

但最讓我驚艷的，是早年極度清純的張曼玉，尤其當LULU跑去找她嗆聲時回的一句「至少現在哭的是你不是我，我從很久以前就沒關係了。」真是溫柔又堅毅阿。

其實王家衛的電影到底要看的是什麼？我也說不上來，也許就是一種氛圍跟情感的描述吧，劇情好像不是那種重要，儘管在一些段落的轉折和節奏上常常會有讓人「啊？」的狀態，但看久了似乎也就是導演本色，王家衛永遠都能拍出一些讓你記憶猶新的片段。

像是梁朝偉令人玩味的最後一幕就是。他就僅僅出現在這影片的最後一段，沒有名字，沒有對白。在一些訪談裡，梁朝偉表示當時的他其實對演戲已經失去興趣，早年的香港電影就是一些比較樣板的表演模式，所以當王家衛希望他詮釋一個賭徒出門前打理自己的狀態時，他開始關心起自己詮釋角色的心境與細節，像打通任督二脈一樣，從此表演邁向另一個層次，也是他自認最喜愛的演出。我個人很喜愛這一段的影像跟配樂，以及那個低低的天花板。

【Weekly Cinema】2011.07.09-07.16

2011-07-18T15:20:00.003+08:00

看的電影太多，有的不好看不值得長篇大論，有的很好看可是我沒有腦汁了，那就用這種偷懶的方式給自己紀錄一下吧。

《完美女人 Volver》(2006)★★★★
小潘潘在裡面真的很美，風情萬種又很堅毅，無論是聽到阿姨死訊眼淚直流還是在餐廳裡忙進忙出，都有遮掩不住的光芒。也是一部非常阿莫多瓦的電影，除了他我想不出誰可以寫出這麼離奇的劇情(據說這是改編自他小時候，母親與三姑六婆間的真實八卦傳說)。

《血紅帽 Red Riding Hood》(2011)★☆
當初這部片即將開拍時，我還曾在PLURK上發了一則「期待」的短訊，現在想起則是有點汗顏...還我哥德版血腥小紅帽啊！(敲碗)說到闇黑版的小紅帽，小時候曾看過日本改編過，女主角是安達祐實，除了小紅帽還有非常詭異版的愛莉絲夢遊仙境，不知道大家有沒有看過？年代久遠我只依稀記得片段，在我心中詭異版至少要有這種等級阿。

但這部片至少有曼達塞佛瑞和蓋瑞歐德曼可以看，場景美術也很不錯(但也沒到非看不可的地步啦)，小紅帽穿越森林雪地去找阿罵的鏡頭，讓我小時候看格林童話的回憶都跑出來了。

《噬夢真愛 Neverlost》(2011)☆
因為這部片在今年台北電影節好像還滿多人推崇的，所以這真的是我很個人的心得(不喜勿戰)，簡單一句話：鳥片一部。導演應該是看過很多電影很多廣告，就那個很酷的風格也想拍一點、那種雙線敘事很喜歡也拍一點、阿床戲也很不錯來一點、上一代的恩怨一定要也來一點...就成了一部大雜燴。演員演技也都很青澀。同樣條件的小品還是首推超市夜未眠(cashback)，雖然導演人看起來滿好的，但片子真的不優。

【2011台北電影節】搖滾藥不藥Sex & Drugs & Rock & Roll (2010)

2011-07-14T16:04:00.000+08:00

「逃避死亡的方式有很多種，變得偉大是其中一種，也是我個人最喜愛的方式。」By Ian Dury.

一天連看兩片英倫味滿點的電影真是令人心情愉悅！如果沒有意外的話，這部應該就是我今年台北電影節的No.1了吧！除了我個人偏好任何跟搖滾、藝術家生平有關的電影之外，整部片在演技、音樂與戲劇的融合、剪輯上都是上乘之作，看的過程中會有被雷劈到的感覺！看完之後會一直youtubeIan Dury and the Blockheads的音樂來回味，完全就是我標準的中毒模式阿。

看電影之前我對Ian Dury這傢伙完全不熟，只知道簡介上寫「1970年代英倫新浪潮樂派大將伊恩杜利的傳奇事蹟」。看完之後，才知道他也是非常著名的殘障搖滾樂手(小時候得到小兒麻痺症)，一生也曾經歷顛峰與谷底，只能說果真的是人如其歌，小郵差說「這就是活著像個龐克」的最佳證明，真是不能同意此評論更多了。

「You have to stand on your own.」
雖然電影的片名取的很直白，但我覺得除了搖滾、性、藥物之外，這部片說了更多關於家庭、親情、愛與被愛與殘缺的故事。就如同這張專輯封面的經典父子照一樣，我非常喜歡描述Ian Dury跟他兒子的片段，雖然我們都很擔心他兒子幾乎都沒在上學、以及十幾歲就誤食搖頭丸的混亂人生...，我想「我的老爸是搖滾巨星」就意味著，人生這條路，你必須提早一個人很堅定的走下去。

所有完美的藝術家，基本上也都是個成功的混帳，更何況Ian Dury還必須面對自己，在殘缺的自卑下混雜著自尊而展現出來的自傲與瘋狂。只能說他的人生是幸也是不幸，儘管性格惡劣，但才華洋溢的藝術家性格讓他們身邊總是有貴人與知音相助。

舞台上的Ian Dury有一種誇張又滑稽的魅力，唱歌表演之餘偶爾秀些有的沒的小雜藝，這種像是馬戲團小丑的演出方式也暗示著一種蒼涼人生的真實對比。而仔細聽Ian Dury and the Blockheads(電影中翻成腦殘樂團)的音樂，歌詞都寫的非常有意思很建議閱讀！嘲諷與自省的味道濃厚，有對世界的控訴、也有對美好人生的期待，曲風結合punk和funk，節奏鮮明，除了吉他鼓BASS基本配備外還融合SAX、鍵盤等爵士元素，幾段現場演出的部分真的是非常HIGH！《Hit Me With Your Rhythm Stick》《Sex & Drugs & Rock & Roll》《Spasticus Autisticus》都是必聽之作。

演員表現不用說非常精采，安迪瑟克斯向來是動態捕捉(Motion Capture)界的高手演員，咕嚕、金剛都是代表作，但大眾可能不知道他也是英國劇場出生，演過非常多莎翁劇作以及影集，這部片完全就是演技(與歌藝)的展現，值得一看。

※本片榮獲2010英國金像獎最佳男主角、最佳配樂入圍，以及2010英國獨立電影獎最佳男主角入圍。

【2011台北電影節】魔鬼一族 Shallow Grave (1994)

2011-07-09T00:19:00.000+08:00

從《猜火車》到《127小時》，Danny Boyle拍過的電影類型還真的是包羅萬象，除了成為英倫次文化代表作《猜火車》外，帶有反巫托邦意味的《海灘》和James Franco主演的《127小時》我個人都滿喜愛的，數一數後發現，Danny Boyle我竟然看過六部耶！這次有機會欣賞導演的初生之犢之作，那個經典的《猜火車》的前身、以及初出道稚嫩帥氣伊旺麥奎格還是令人期待阿。

《Shallow Grave》是這部戲裡的一個梗，因為洞挖得不夠深，導致一切事件如火車出軌越搞越大。三個不同職業(醫生、會計師、記者)的好友同住一屋簷下，他們出盡各種整人問題好不容易徵到了一個看起來合拍的作家室友，沒想到對方竟在房子裡暴斃並留下了大筆金錢。三人抵不住金錢誘惑決定私吞，但屍體的處理卻在三人心中埋下了一些陰影...，之後警察的介入、友情的變質、藥物與猜忌、拉攏與背叛，誰才是最後的贏家？

不知道是不是跟年代有點關係，散場時跟凱特聊到了之前一起看的昆汀塔倫提諾的《霸道橫行》，也是這種不知誰是內鬼、每個人各懷鬼胎的精彩好片，我甚至覺得後來像蓋瑞奇的作品，也都挺有承襲這種黑色/暴力/驚悚/荒謬又有點幽默路數的味道。

如果很喜歡《猜火車》的運鏡與剪輯和一些嬰兒之類的符號，這部前作也都能一窺端倪。我還滿喜歡一開始三個人拷問各個來應徵的室友千奇百怪問題的那一段，MTV式的剪輯有一種次世代的瘋狂。除了三人情感間的轉換相當有看頭之外，最後面的梗也的確有「不到最後一刻不知結局」的驚喜感。

【2011台北電影節】妖怪文豪怪談 I II (妖しき文豪怪談 ) (2010)

2011-06-29T15:25:00.000+08:00

我覺得妖怪鬼片就是這樣，如果不是清水崇(咒怨)或中田秀夫(七夜怪談)之流來拍，就不推薦給想要在夏夜嚇出一身冷汗的朋友了，更何況還冠上了「文豪」二字，就知道這是一系列類似《夢十夜》的淡淡靈異奇想的作品，雅致的文學味濃厚。

《妖怪文豪怪談》是由NHK企劃的一系列電視電影，在日本是分成四天於深夜電視時段播送(台灣分成兩個場次播映)。

四個短篇故事分別取材自川端康成《片腕》(落合正幸 )、太宰治《葉櫻與魔笛》(塚本晉也)、芥川龍之介《鼻》(李相日)與室生犀星《後日》(是枝裕和)。如果對日本文學、日本電影還滿熱愛的話，這樣的原著和導演名單其實應該頗具吸引力。

《片腕》講的是一個中年男子有著極度的戀手癖，於是向一個美貌的年輕女子借來一隻手臂過夜的故事。日本人的戀物癖其來有自且淵永留長，這段拍的很細膩，將女人的手(手指)拍的極妖媚，儘管只拍手也彷彿有七情六慾一般，帶著一絲扭曲獵奇味的風格我還挺喜歡的。

《葉櫻與魔笛》就是很太宰治的風格，久病的妹與愛人出征的姐，有一種眈溺的美感。不過塚本晉也不愧是拍出怪談比留子的傢伙，裡面有一段我個人覺得有點莫名的恐怖橋段，也是這四段裡唯一比較嚇人的段落。

《鼻》這個故事我也很喜歡，芥川龍之介的短篇向來都很有寓言味，這個故事像是發生在保守封閉小村落的鄉野奇譚，長相醜陋有怪鼻的和尚原本好意要救溺水的小孩，小孩卻因其相貌醜陋出言不遜，河尚一怒之下將小孩推入急流中，沒想到幾日後小孩竟死而復生。面貌的醜陋和心靈的醜陋哪一個比較駭人？故事看到最後覺得有點難過，這也是有鬼小孩跑來跑去的一段。

《後日》這個故事也相當有玄妙感。一對喪子的年輕夫妻，數年後看到孩子重返家中，在為期七日的相聚裡，重新審視生命的存在與消逝。從《下一站，天國》到《空氣人形》，是枝裕和對於處理生/死、靈魂意識都有很獨到的詮釋法，我喜歡他把生死融在同一個空間的感覺，死去的人不一定要變成黑白的鬼魂，他們也像我們活著的人一樣，在這個空間活動著，當活著的人能夠真正意識的死者離去的事實，黑與白的劃分才有意義。

這段雖然節奏很慢，但無論在畫面還是配樂上，都具備十足日本典雅風情。原作者室生犀星與泉鏡花、德田秋聲被稱為金澤三大文豪，而金澤又是一個極具古老和風市町之味的小城鎮，能把庶民怪談描述的別具雅致風情，也只有日本人做的出來了。

【2011台北電影節】陌路˙天堂 Heaven's Story (2011) / 瀨瀨敬久

2011-06-28T11:32:00.002+08:00

「怪物降臨了村莊。怪物會攻擊人類。村民們向神明禱告祈求，但神明卻不予理會，被咬傷的村民也變成怪物，漸漸這個村莊充滿了越來越多的怪物。但其實怪物一開始並不想傷害人類，牠只是覺得寂寞想找人類說話，沒想到人類受到驚嚇先攻擊了怪物。」

導演瀨瀨敬久在《陌路˙天堂》頗具社會寫實的劇情與拍攝風格中的開頭、中段以及最後，都插入一段充滿日本風情的能偶劇，小小的能偶劇在寬廣的草原上表演著，像是寓言，或是人生縮影。在欣賞了近5小時長度(沒錯，這部片有278min)的恍惚精神狀態中，這些魔幻的片斷竟也寫實了起來。

映後座談中，導演稍微說明了用自創能偶劇安插在三個段落的意義(我猜測他這邊用「自創」指的是用偶戲呈現的部份，一般能劇都是真人戴面具演出)，「看起來像是戴著面具的人操縱著偶，但在不知不覺間，人看起來像是沒有靈魂的偶，偶反而栩栩如生了起來。」透過這個概念，電影中加害者與受害者之間迴盪的復仇與寬恕的心態、加害者與受害者角色轉換的意象，也就這樣浮現了出來。

佐藤：「我覺得受害者的家屬沒有幸福的權利。」《陌路˙天堂》裡活著的人，無論是事件的倖存者或是奪取他人性命的加害者，他們的生命都背負著死去靈魂帶來的殘缺與不快樂。

這部戲三線交錯，各自獨立又環環相扣。慘遭滅門的小女孩把生命的寄託放在另一個滅門案件的受害者的身上，把對方的復仇視為自己活下去的力量，卻發現事隔多年對方早已另組幸福家庭，被留在黑暗處的只剩她自己一人；正職是警察兼職是殺手的男子，接受一件件挾帶著復仇之恨的暗殺委託，卻暗自為了多年前的一個誤殺事件自責不已；在扭曲環境中長大的少年，犯下滔天罪行後意外與罹患了阿茲海默症的女製偶師有了交集，一個空洞的靈魂與一個日漸變成空洞軀殼的肉體，展開一段看似彌補彼此殘缺的關係。

瀨瀨敬久：「人們在絕望的逆境中如何生活下去，我希望大家能在這部作品中找到答案。」

電影裡有一個滿敏感的議題，關於未成年殺人的判決與社會觀點。我不認為導演旨在呈現仇恨無用的意圖，這部電影也不是人道團體的宣教影片。無論是加害者或受害者，自贖之路都是漫長且艱辛的，也許要經過許多恨意的焠鍊，我們才能體會寬恕的真諦。有趣的是，就算電影都拍給你看復仇之路的下場就是如此的虛無，我們依舊會做那樣的選擇不是嗎？

我很喜歡最後佐藤坐上一班彷彿天堂之路的公車，並在一個小山丘與家人道別的場景。以及那個天空好低好遼闊的廢棄礦山之城，有萬事萬物生命衰退消逝與新生的基調，同時也具備最接近天堂城市的味道，這個場景我個人非常喜歡。

※本片拿下2011柏林影展國際影評人費比西獎。

【電影】吉他英雄 It Might Get Loud (2008)

2011-06-23T18:18:00.002+08:00

「It Might Get Loud.」是這部紀錄片中U2的吉他手The Edge要示範一段SOLO時低聲說的一句話。

《It Might Get Loud》雖然是這部片的片名，整部片卻意外地散發著沉著醇厚的質感，少了吸睛Vocal、蹦蹦蹦的節奏鼓聲、像脈搏跳動的Bass的陪襯，單純的吉他樂聲聽起來像充滿了無限的想像空間的詩句。這部片不是絢麗舞台上一首首經典帶來的熱力喧嘩集錦，而是舞台下吉他手抱著最常用的吉他、回到年輕時練團的地方、就著一張黑膠的老音樂、或是一張背面寫著歌詞的小DM，唱著自己的生活之歌。

很有趣的是，導演找了三個年代、風格、成長背景皆迥異的吉他手，輪流敘述他們用音樂對抗著不一樣的東西，儘管創作的思維和模式也都大相逕庭，但當三人都拿起吉他時卻似乎又有了相同的語言。

Jimmy Page不用說，Led Zeppelin在搖滾史上有著開天闢地的地位，當年在電視受訪時說著願望是當生物學家的小子，用吉他改變了保守、無趣的流行音樂產業，我覺得他喜歡很細膩敏感的東西，包含他喜歡聽的歌以及他演繹的方式都是。

來自都柏林的The Edge，80年代看著自己居住城市的衰敗、社會騷動不安攻擊事件頻傳，這樣的政治氛圍深深影響了當時還是高中生的U2成員們，也讓U2的音樂帶著濃厚的社會色彩。

而在危險之都底特律長大的Jack White，從小在貧脊的環境中培養出一身反骨，當大家都在嘻哈跳街舞的時候他偏偏愛上了搖滾樂；當吉他手都想買最新的吉他時，他喜歡用的是大賣場都買的到的塑膠吉他再自行改造；當樂團們紛紛使用最新的電子錄音設備做專輯時，他喜歡用的是已經快絕跡的卡帶儀器，也因此The White Stripe的音樂就一如Jack本人，粗糙中有著絕佳創意與真實氣味。

可能因為我很喜歡The White Stripes的原因，所以Jack White的部分我都看的特別仔細(哈)，我很喜歡用比較戲劇的方式呈現Jack這個人的形象(大Jack對小Jack)，實在很符合JW帶點叛逆又神祕的迷人性格。動畫的部份也非常有趣。

「Far far away, and out of sight.」影片最後下的註解好真實，生命就是如此，夢想也是如此。或許我們一直都在追求很飄渺的東西，做的事情的價值也稍縱即逝，或許要好多好多年以後看看自己的軌跡，才知道自己曾經改變過什麼。而現在的我們，仍舊必須往那個out of sight之處不斷前進。無論迷惘還是堅定。

【電影】母牛 Poor Cow / Ken Loach (1967)

2011-06-13T13:37:00.000+08:00

我很喜歡影片結束後主持大哥(講解人?)對當時英美電影下的有趣註解：「好萊塢電影是讓大家做夢的；但英國電影則讓大家看清現實。」

秉持著「我們應該從日常生活中尋找電影靈感」的理念和關懷英國中下階層生活的態度，透過英國社會主義電影大師肯洛區的鏡頭下，能看到《母牛》就是這樣一部帶著生活真實節奏的電影。一個未滿20歲即生了孩子的少婦，似乎總是遇人不淑並為了生活忙碌著，這樣的題材可以拍的很狗血，肯洛區卻處理的很中立(有些部分甚至是輕鬆的)，導演把他想說的、想討論的、想關注的，就細細地放在影格裡，讓觀眾自己挖掘。

我很喜歡片子中間穿插女主角對生活的日記式小感來對照劇情的部份，以及最後以一點偽紀錄片的手法，請女主角說說身邊的男人和對未來的看法，然後女主角的小兒子Johnny超級可愛，就是英國金髮白胖的那種小屁娃。

中間看到女主角的那句心之格言「絕對不要愛上賊」卻接連兩個男人都坐牢的那段我笑了。生活本來就不是黑與白的絕對值，而是深淺不依的灰所組成，看完的心情也不知為何有一種踏實感挺好的。

【電影】每個導演一定都有一部自爽的片─戀愛夢遊中 The Science of Sleep (2006)

2011-06-04T23:40:00.001+08:00

我覺得每個導演，一定都有一部自己拍爽的片。我指的不是像鈕承澤的情非得已生存之道那種自肥路線的，而是不管劇情結構(當然通常也不管票房)，大量放入自己喜愛的東西，只拍自己喜歡的東西，那些人物阿音樂阿故事阿男女主角阿都只是用來陪襯自己喜歡的東西。

這種創作的心態如果以咖啡來講的話，就是所謂的「本店特調」吧(老子全放自己喜歡的東西唷，不喜歡不要點唷)。不過就是這樣聽起來有點不負責任的調調，讓一些咖啡店更添個人特色，也讓某些導演一提到他的名字就覺得獨具魅力。

《戀愛夢遊中》絕對是Michel Gondry自己拍爽的一部片，這部片充滿了導演本人喜愛的各種元素：腦內的狂想奇想、手做美術、奇怪科學實驗、現實與夢境、百無聊賴的生活、奇特的愛情...，是不是在《王牌冤家》和《王牌自拍秀》裡都似曾相似呢？但比起另兩部片，《戀愛夢遊中》的劇情顯得更清淡模糊，淡到中間去上個廁所曬個衣服打個盹再回來看都還接得起來呢。

我覺得這部片應該帶有Michel Gondry小小個人自傳意味吧(他年輕時應該也跟男主角Steven用一樣的怪方式追女生的)，在拍攝會議時，他應該也是拍著肚皮對他的電影美術群說：來吧！隨你們愛怎麼做就怎做！做出最Michel Gondry的畫面吧！

因此這部片的視覺美術就是必看之處了，(音樂也配合得很好)我特別他喜歡夢境裡的一切處理，和女主角Stefani亂的好有味道的房間，道具走的是非常Hand-Made的勞作風格，我想多少也影響了後作《王牌自拍秀》的rewind style。

如果這一切都還不夠吸引你，至少還有兩大文藝少年們喜愛的演員Gael Garcia Bernal和Charlotte Gainsbourg，跟他們一起談一場怪咖式的短暫戀情，做個六月的夢也不賴。

【電影】心靈角落 Magnolia (1999)

2011-06-02T13:21:00.001+08:00

1999年的好片，我記得那年還有另一部大作《美國心玫瑰情》上映。不知道是不是時值千囍年，有好多檢視末世人心的電影佳作出現。千囍年的時候我剛上大學，不知不覺也過了十年了。現在回頭看看，當初的那種末世感竟也有了些許懷舊的色彩，陪我長大的只剩下那些徘徊在靈魂深處的孤寂暗流，在我心中空虛的小房間裡寂靜地蔓延著。

《心靈角落》是一部都會感很強烈的電影，充滿了各種受傷情感、疏離、憤怒與原諒的味道。描述了一群看似因為巧合而牽扯在一起的人：即將離世的富翁與年輕妻子、前天才兒童、現任天才兒童、益智節目主持人、女毒蟲、警察、看護、男女關係專家...，面對各自生命的缺口的深層焦慮。前一陣子在PTT看到本片被觀眾推崇為最多髒話的好片真是讓我笑了。

導演Paul Thomas Anderson的拍攝手法在我看來很迷人(雖然也有人好像不那麼喜歡)，運鏡跟剪接功力一流(滿後現代的，確有末世氛圍)，有很多鏡頭一路Fallow著A行走、遇到B後、在A+B短暫停留、再轉Follow著B的流線手法，彷彿觀眾也身處同樣的時空情境中。

這部片的許多發想(包含片尾奇幻的那一幕)與聖經裡的出埃及記相關，但我覺得不了解聖經的來由也無所謂，其實不影響觀影品質，事後再找一些相關資料來看只覺得有些網友也太強了吧！我完全沒看到那些符號 :P。

此外，聲音與配樂的運用也相當精采。《心靈角落》的電影原聲帶被許多人視為必聽，主題曲《Save me》也入圍該屆金球獎最佳最佳電影主題曲。女歌手Aimee Mann的歌聲與這部片的調性非常之契合，大家一起合唱《Wise Up》的那一段我重複倒帶看了好多次。

值得一提的是，這部電影裡還運用了一個(我個人覺得)很少見的聲音手法，常常配樂或是背景的聲響，大過演員們的對白。一開始我以為是音量的問題，後來發現這樣的手法重複好多次，而且時間非常長，有時一整段10幾分鐘的對白都在各種聲音之中若隱若現，甚至對白就漸漸淹沒在漸強的配樂或背景聲響裡(雨聲)。在透過聲音營造出的雜沓氣氛裡，演員們彷彿表演默劇般，臉上幽微的表情變化與眼神反而被看的更仔細。

演員表現就不用說，Julianne Moore、Philip Baker Hall、Philip Seymour Hoffman...，我特別喜歡演天才兒童史丹利的那個小演員，他的眼神非常精采。另外這片的亮點阿湯哥絕對功不可沒，在演完了帥氣的不可能的任務後，Tom Cruise極力想要證明自己的演技，比較特別的是，他在這片裡的路線沒有刻意扮醜，反而是突顯他萬人迷的那一面甚至推向粗魯、粗暴、迷失的境界，他跟女記者的對談以及在厄爾病床前的最終告白都有非常深刻演出，也為他贏得一座金球獎最佳男配角。

我很想找這導演的成名代表作Boogie Nights來看，可是馬克華伯格的演技實在不太吸引我阿。另外也意外發現，Philip Seymour Hoffman應該也是這導演的愛將吧，因為除了Boogie Nights、 Magnolia之外，還合作了《Punch-Drunk Love戀愛雞尾酒》這部評價很高的愛情喜劇片，希望有機會可以一看這導演怎麼處理戀愛題材。

【murmur】About the 2011 Blog Award

2011-05-24T11:42:00.002+08:00

因為被全球華文部落格大賞的大會警告通知說，沒有發表感想就當作不是本人報名的然後會被取消資格，但其實真的是本人報名的(但有幾個兇手在推波助瀾就是了)，我們不要害平民百姓揹黑鍋，趕快上來貼個心得。

我看了入圍的名單，「藝術文化類」入圍的有115位，是全部類別裡的第二多人！台灣什麼時候變得這麼有藝術文化氣息我都不知道！果真是「人人都是藝術家」的後現代文化精神的展現(我視覺文化的書都沒白唸歐耶)！而且在看那些入圍名單的時候，有看到好多好棒的BLOG喔，然後我就一邊觀察我的對手們一邊情不自禁把他們加到我的最愛裡，清醒之後又很想拿那個名單去質問那些當初在旁邊搧風點火的人說：ㄟ！你們搞屁阿是哪隻眼睛覺得我會得獎的！！明明就是砲灰！

最後，以「入圍即是得獎」這句雖然老套但又非常撫慰人心(我的心)的結語就此發表得獎感言。當初因為寫論文做BLOG研究的關係設了這個BLOG，不知不覺也寫超過6年了，一個孩子都從小一念到小六了，以我這種沒耐心的性格來說，不啻是一種磨練。而且，可以讓我上班不好好上班，在這邊發表心得感言的，已經要謝天謝地了你說是吧。

【異色】愛之剝脫 (愛のむきだし) Love Exposure (2008)

2011-05-23T23:01:00.003+08:00

跟Cold Fish一樣，園子溫的這部作品同樣在電影一開始就告訴你這是「真人真事改編」的故事。我真的是服了這個導演，哪找來這麼多Cult素材，我猜他大概是每天都在看社會版，尋找最變態、最怪異、最光怪陸離、卻又最直指當代人空虛之心的故事吧！

這部《愛之剝脫Love Exposure》是一部元素很多、故事線很分散、但主旨卻又很簡單的作品，主線故事其實非常的純愛，說明一個少年為了得到父親與少女的愛而奮鬥(?)的歷程。當然園子溫變態(?)的性格不會這麼簡單的處理，四個小時的劇情裡包含了色情、宗教、虐殺、邪教、罪惡、愛情、家庭、友情、洗腦、監禁、亂倫...等關鍵字，差不多集日本B片最愛的Cult素材於一身。

園子溫從《循環自殺》起，每部片或多或少都探討了日本社會中的各種奇怪組織與其信奉的「信仰」。在《愛的剝脫》的一開始就告訴了我們，男主角優的爸爸是一個會為了愛拋家棄子、背離信仰也無所謂的神父，一開始就打了宗教神聖的形象一巴掌，也宣告觀眾這部片最主要批判的對象就是「宗教」。男主角優在故事中不斷與名為ZERO教會的邪教組織對抗著，導演透過這段歷程也告訴了我們，像21世紀少年裡「朋友」那樣的組織，不是一個只存在於漫畫裡的可笑小丑而已，它其實就是存在我們每個人寂寞的心中的一抹陰影。

在拍攝上，從《奇異人生馬戲團》到《Cold Fish》，園子溫在電影美術技巧上其實趨於純熟，而《愛之剝脫》則有種故意要回到《循環自殺》那種古早味B片味的風味。像是優為了要成為可以夜夜向父親神父懺悔的罪人，於是開始上街偷拍女生底褲的橋段，就活像是彆腳的特攝片或功夫片一樣令人噴飯。此外男女主角幻想著對方的片段、邪教大姐頭小池在教室發瘋的大屠殺、朋子在大街上幹架、手持攝影機晃晃晃...都有一種「回歸」典型B片的味道。對了，我覺得B味濃還有一個重點就是「純愛」，與前陣子看的Fox小姐主演的《辣的要命》一樣，純愛絕對是增添B片香味的重要一味調味料千萬不可或缺啊！(挖鼻孔)

我很喜歡主角群扛著巨大的十字架在海邊的場景，劇裡的每個人都桎梏於某種宗教與信仰。愛到底是甚麼？為什麼想要愛讓我們充滿罪惡？為了愛放棄信仰的神父爸爸、為了愛變成偷拍狂也無所謂的優、為了愛迷失判斷的朋子、為了愛任性妄為的薰、以為操縱他人就是愛的小池...，愛是甚麼？愛很複雜又很簡單。愛很輕也很重。愛令人感到純淨也讓人瘋狂。愛不是教條。愛是實踐。

《愛的剝脫》在09年的香港電影節播出後好評不斷，在imdb甚至有8.0的高分，並拿下09年柏林影展國際影評人費比西獎，由此可知這是一部相當強大的B片(我甚至覺得這片獲得的好評已經超過一般B片可以獲得的程度了)，如果可以接受充滿日式獵奇味B級片情懷的朋友們有機會不妨一看。

【電影】大叔 The man from nowhere (2010)

2011-05-15T22:44:00.002+08:00

「你究竟是她的誰？」「隔壁的大叔」。

韓國的暴力動作片向來擅長將各地精華融合成屬於很韓式的特色，除了延續從好萊屋發展而來的「以暴制暴」的爆裂爽快、香港電影的近身武打、以及他們這幾年累積起來的復仇冷調概念(賦予主角一種悲劇英雄的性格與男性浪漫氛圍)，再加上良好的電影技術與演技的加持，「殺人回憶」、「原罪犯」、「追擊者」成為我必推的韓式犯罪暴力三寶。

《大叔》的電影框架其實有點侷限，可能是受限於劇本的關係，跟丹佐華盛頓的經典《火線救援》很類似，也跟史上最威猛老爸連恩尼遜的《即刻救援》有一些雷同的氣味。儘管如此，這仍是一部製作精良的商業片(韓國2010的票房冠軍)，元斌的演技(跟六塊腹肌)絕對是一大功臣啊！但說實在元斌雖然34歲了，但他的長相跟氣質，完全不符合大叔味啊！！(他畢竟是花美男始祖)，片名取做大叔是有點委屈他了，頂多算是大哥吧。他在這部片的努力，讓我想到《證人》裡的謝霆鋒，一樣都有擺脫偶像包袱的驚艷感。

但還是可以理解這片想表達那種乍看下是個nobody、孑然一身的男人為了守護心中重要的一點情感，願意不顧代價的豁出去，在這點考量上，大叔自然是比大哥來的熱血。我記得裡面元斌有一句對壞人嗆聲台詞是：「你們是為明天而活的人對吧，我是只為今天而活的人，為了明天而活的人會被只在乎今天的人所殺！」酷帥滿點阿。

由於元斌被設定為前特種部隊成員，也就是一個殺人武器，因此裡面各種殘酷的殺人手法包羅萬象，不過可能我看慣傑森包恩了，一些搏鬥場面還是略SET不夠真實。另外這部片也算是比較有拍到韓國底層社會的生態(不只是對抗一個黑社會的通用表象)，妓女、毒癮者、器官販售組織、製毒工廠、童工...，點到為止地增添了一些地方邊緣疏離色彩。

整部片比較令我個人不滿意的，是「鐵漢」與「柔情」的兩個元素之間的火花處理的不夠好。像大叔跟小米(小女孩)之間情感的鋪陳，這部分很重要因為形塑了大叔為何會願意奮不顧身的動機，可能因為有太多可以比較的類型了，《火線救援》《LEON》...，那種心靈上的寄託、是彼此唯一羈絆的跨世代情誼沒有拍出來(頂多是說小米讓大叔想到自己未出世的孩子)，看到後面稍微有種流於為MAN而MAN的感覺。

為了展現鐵漢柔情，溫情的過度使用也影響了一些重要的轉折(例如對方殺手看到小女孩心軟這段)，結局是滿催淚也展現元斌在這片裡難得的靦腆，但就是少了點力道還是甚麼的，好看可惜稱不上經典。

不過我還滿喜歡演小米這個角色的小演員，導演不是選那種長個很無辜可愛的小女生，乍看覺得不是很漂亮但也意外增添真實感。她有一種古靈精怪的氣質，很像家裡沒大人、成天在街頭混的小鬼頭，看到後來意外地覺得有觀眾緣。

【電影】犬齒之家(非普通教慾) Dogtooth(canine) (2009)

2011-05-15T20:58:00.000+08:00

隔了好一陣子才有時間和心情紀錄一下之前看《犬齒之家》的心得，也許已不像剛看完時的震驚與感觸良深，但那在明亮寧靜景致下包裹的黑色寓意，仍叫人印象深刻。

這是一部很反烏托邦理想的電影，它所描述的歪曲與恐懼是很內在的，有時表達的手法甚至有點荒謬可笑(現場還真的有不少人笑出聲)，當初如果是被新聞上一些激烈字眼給吸引的觀眾，看完不知會不會覺得其實也還好(?)。

其實我覺得像這樣的電影，適合對生活、社會與規範很有感受性的人看，因為這方面的感知特別敏銳，所以可以將電影情境與真實生活做連結與投射。

「當犬齒掉落，才是你可以離家的時候。」這句電影廣告詞我覺得用的很棒，有一種隱誨的暴力美感，在某個面向也揭露了理想的虛無以及欲逃離社會桎梏的代價，至於付出代價追求真相的下場，導演把這個開放式的結局留給觀眾們自己去補足，Slogen也與原片名《犬齒之家》相互輝映的很好。

一個在父親極權統治教育下的家庭，當貓不再是貓、小黃花不再是小黃花，築一道牆告訴你外面的世界充滿險惡唯有在家園裡才是安全，我們對於世界與文明的認知也就此被強烈的扭轉了開來，什麼是對？什麼是錯？什麼是正常？什麼是不正常？在不疾不徐的電影節奏中，完美乾淨的攝影、構圖、配樂彷彿含著麻藥的糖衣，卻遮不住那些蘊藏在所謂「正常生活」底下的巨大異常。

演員的表現非常精采(應該有接受大量肢體表演訓練)，電影裡三兄妹雖已成人，但語言表達及行為思考模式仍像小孩子般地互動著，家裡充滿各種規範與訓練，集點的獎勵方式、矇眼遊戲、趴在地上學狗叫來抵抗外侮...，仔細想想，這些看起來可笑的豢養，不也存在我們的生活之中嗎？不也將我們每個人形塑成所謂「循規蹈矩」的模樣嗎？而我們苦心追求與期盼的，會不會就是那一架「從天上掉下來」的小飛機？

又或者，其實我們都是那個感知特別敏銳的大妹。對規範外的世界充滿好奇、對美好的框框舒服的床有著質疑，所以大妹偷看錄影帶、偷打電話、偷偷丟紙條給圍牆外那個虛構的哥哥，不知為何她就是無法順從，儘管受了再嚴厲的教訓她也還是不斷衝撞著邊界，因為在不知不覺間，她心裡有個小角落正不斷慢慢地崩毀與瓦解。因此我們可以看到電影後半那段精彩的個人舞蹈，舞到不能自我控制，宣洩著無處可逃的怒氣。

「犬」在這部片中也是相當有趣的符號。父以飼養動物的方式教養著三個孩子，但孩子們所不知的是，父在外面的世界裡其實擁有一條上著寵物訓練課程的狗，儘管上了很多次的訓練課程，這隻狗仍很性格的始終不回應父親的喚名，在家園裡呼風喚雨的父，面對一隻狗卻顯得一籌莫展，向來被人類視為下等牲畜的狗，在此時竟比萬物之靈更有自主意識。

我覺得這是一部很精彩的寓言式電影(是因為希臘人特別會說寓言的關係嗎?)可以從非常非常多元的觀點來解讀：教育、宗教、國家、政治...，差不多是任君隨意詮釋的境界了，這是一部衝撞僵化認知的好電影，不管誰看應該都能有一些收穫。

記得今年奧斯卡最佳外語片入圍名單公布時，有網友為「告白」的鍛羽抱不平，認為奧斯卡太過保守。奧斯卡某些角度的確是美國人自爽與保守的，但在看完《犬齒之家》後，我認為本片的入圍才是一個更大膽的突破和選擇。

【LIVE】MR.BIG 2011 Live concert @台北國父紀念館

2011-05-04T21:46:00.001+08:00

首先請容我使用全台最專業的Mr.Big資訊BLOG 大人物了沒裡的照片，來傳達我懷舊的心情XDD，Mr.big對我來說就是一個這麼懷舊的樂團，是某一段青春的回憶，從高中買了《Big, Bigger, Biggest》開始，Eric Martin的聲音對我來說就一直是美式Hard Rock的最佳代表，Paul Gilbert、Billy Sheehan、Pat Torpey也都是極具代表性的重量級樂手。

開唱的地點也是選在很復古的國父紀念館，雖然跟TICC一樣是地塹型的舞台(噢！我好愛地塹型舞台)，可是國父紀念館整體氛圍就是讓人有種在聽高中社團成果發表的感覺XD，加上一到會場，滿山滿谷的高中生阿阿阿阿阿阿(大概都是熱音社吉他社的)，怎麼過了十年，大家愛聽的樂團還是一樣？

我覺得Mr.Big應該整團可以得個「保養的最好」的樂團獎之類的，當燈光一暗，《Daddy Brother Lover Little Boy》的前奏響起，我真的不敢相信唱歌的人竟然已經是50歲的大叔，從我們第十排中間的位子看去，Eric Martin不但造型活像歌舞青春一樣肖年(終於把舞棍阿伯髮型剪去~~)，歌聲的狀態我也覺得維持相當棒！雖然講話時非常沙啞，但一到唱歌模式就是火力全開，硬要挑細緻度與高音的變態度當然不能跟20年前比，不過真的是近幾年8-90年代風靡一時的樂團裡演出最原汁原味的了。

整場演出EM都很盡責的帶氣氛跟觀眾互動，耍耍可愛甚麼的，跟我看92年San fransico的網路Live時一樣，不時像猴子在舞台上跳來跳去！

這場表演經典老梗一個都沒少，PG的電鑽彈吉他、牙齒彈吉他、EM從背後還抱BS彈BASS然後BS吹口琴、大家樂器大風吹Cover《Smoke On The Water》...，突然很感謝現場有一堆年輕人，氣氛真的異常熱烈！

Billy Sheehan真的是一個瘋狂的BASS阿伯，不但造型很酷(超過190身高加上綁起的金髮)，我覺他整個人幾乎就是一人小樂隊了，神乎其技的BASS技巧不說，他的歌聲也非常有特色，我很喜歡他主唱的《Smoke On The Water》。而近年快要變成日本人的Paul Gilbert(ポール・ギルバート)剪去招牌長髮依舊是個型男(我無法形容我在堂本兄弟這個日本綜藝節目看到他有多麼震驚)，演奏時非常陶醉的表情很勾椎，看他彈琴就覺得，吉他，真的外國人的玩意阿...，那種隨心所欲、行雲流水的感覺真是太渾然天成了。(Pat我不熟容我跳過...)

這次一共唱了20幾首歌，該聽到的經典：Green Tinted Sixties Mind、Wild world、Rock and roll over、Addicted To That Rush、To be with you、Colorado Bulldog...都沒少。我個人後來偏好他們偏藍調的曲風，因此可以聽到早期的作品像Alive and Kicking和Merciless真的很開心！讓我一瞬間起雞皮嘎搭的是Green Tinted Sixties Mind和30 days in a hole，情緒太複雜了真的無法形容聽到Live的感受，不過現場實在過HIGH，想哭也擠不出眼淚:DD 嗓子快叫破到是真的。

最後在容我從《大人物了沒》那而轉一張大家很Happy的照片，希望他們永保青春！！多來台灣幾次，Jump into the fire Keep our love alive and kickin'！！

【電影】最後的美麗 Biutiful (2009)

2011-05-01T23:08:00.002+08:00

這是墨西哥導演伊納利圖 Alejandro Gonzalez Inarritu第一次放棄多線敘事的作品，儘管如此不代表劇情就簡單清晰，透過哈維爾巴登飾演的男主角鄔巴斯身上，我們可以看到一個在巴塞隆納社會底層討生活的男人，遊走在善與惡、生命與死亡的灰色交界，在得知生命的盡頭那種脆弱無依、即將離開親人的罪惡感與想要為週遭的人奮力一搏的心，氣氛異常誨澀，留下的結局雖沒有說死但也很凝重。還好導演將這片取名為「Biutiful」，即英文裡的Beautiful，人說「人之將盡其言也善」，我想行為也是如此，鄔巴斯不是一個多正直或了不起的人，他對感情與生活常常呈現一種無能為力的困獸之鬥感，但在生命之終，他的眼神裡的確閃爍著微弱的光芒。我很喜歡頭尾呼應交給女兒安娜戒指的一段。

這部片也很難得有著「靈異」的設定，鄔巴斯被設定為一個通靈者，能夠與死者交談，電影中也有一些靈異的片段，但運用的不會過火，反而在整部情緒稍嫌低落的電影中增加了一些刺激的元素。電影的最後，導演說他將這部電影獻給他的父親，電影裡對父親形象的刻劃、生者與死者間的感應、對生命與愛的掙扎，其中欲透露的情感企圖不言可喻。

從《愛是一條狗》到《最後的美麗》，導演伊納利圖對拉美底層小人物的社會百態有頗多的研究與著墨。網路的影片介紹裡說明了電影裡主角居住的地區是Santa Coloma的拉化爾區，是巴塞隆納著名的多民族區，居住的人種包括塞內加爾人、中國人、巴勒斯坦人、吉卜賽人、羅馬尼亞人及印尼人等，這群新移民和平共處，從事合法或非法的勞動工作，為貧窮而奮鬥著，而雇主對他們的剝削電影裡也有殘酷的描寫。

這部片基本上是哈維爾巴登的演技個人秀，與我很喜歡的《險路勿近》完全不同氛圍，他憑本片拿到坎城影展的影帝，在奧斯卡雖鍛羽而歸，但能以非英語片入圍演技獎真的很厲害，情緒非常之內斂豐沛，眼神好有穿透力我覺得導演應該拍他的特寫完全是拍到欲罷不能了。不過之後我會想看看他跟小潘潘的定情之作《情慾巴塞隆納》，希望可以來一點哈維爾巴登比較黑皮的形象 :D

【Album】Kings Of Leon 《Only By The Night》

2011-04-24T00:56:00.001+08:00

我常常會覺得這年頭英美兩地的搖滾樂團很錯亂，強烈英搖復古Low-Fi風情、後龐克復興的樂團有不少是美國團；而許多帶著Hard Rock、7-80年代藍調味的是英國團。

Kings Of Leon就是一組我覺得熱愛英搖的少年少女應該會很愛的正宗美國田納西四兄弟家族搖滾樂團。在他們得到2010葛萊美最佳搖滾樂團、年度最佳唱片、最佳搖滾歌曲三大獎之前，我沒有聽過他們大賣了600萬張的《Because Of The Times》，會讓我想買這張《Only By The Night》跟獎座加持也沒啥干係...，純粹在文宣上看到他們「受到民謠之父Bob Dylan的賞識而邀約加入巡迴行列」以及「贏得英國Britpop先鋒部隊Oasis的靈魂支柱Noel Gallagher公開稱許」、「Pearl Jam等大團也推薦不已」這幾行關鍵句...(我真的是盲目的無可救藥的消費者)。

《Only By The Night 歡樂今宵》一輯以前奏帶著些許電氣味的《Closer》打頭陣，大量效果器的運用與吉他音牆交織出一種疏離的氣氛，加上主唱Caleb沙啞的很有特色的破破嗓音，預告了這是一張氣勢很磅礡的專輯。

效果器延伸到第2首《Crawl》完全得恰到好處，他們這類型中快板的歌曲都表現得很棒，這首的吉他SOLO很有70年代的風情我很喜歡，第二段主歌一結束馬上出現拔高的吉他音色，在你起雞皮嘎搭的時候嘎然而止，順接第三首賣翻的《Sex on fire》，這是他們歷年來賣得最好的單曲，我喜歡Caleb在這首帶有悠揚兼具沙啞的powerful唱腔，這樣悠揚的唱腔延續到第4首榮獲葛萊美加持的《Use Somebody》，主歌的情緒醞釀，累積到副歌的磅礡大器，相當很有層次。

我已經很久沒聽到一張專輯前四首歌就這麼精銳盡出的，(其實第5首也很好聽)，而且這張《Only By The Night》就是那些老搖滾屁股向來愛臭彈的「專輯當然要整張完整聽概念，精選輯算三小」的最佳映証，歌曲與歌曲間連接的相當緊密卻巧妙，許多元素都有相互沿用，整張專輯音樂架構好完整，在網路上單首單首聽，真的少了樂曲間延續性與鋪陳的力道實在很可惜呀！

整張專輯我最愛的是《Notion》，這首的主旋律寫得很棒很奔放記憶點很高，Caleb的歌聲的特色也展現無遺(在一些咬字會有特殊的沙啞喉音)，帶有一點甜美愉悅的氛圍，bassline也很流暢，雖然曲子很短不到三分鐘，但對我來說是整張專輯的一顆小星星*_*，是讓人想要回味再三的那種。

平均年齡不到30歲的Kings Of Leon，因為負責主唱、BASS與鼓的Followill三兄弟從小跟著傳教士父親遊歷各地，遂將這股浪跡天涯的能量、旅途中的所見所聞寫成曲子，在搖滾的外衣下有著很豐富的人文意象。

專輯最後以慢版的《Cold Desert》作結束，有一種旅途結束、暮色降臨的淡橘色氣息。整張專輯很短大概只有50分鐘吧，卻讓我前一陣子repeat再三，完全愛不釋手，一直到有點膩了才肯善罷甘休的偏執著。

【電影】更好的世界 In a better world (2010)

2011-04-21T13:23:00.001+08:00

感謝FINN大的好康道相報，讓我有機會參加電影《更好的世界》的首映，欣賞這部熱騰騰今年的奧斯卡最佳外語片。等進場的時候，剛好看到預告，覺得議題有點沉重，加上首映時間滿晚的是晚上九點，很怕看到睡去...，但幸好，導演Susanne Bier的敘事功力一級棒，節奏也掌握的很好，大小演員也都表現的很搶眼，從頭到尾我都看的相當專注。這片上映之前台灣媒體一直說這片是丹麥版的「告白」，把焦點放在校園霸凌議題上，我覺得其實兩部片不僅味道不相同，連中心思想也不太一樣。

《更好的世界》用了兩軌相對寫實的劇情，去對照出當大人與小孩兩個世界裡遇到無法逃避的暴力事件時，他們所選擇處理的態度與手法。裡面有很多相對應的片段、無法言喻的矛盾，讓劇情有很多的反諷跟反思。

現代校園的霸凌事件頻上媒體版面，我不知道大人(或身為父母的人)是用什麼樣的角度看待這些事件，可能有些人會覺得小孩子打打鬧鬧稀鬆平常、自己也是這樣打鬧長大；有的成人則是動則得咎、一點雞毛小事就想鬧的驚天動地；更有許多大人在教導自己小孩面對暴力事件時只求自保與息事寧人，忽略了正義與道德存在的價值。

在《更好的世界》裡，我們可以看到不一樣父母在面對孩子遭到霸凌時的不同教導態度，那些方法有用嗎？沒有，電影兩個父親要不是講些言不及義的「冤冤相報何時了」的清談、要不就是天高皇帝遠給些慰藉馬上又跑到非洲出差。兩位父親都選擇了某種逃避的方式，也小看了孩子世界的複雜程度。

學校雖然小，但其實就是一個真實社會的縮影。所以我們才會看到當克里斯丁的爸爸跟他說：「他打你、你打回去，你難道不知道戰爭就是這樣引起的嗎？」克里斯丁老氣橫秋的說：「你第一次把對方打個夠慘就不會了。」克里斯丁在學校面對霸凌時用展現「強勢力量」的方式保護了自己與同伴，他就覺得可以用這樣的方式去面對整個世界。之後他與伊利亞的友誼遇到分歧時，克里斯丁也同樣使用了強勢的言語暴力或行為疏離，去得到他想要的支持。

我覺得這部電影很有意思的地方是，挑戰成人面對惡時「孰可忍、孰不可忍」的道德界線。

伊利亞的爸爸安東是常年在非洲行醫的醫生，他看盡生死、了解到命運的無常，當面對一般社會的紛爭(像伊利亞的弟弟在公園跟其他小孩搶鞦韆，結果對方爸爸反而衝過來揍人)，他選擇退讓的方式，並告訴自己的小孩，對方打我的臉，可是他其實是輸了。雖然安東如此告訴著自己的孩子，但在小孩的眼中你挨揍就是弱者，他們沒有辦法去體會「雖然我被打，但我是對的，我才是贏家」的正義觀。而安東在挨了巴掌後返家，其實內心也是怒氣難消的。

安東在非洲行醫時遇到當地惡霸(半強迫式)的求醫，也許是醫德使然、也許是為了保護整個醫療站，他不顧反對醫治了對方的腿，這樣一個看起來理智且道德觀中立的人，卻因為對方離去時的態度依然惡劣甚至出言挑釁，安東不但把對方趕跑、甚至放任當地居民把其活活打死。對照到丹麥的劇情，兩個小孩因為不滿公園惡霸兩番的動手動腳行為，決定在對方的車下放個炸彈給他教訓，兩個事件有著同樣的憤怒(甚至帶著報復)的情緒，卻有著不同的結局。

其實不難理解《更好的世界》可以擊敗其他眾好片得到奧斯卡與金球獎最佳外語片的原因，它符合主流影展的大器品味(犬齒之家雖然我很愛，但相對就是風格太強烈，很難拿主流獎項)，拍攝的角度既深入也宏觀，帶有自省的意味但不說教(導演Susanne Bier也說了，她是丟出問題，解答各在人心)，要如何邁向「更好的世界」是每個人都必須去歷練的生命課題。

看這片還有一個很享受的地方，就是每個景都很漂亮！自然景觀就不用說了(為什麼裡面的丹麥家庭大家都有自己的湖...)，室內景更像是IKEA型錄一樣，北歐風萬歲阿~~~兩個小男主角樣子都很可愛，演技也不錯。

【電影】怪ㄎㄚ情緣 Secretary (2002)

2011-04-13T22:54:00.003+08:00

「秘書」這個職業的社會形象有時候充滿了遐想與暗示，主管與秘書間的權力地位常常充滿著一種挑逗的互動，如果再把這樣的角色設定套在一個關於SM的愛情如何萌芽的故事上，感覺一不小心就淪為樣板的色情片了(而且是很老派的那種)。

但《怪ㄎㄚ情緣》的巧妙之處在於，整部片充滿著黑色幽默的氛圍，將情色的感覺掌握得很好，而且不只是流於描述施虐者與被虐者他們「喜歡被對待的方式」而已。這部片很細微地探究了在這樣的關係下產生的深厚感情究竟來自於何處，這讓我們清楚的知道，沒有一對愛侶的產生只是單單因為「怪癖」相投，兩個人能共同分享最甜蜜的黑暗面，那是因為其中都是愛啊！(但打屁股那段還是很經典一定要看就是了XD)

我很喜歡裡面女主角哈樂薇說的一段話：「無論如何我似乎永遠都在受折磨，我不知道為什麼會這樣，但是現在，我不再害怕那些受傷的感覺了。我找到能與我一起經歷這些的人，以我覺得對的方式愛著，我希望他知道，我了解他此時內心也是同樣的煎熬。」

這段哈樂薇穿著婚紗卻逃婚，進行有點搞笑的辦公室絕食運動時的內心口白，讓我覺得很感動。

強勢的律師事務所老闆Edward利用主雇關係，一方面挖掘、解放了女主角的本性，一方面也為自己的慾望內心掙扎不已。我覺得有一點被虐性格的人，似乎相對也會展現在對生活茫然這件事情上。女主角因為有自虐自殘的病史從療養院出院後，因為怕情緒失控所以想要追求無聊與保守的生活，卻反而更無法處理突然發生的情緒波動。因為老闆的一句「准許」：他允許她提早下班、他允許她下班散步回家，女主角覺得得到了老闆的允許，生命有了方向，帶著這個Permission，就好像對方在我們身邊一樣。

如果可以接受這片的劇情，應該會更喜歡Maggie Gyllenhaal這位女演員吧！她長的說真的不算漂亮，但修長的身型以及獨特的氣質，非常有個人魅力，她在「口白人生」裡的表現也很討喜。

相對的她在《黑暗騎士》這種商業大片裡我就覺得有點黯淡，演技沒有發揮自然也拍不出她漂亮的那一面(所以有網友看了黑暗騎士覺得Maggie長相不優我也很難反駁...)，Maggie在這部片裡色相犧牲不小，劇情後半段小秘書反客為主的真情大告白很精彩。

男主角James Spader的氣質也很特別，把變態主管的控制慾想發作不能發作的小崩潰感詮釋的很棒XD，年輕的時候也是美男子一枚，現在電影作品很少大部份都是在演影集(還拿了兩次艾美獎最佳男主角)，Google了一下他現在的樣子...果真往事只能回憶，又是大叔一枚阿~~。

【2011金馬奇幻】愛是一條狗 Amores perros (2000)

2011-04-10T23:13:00.001+08:00

第一次看阿利安卓崗札雷伊納利圖執導的作品《靈魂的重量》時，在當時我青春的心靈裡留下相當震撼的感受，可能是因為那是我初次接觸到這種三線交錯、且前因後果剪輯錯置的劇情片吧(現在這樣的手法其實算是很常被運用了)，所以印象特別深刻。

《靈魂的重量》整部片探討生命的消逝與誕生、命運偶然間的交錯與擦撞出不同的軌跡，在人們心中產生的那些有形無形情感重量的消減，主題相當凝聚，而導演彷彿正字標記般的多線劇情拍攝手法也把電影烘托得很有層次。這次看到片單上有《愛是一條狗》就馬上列在必看List裡了，更何況裡面還有Gael Garcia Bernal~!

《愛是一條狗》透過三個不同年紀與社經地位的男人(與他們的狗)述說了三種面對愛與生命衝突間的困境。有趣的是，三個男人都與他們的狗挺相似的：要愛不要命的年輕男孩與他的常勝軍鬥犬/一心想討好情婦的雜誌社總編與情婦的心愛寵物西施/背負過去無顏見妻女的拾荒老人與流浪狗群。

中文片名清楚點出了貫穿全片的「狗」的意象，英文片名則翻的更有想像空間：「Love is a bitch」，愛不只是一條狗，還是一條母狗。愛情充滿謊言與背叛、狂熱與疏離，在各種情愛關係裡我們用自己的方式付出，作賤式地拋棄自尊自我，選擇自作自受、作繭自縛或自我救贖。電影最後一句「我們是我們所失去的」說明了一切。

這個三段關於「狗男女」的故事，因為一場嚴重的車禍，讓原本各自愛中茫然與盲目的關係，瞬間產生急遽的變化。有趣的是，《靈魂的重量》裡也是一場車禍串連起一切。

車禍，或生命中不可預知的意外，是阿利安卓崗札雷伊納利圖最愛使用的元素，未知的衝擊與考驗，讓劇情忠實呈現命運瞬息萬變的無奈。這三段關係最後都留著開放式的想像，未來不知何去何從的茫然感讓人很惆悵。

看片單介紹，這部片是導演阿利安卓崗札雷伊納利圖的處女作，以初次執導的角度來看，實在是相當驚人啊！因為無論是攝影運鏡美術、劇情的安排、演員表現都很精彩，沒有新手導演痕跡，同時也入圍了當年奧斯卡最佳外語片。

可惜片子兩個半小時還是長了點...加上新光狹小的座位，看完瞬間有種得了僵直性脊椎炎的僵硬感(不過他的電影片長都相當長就是了)。

此外不同生命間擦撞的巧妙度、主題頭尾呼應的凝聚力以及敘事的精準度，我覺得在後作《靈魂的重量》裡可以看到更精彩的演繹(我個人沒那麼愛《火線交錯》)，在《愛是一條狗》裡則看的到導演開創個人風格的強烈企圖。

【2011金馬奇幻】阿蒙正傳 Simple Simon (2010)

2011-04-09T23:37:00.000+08:00

《阿蒙正傳》是這次金馬奇幻影展的秒殺片，果然~~~影展還是要看幾部這種歡樂片呀！全場笑聲不斷，結束時還有久違的掌聲呢，喜歡不一樣的愛情故事的人，很推薦本片。這部的劇情，對到我這個《The Big Bang Theory》(宅男行不行)的big fan，一言以蔽之就是：北歐版+主角們都長得比較好看的TBBT阿鄉親！！！

男主角Simon是一個有亞斯伯格症的數理天才，把各種物理哲學、數學算式、天文科幻奉為生活的圭臬，喜愛科幻片(特別是星際大戰)、有強烈的秩序感與規律感不容被破壞、不喜歡與他人交際或友情感交流(更別說女友)、活在自己的小世界、不在乎他人的感受，天啊！這不就是瑞典版的Shelton嗎？

衰尾道人哥哥Sam活生生就是小保母Leonard、活潑不受拘束的Jennifer雖然跟Penny的迷糊性感不同，但與Simon的互動一樣也是全片的亮點。(忍不住再說一次：這不就是瑞典版的TBBT嗎？寫到這忍不住又去看了一集的TBBT)

不過因為電影的時間短短就80幾分鐘， TBBT演了四季，相對上有較長的時間去鋪陳每個人的性格與相處間的成長與變化，對我來說《阿蒙正傳》裡人物性格描述就相對沒有那麼深刻。不過《阿蒙》讓觀眾心花朵朵開的地方，除了演員相對好看很多(誤)之外，最後讓Jennifer跟Simon之間蹦出了一點愛的火花，是結束也是開始。讓我這個對於Shelton和Penny的逐漸變成母子關係而感到傻眼的shipper稍微感到滿足。

Simon每一次遇到情緒上的挫折都會把自己關在自以為是太空艙的鐵桶裡，幻想自己在外太空，外太空對他來說是安全的，因為一切都照著引力的規律，外太空很平衡、很平靜、不帶感情。

這讓我想到一集Leonard和Penny大吵，Shelton躲到漫畫店自己佈置了一個有漫畫、機器人的小王國的故事，Sam和Leonard是標準溫情主義者，會順著主角的毛摸、陪他們玩角色扮演的遊戲、又哄又騙把事情解決，他們像苦口婆心的奶媽容忍照顧著一切，卻會在最後因為承受不了而大暴走；Simon/Shelton他們真正需要的是像Jennifer/penny這樣的規矩破壞者，她們通常有大辣辣不拘小節的性格同時又有婆婆媽媽的熱情、打破對事物既有的侷限，重新認識自己與認識世界。

飾演主角Simon的Bill Skarsgard ，是個有點怪怪看久了卻也順眼的小哥。《阿蒙正傳》除了劇情用比較輕鬆逗趣的方式去呈現人際關係障礙者的生活百態，也呈現了非一般愛情故事的獨特建立模式。

攝影跟美術的呈現非常北歐風！色彩明亮乾淨，隨時都有大片大片的陽光灑下，音樂也是充滿Indie味的民謠風格搭配得很好很有味道，動畫的部分則是整部片「奇幻」的來源，也製作得很精緻卻又符合片子可愛、生活化的感覺。《阿蒙正傳》代表瑞典入圍今年奧斯卡最佳外語片的前九強，如果喜歡這片的話，真的強烈建議可以接著看 TBBT :D

【Album】Band of Horses 《Everything All the Time》

2011-04-08T23:35:00.001+08:00

我是在心情鬼打牆似的低潮下聽到這張專輯的，每一次第一首歌《The First Song》的吉他前奏一下，所有的鬱悶情緒都大瀉千里般的隨著音樂流出，聽完一輪，心情也像是被洗滌過一樣的輕盈。

當初會找到Band of Horses的音樂，是在那個瘋狂迷戀Grunge的時光，吃飽撐著似的聽了一堆大的小的西雅圖樂團，然後我聽到了他們最有名的《The Funeral》，記得好像是某個汽車廣告的主題曲之類的，非常Indie感的抒情搖滾之作，前段氣氛疏遠飄渺，副歌吉他音牆飽滿情緒激昂，很有層次感的一首歌，主唱Ben Bridwell的聲音實在很不美國，很知性，有時空靈有時高亢。

雖然跟我當時想聽油漬的心情很是有點違和，但我還是買了他們的首張專輯《Everything All the Time》，就跟專輯名稱一樣，這張專輯的作品對我來說有一種尋常存在的雋永感，不管是上網的時候聽、趕稿的時候聽、心情很差或心情很好的時候聽、一早起床很累或晚上回家搭捷運很累的時候聽、坐車時把窗子搖下來吹風聽、或一個人在公園散步時聽...不管時候聽都覺得很適合。專輯側標寫這是一張很有印象派風情的專輯我同意，每首歌都讓我的腦海浮現某種自然與情感交織的景致，生活中的浮光掠影。

Live版的The Funeral，根據有聽過現場演出的網友說，Band of Horses的現場滿有感染力的，能現場聽這麼氣氛飽滿的歌，情緒應該會滿到胸口吧！

專輯裡的歌曲快慢參半，快歌我非常喜歡《weed party》這首帶有西部鄉村風味的輕快節奏歌曲，會讓人聯想到一些美好的經驗與時光，另外中快版的歌曲像《The Great Salt Lake》、《Wicked Gil》都有一種懷舊式的愉悅。

慢歌的部分除了《The First song》、《The Funeral》是代表作，我很喜歡《I Go to the Barn Because I Like The》、以及最後一首《St. Augustine》，像是坐在花園裡唱歌般的清新民謠感，為專輯畫下一個可愛的句點。

真面目，馬的團的各位其實都是大叔...大叔中的大叔(但音樂好有氣質聲音好夢幻怎麼回事...)，他們2004年成立於西雅圖，被地下音樂大廠 Subpop簽下發了《Everything All the Time》，2010年10月發了第二聲專輯《Cease to begin》。

有些樂評說如果你喜歡像Arcade Fire這類型的音樂，也會喜歡他們，但光就音樂兩相比較下我個人比較喜歡Band of Horses，Arcade Fire比較像會創作出瘋狂奇想之作的鬼才藝術家，而Band of Horses的大叔們則像是趕羊的詩人，更自在灑脫。

【2011金馬奇幻】北非鬼影 Kandisha (2008)

2011-04-05T22:53:00.001+08:00

從《天使飛走的夜晚》、《裡海之雨》、《烈火焚身》到《北非鬼影》，一連看了幾部與中東婦女無奈的悲劇宿命與不公義對待迫害的故事，我發現我現在對此類相關議題還滿能進入狀況的。

《北非鬼影》的原文片名「Kandisha」，是一個從14世紀起便在摩洛哥流傳至今的著名傳說，Kandisha是一個美麗善於跳舞的女人，她與一位英俊的蘇丹結婚後，因年華不再而遭到虐待軟禁，多年後蘇丹經僕人提醒，想說去監禁的房間探望一下Kandisha，沒想到整個牢房空無一人，只留下她身上的一片薄布。

《北非鬼影》的故事就建立在這樣的傳說上。摩洛哥的律師妮拉因緣際會接了一個受虐婦女弒夫的刑事案件，該女子堅稱自己無罪，是Kandisha替她殺了丈夫。站在法庭辯護的立場，妮拉覺得毫無勝算，然而她卻在冥冥之中被這個事件牽引著，因此她開始探訪摩洛哥各個角落與這個事件相關的小販、說書人、奇異母女、精神病院的美國人...，對案件陷入得越深，妮拉過往喪女的傷痛也從心底深處浮出檯面。

這部片融合無解命案與地方傳說，加上偏藍綠與蒼白的攝影風格，以及帶有北非異國情調的喃喃吟唱與配樂，營造出了相當具神秘感的摩洛哥風情，對我來說相當符合「奇幻」影展的選片標準。其實劇情不算太有新意，看的時候會覺得故事的架構有一點《驅魔》或《鬼影人》的味道。整體劇情節奏偏緩慢，而且其實裡面交錯著三個案件，精神不濟的時候觀看應該會有點霧颯颯...，但整體的氣氛營造仍是相當不錯有對我的口味。

故事的最後並沒有說明法案最後的判決，Kandisha也不知道是真有其事，亦或只是人們用來嚇阻摩洛哥家爆事件頻傳而虛構出來的警世故事，但總覺得，女權的公平正義要靠傳說來伸張著實令人感到悲哀。這個故事讓我回想起，忘記是在哪本漫畫裡曾經看到的說法：城市裡常常會有都市傳說Urban Story或是鬼故事的流傳，是因為要時時刻刻提醒我們事實與真理是非常脆弱、難以突顯的，因為在活人的世界裡正義沒有辦法被彰顯，所以鬼魂們要靠自己的現身來維護正義的存在。

《北非鬼影》在09年的各大奇幻影展裡大放異彩，拿到阿姆斯特丹奇幻影展的歐洲金獎以及富川奇幻影展的評審團特別獎，值得一提的是，09年中去世的美國演員大衛卡拉定(追殺比爾裡的比爾)也在此片客串了一個角色。