【2016金馬】六部華語片小觀，和與我口味不合的金馬評審

這幾年個人影展的選片上，看華語片的數量漸漸超過日片韓片歐美片了。這樣的好處一來是年底的金馬獎會非常有參與感，二來既然難免花錢踩雷，把錢貢獻給亞洲市場似乎是個不錯的選擇XD 說實話，這幾年中國新秀導演有些作品真的很不錯，今年的香港電影也頗強悍，如果沒有抽到籤，這些電影在台灣就看不到，因此讓人反而會更珍惜能在影展欣賞的機會。

但今年金馬的結果跟我個人喜好出入頗大，我發現我跟許鞍華的喜好真的不合...但沒關係，我們可以藉由金馬來養成我們的大器，而不是一直自我感覺良好。（但許鞍華我的口味真的跟你很不合，再次強調）

《樹大招風 Trivisa，2016》

炒股、炒樓、炒栗子，現在隨便炒什麼都比你的貨賣錢阿。

「三大賊王合作，做甚麼都厲害。」

這應該是我今年華語片最喜歡的劇本。寓一個大的國家文化變化於真實社會案件之中，非常的草根，拍攝的方式又很新穎，特別是最後的反高潮，講一切歸於一個空穴來風的巧合，收的很妙很悵然。特別是令大家津津樂道的剪輯，將三隊人馬拍的三段片完美剪在一起，幾乎是毫無懸念的拿走原著劇本和剪輯。

這部片唯一的小缺點，是我覺得三個演員的演技爆發力有落差，這應該是任賢齊所能展現的最佳表現了，但我覺得他比起另2位還是氣弱些，我不覺得葉國歡這個角色非由任演不可。最值得一提的是林家棟！這個萬年綠葉的表現真是棒呆了，活脫演出一個低調殺手的黑暗複雜面，居然連入圍都沒有，金馬評審醜一。

《再見瓦城 The Road to Mandalay，2016》

「蓮青，你要記住這張紙上的資料，

從今天起，你就不再是緬甸人了。」

因為我個人非常喜歡《再見瓦城》，所以金馬的評審算是直接醜二了。吳可熙是穩穩的演技派，搭上柯震東讓人有點難以想像，但這個組合本身就就讓人有期待感。實際觀看，柯震東整個人像是被剝了一層皮似的脫胎換骨，從頭到尾的表現我都很喜歡。導演說他剪掉了一些兩個人衝突的高潮戲，對演員沒拿下演技獎不好意思，我找了片段來看，其實我還是喜歡趙德胤最後呈現的版本，我覺得就算放回去也不會拿獎，因為那是評審團眼光的問題（誤）。

電影透過一對偷渡移工小情侶的境遇，講整個大東南亞人民的身分認同，故事描述的環境雖然在泰國，但這個故事與我們台灣當代息息相關的不得了，我很喜歡，沒拿到什麼獎真的太可惜了。

《一路順風 Godspeed，2016》

「小老闆，你今天提醒了我一件事。

如果我活的到明天，我會去買一籠小籠包。」

《一路順風》不是鍾孟宏最好的作品，但我覺得比《失魂》好些，可能張孝全對我來講演技還是木了點，我喜歡許冠文和納豆這對一老一少的組合，搭起來是有火花的。攝影、美術還是一貫高水準，鍾孟宏不愧是廣告好手，視覺語言很豐富，也能夠找到很厲害的景（像劇中那片迷宮般的魚塭）。

我覺得這部主要的問題一是劇本，鍾導自己的劇本不太行，大多會寫的有點扁平、類似短篇小說的體裁，需要外援，像《第四張畫》有塗翔文共寫，個人覺得好非常多。二是演員，導演愛用老班底，但偏偏他劇本的角色又比較符號化：黑道老大、小弟、父子、警察、醫生、老人、小孩，大概不脫這些類型，如果又找固定人演，會缺少期待感，加上不巧演員該次表現沒特別突出，整個電影就會平掉（這次庹宗華和戴立忍都算表現一般），最好的正面例子是《一路順風》裡被大家討論的一個嗑藥小混混角色─本身也是導演的陳以文飾演，這個選角就是很跳、很不老梗的選擇，反而是吸睛亮點。

《一念無明 Mad World，2016》

其實做個仆街很容易的，

不想做的，丟一邊就好了。

給幾個藉口，告訴自己我已經盡力了，

然後就逃避吧，避到追不回來。

「 不是什麼都可以外判給別人做的。」

《一念無明》和《不成問題的問題》對我來說都是稍嫌過譽的作品（評審團直接醜四？），拍的都不錯但也不是毫無缺點，兩者都有從關懷小人物看大社會的企圖心。曾志偉沒拿獎媒體譁然，但我覺得頒獎前話題有點炒過頭了，這一齣要記在記者頭上，雖然我個人是喜歡曾志偉的詮釋的。

最近這種崩潰苦情父母的角色很多，感覺都是寫來拿獎的。金燕玲的演出固然出彩，但類似角色我覺得呂雪鳳在《醉‧生夢死》的母親角色更飽滿立體，剛好連著兩屆都是類似的角色，希望明年可以看到不一樣一點的女配角，譬如像是《一念無明》裡演出余文樂未婚妻的方皓玟，我覺得她的表現很驚豔（特別是教會一場崩潰戲），不好演，但她表現的有張力有層次，但也沒入圍是怎樣～（余文樂的演技也還是木一些，不好意思）。

《不成問題的問題 Mr. No Problem，2016》

導演梅峰說他拍成黑白是為了接近民國，但我不那麼認同。我不覺得這部片在視覺、美感、整體概念上有處理成黑白的必要和效果，我反而覺得如果拍成彩色、處理的更風格化些會讓這片更突出。不知該怎麼說好，這片就是演員、劇本表現都恰如其分，但就是不會讓我很放在心上，所以，我覺得一定是因為沒必要卻故意拍成黑白的緣故（亂寫一通）。但范偉飾演的丁主任這個角色寫的極佳，每個公司或企業裡都有一個這樣極度了解人心的混帳，靠著交際手腕和權利關係把大家耍得團團轉。

我喜歡梅峰做為編劇的作品，他幫婁燁寫了好劇本，但《不成問題的問題》我真的是還好。（會太直接嗎？）

《我不是潘金蓮 I Am Not Madame Bovary，2016》

「菩薩，那些貪贓枉法的人，都給您懲罰了，
但我是不是潘金蓮的事，您還沒有說清楚呢。」

牛說不讓我告狀，是怕我告不贏；

你們不讓我告狀，是想讓我繼續含冤。

我一直很好奇「最佳導演」到底是如何評審出的？特別是當這位導演導的作品沒有拿下最佳影片、劇本、技術獎和演技獎的時候。既然這部影片沒有在任何一個領域特別突出，那要如何證明導演的功力是最佳的？會這麼好奇並非質疑《我不是潘金蓮》的好看程度，說實話我還滿喜歡這部片的，特殊的方圓鏡頭（特別是圓的）讓電影畫面有一種中國畫的古典美感，這片跟《不成問題的問題》同樣帶有一種寓言式的古典味，用荒謬的角色與劇情來批判中國社會迂腐的一面，但我喜歡這片許多，形式化的表現手法讓原本可能流於說教的腳本有了新鮮的包裝。

後來與友人討論，金馬獎的最佳導演或許、也許、大概是立基在「創新」這點吧，像是許鞍華的《黃金時代》和這次的馮小剛，但我實在不想說，無論是拍成方的還是圓的，其實都沒有多創新就是了。（就為評審們找個「不成理由的理由吧」）

【2016金馬】四部記錄片小觀

其實每次影展不知道要選什麼時，我都會想選紀錄片，特別是音樂/藝術類的紀錄片，就算拍得很平實，我通常都會買帳，對我來說，難看的劇情片比難看的紀錄片更加難看（我在饒舌嗎）。很多人覺得紀錄片太少情節、太多訪談，我反而很沈迷在那些訪談之中。金馬每年的搖滾啟示錄單元我都會很認真的研究片單，一來通常會有我喜歡的藝術家；二來是紀錄片會上院線的比例偏低、此時不看更待何時。

今年當然也不放過的選了三片，事實上我覺得我選了太少了，如果時間許可，音樂藝術類的紀錄片我還想看更多。

《明日進行曲 Tomorrow，2016》

人類對於滅亡向來有著狂熱的想像：
活屍、隕石、外星人。

殊不知在環境與能源的高速耗竭下，
「滅亡」其實就近在咫尺。

因為我非常喜歡Mélanie Laurent，新生代的法國女星中最喜歡她跟Lea Seydoux，但Mélanie Laurent的氣質更聰慧優雅。這是一部很適合在公視或學校播放的紀錄片，起心動念很簡單，就是Mélanie Laurent在生了小孩之後，開始對大環境產生許多不安與憂慮，便決定與幾個志同道合的電影夥伴，走遍世界，尋訪一些努力讓世界變得更好的小眾，因為缺少媒體資源，這些人的行為並不廣為人知，但看了之後會覺得這個世界還有好多種生存方式，我們不用隨波逐流、我們有權利勇敢選擇想過且對地球有益的生活。

整片拍得輕鬆好看，能得到許多想法上的刺激，其中不只談環保、也談消費、社會制度與教育。比較比較可惜的是，裡面沒有報導東亞這邊的例子，我覺得東亞也有許多人在做這樣的努力啊，沒有被報導到，在看的過程就會覺得少了一點同理感。另外一個想法是，歐美的年輕母親好有國際觀且大器，台灣的年輕媽媽的生活焦點還是會放在小孩本身的教育、家庭關係這一類的，那的確也是一種愛的展現，但就會覺得作為一個人類（無論你是母親或任何身份）若你的擔憂層次能擺高一點、你的世界就會更寬廣一點，也就不會去擔心多元成家要我怎麼教小孩這種無謂的議題了，不是嗎（雙手一攤）。

《綠洲超音速 Supersonic，2016》

「我知道他不恨我，他愛我。

Oasis的精神就是我和Liam之間的關係，

但最後，也是這關係讓我們筋疲力竭。」

看完這片，立刻翻出Oasis我最喜歡的前幾張專輯、Live版本來聽，影片片尾那場數十萬人的演唱會畫面真是太驚人，當年在南港展覽館前奏一下的雞皮疙瘩又起來了。

這片基本上就是粉絲限定，除了講兄弟間的愛恨情仇外，還有兩件很有趣的事。一是錄音師/混音師的重要性，當年的《Definitely Maybe》整個定調90年代的英搖風格，一開始的錄音室版本效果並不好，在找了混音師Owen Morris重做後製後，完美的首張專輯就此誕生，一個樂團的生死瞬間有時真的不是掌握在團員手中。

二是真真切切的感受到唱片黃金年華一去不復返，現在影音串流太發達了，藝人與觀眾間的距離變得好像很近卻又遙遠，你可能常常看某些藝人的youyube演出、卻不曾走進演唱會聽他一次現場。身為一個老人，難免想靠腰現在崇拜偶像的方式實在有夠廉價，真的非常非常懷念那個Pre-youtube的時代...，喜歡一個樂團就是買齊他們的CD或卡帶（當然是用CD Player或Walkman播）、聽到CD都爛掉變成透明的、歌詞本當然也是翻到爛掉（英文都逐字查好）的美好時光，因為資訊缺乏，親睹偶像表演的機會是如此珍貴。《綠洲超音速》最後那場25萬人的演唱會，是當年多少歌迷此生第一次見到本尊的機會，儘管看到的團員們可能比米粒還小...這樣的演唱會，現在哪還有可能（需要）辦得起？

《一級危險 Gimme Danger，2016》

「謝謝發明搖滾樂的窮人們，
你很酷，謝謝你們總是那酷。」
不管The Stooges去哪裡，總是嚇到所有人。
大家都驚呼沒看過這種表演方式，
Iggy Pop的舞台就是在提醒我們，生命就在當下。

敢算算2016年走了哪些音樂界的icon嗎？我不敢（遮眼），所以現在看到這些活力四射的搖滾阿公們，我們都要懷抱著感恩惜福之心哪（誤）。

我原本並沒有特別喜歡Iggy Pop，但也懂得欣賞他充滿原始爆發力的表演，但其實也清楚，要真正接近他們的音樂，只聽錄音室版本是完全不夠的，這樣的樂團，就是要聽現場才有生命力啊。The Stooges的音樂直接生猛、歌詞簡單，Iggy Pop說是因為他小時候喜歡的節目，主持人都會說「歡迎寫信給我，來信記得在25字以下」，所以他的歌詞也都精簡在25字以內，「我又不是Bob Dylan（指歌詞落落長），」反正還要順便婊一下別人就對了。

「你為什麼不打股改唱歌？」

「因為我厭倦一直看到別人的屁股了，那是鼓手的詛咒。」

看完這片會非常喜歡Iggy Pop這個人：真誠、坦率，雖然曾經浪蕩、看起來也有點瘋癲，但就是一個會讓人不由自主喜歡的人，你會覺得「對，搖滾就是這樣。」

獻上原始團員照，也是一個無法再實現重組可能的人生必經之路。青春飆速歲月將隨著死亡印記一路邁向虛無狂奔，但存在意義歷久彌新，永遠會有新的追隨者，因為他們本身就是搖滾的定義。

《大衛林區：獨白囈語 David Lynch: The Art Life，2016》

「對我來說，做一個畫家，要活得像個畫家。
喝咖啡、抽菸、畫畫，這就是全部了。也許女孩也算得上一點。
我媽最常說：我對你很失望。那時我真的忙著違背她的期望，

那時我過著兩種人生。」

這部當初在本子上看到就列入絕對必看，身為大衛林區的粉絲完全不用考慮的選擇。但這部紀錄片比較著重在大衛林區的童年、成長、心靈世界、如何踏上藝術創作之路，電影只有稍微輕描淡寫的帶到拍《字母》和《橡皮頭》的過程。但從大衛林區的畫作上，也不難看出他一路來的創作脈絡，他的畫作跟電影一樣，對我來說有一種黑暗的沈迷感，很自溺也很自閉，像是綿延不絕的噩夢，沒有醒來的一天。

大衛林區：「我不想待在世界上任何一個地方，
我只想待在自己的世界裡。」

大衛林區平面創作很有意思，我特別喜歡那些一個一個有點分開的字母，短短的句子很簡單、很黑暗，也有一點像是詩。紀錄片裡，他分享了2個特別詭異的經驗，對他的藝術創作有著潛意識般的影響。一個是他小時候，在很黑很晚的大馬路上，看到一個全身赤裸的蒼白女人，女人在哭，嘴巴在流血，像是一個巨大的白色巨人，他說自己那時太小了，想要幫她卻無從幫起，只記得這個彷彿通往異世界的奇異景色。這個既像夢境也像淺意識的經驗，在他後續的電影作品裡都能感受到。

另一個則是他搬到費城的某個住宅區，對他來說是一個死氣沈沈、詭異的社區，空氣中有腐敗和恐懼的氣息，以及一種病態的氛圍。隔壁住著一個一直說自己是一隻雞的奇怪女人，這個奇特的經驗似乎成為一個靈感與符號，被放入後來的經典作品《橡皮頭》之中。

身為大衛林區的粉絲，我看過《象人》、《橡皮頭》、《藍絲絨》、《穆荷蘭大道》、《我心狂野》，卻沒有看過《雙峰》！深深感到自己的失格⋯，《雙峰》第三季也在2016開拍，並非重啟，而是整個系列的延續，有機會似乎應該把經典找出來看看。

【電影】幻想戀愛 Les amours imaginaires / 不過就是世界末日Juste la fin du monde

把這兩部多藍的電影放在一起，完全沒有任何想比較的意圖(老實說這兩部片也無從比起)。只是我曾經很想寫《幻想戀愛》，但時間一久，已經完全失去當初想寫的衝動，甚至連劇情都有點淡忘是怎麼回事...然後，最近又看了多藍被砲轟之新作《不過就是世界末日》，覺得人的成長真是跌跌撞撞阿，就算是大導演也一樣。(但坎城還是很愛他阿，真的是幸運的孩子～)

幻想戀愛 Les amours imaginaires (2011)

我不想浪費時間，卻無法好好愛你。

「我愛上了一個高傲的混蛋，

回我的email像是會死一樣的慢。

他讓我在電腦前總是非常緊張，

我在想...，如果每按一次『重新整理』

就會死一個人的話，人類早就滅亡了」。

幻想戀愛就是小清新一部，酸甜好入口、青春有共鳴。也是多藍少數跟媽媽無關的的電影。雖然是一對男女好友，同時愛上一個小帥哥的青春期賀爾蒙衝突老梗，但表現手法討喜，如果是第一次接觸多藍電影的年輕小文青，應該會挺喜歡這片的，連我這個老人都喜歡了(雖然已經有點忘記結局，慘)。

《不過就是世界末日 Juste la fin du monde，2016》

「你以為我們不愛你，我們不了解你。
我是不了解你，可是我愛你，媽媽愛你。

你可以把這段寫進你的劇本裡。」

多藍在《親愛媽咪》後聲勢銳不可檔，最明顯的改變，一個是他的電影開始出現大量的大牌演員，另一個則是他也開始接受到好萊屋的邀約(開始拍英語發音的戲)。《不過就是世界末日》的演員一字排開真的很驚人，Vincent Cassel、Marion Cotillard、Lea Seydoux、Gaspard Ulliel、Nathalie Baye，完全是法國演員的黃金陣容。

這片最被人詬病的部分就是情緒很濃郁、劇情很破碎。看完之後老實說，我沒有很喜歡片中大量家庭衝突的戲碼，覺得情緒堆疊的很滿，卻沒有出口，對觀眾來講壓力太大。但我不覺得這片有到外界評價那麼差，覺得這就是他想拍的東西，片頭曲一開始就說了：「Home is not a harbour. Home Is where it hurts.」這片注定不是一部討觀眾歡喜之作。再來，演員演出都很自然，當然他的演員都是一時之選，但我們也看過不少巨星雲集的悲劇不是嗎？這也是多藍一直保持很好的強項，非常會使用演員，無論是素人或是明星，在他的鏡頭下都有一種很會說故事的魅力。

Gaspard Ulliel的演出我看過《未婚妻漫長等待》和《巴黎我愛你》中的一段，感覺多藍應該滿愛他的，電影裡滿滿大特寫。

《不過就是世界末日》雖然在坎城拿到評審團大獎，但不知是否得罪了某位記者方丈，總之媒體的部分是劣評如潮，從一些新聞裡可以感受到天之驕子的沮喪，也不滿多數媒體跟著資深影評開槍的從眾性。從他的言論裡覺得他雖然不爽，但也都還是言之有物的抱怨啦，這個逗點對他其實挺好的，反正不過就是世界末日嘛，27歲未來還好長好長。改天來看《憂傷大象之歌》吧，個人也是滿喜歡看多藍演戲的。

【2016金馬】生為藍調 Born to be Blue (2015)

第一次聽到《My Funny Valentine》，是在99年的電影《天才雷普利The Talented Mr. Ripley》裡聽到的，那時的麥特戴蒙與裘德洛都正值花樣年華，年輕帥氣不可一世，優雅義大利風情與男男慾望暗潮流轉，讓人印象深刻。雖然麥特戴蒙的聲音有點素人，但那種稚嫩年輕的氣息與電影氛圍很配。一直覺得這首歌有種奇異、病態、絕望的美感，音色令人耽溺沉迷。

電影《生為藍調》算是Chet Baker人生中下半場的自傳性電影，他曾度過人生高峰、正值第一個谷底，無法擺脫人生各種慾望與執著，女人、音樂、毒品，看了電影，就知道Chet Baker為什麼寫的出《My Funny Valentine》這樣的歌曲 。

Hello, fear. 哈囉，恐懼。

Hello, death.哈囉，死亡。

「你是毒蟲？」「我是有些壞習慣。」

「為什麼你過得如此崩壞？」

「你真的想知道原因嗎？因為崩壞讓我快樂。」

男女主角選的滿好的、有火花，年輕的Chet Baker非常像不羈帥勁的詹姆士狄恩，伊森霍克的確有那個調調（雖然我覺得他老了有點像凱文貝肯...）。我覺得爵士音樂的美，在於一種體現人生的陰影與缺陷，而Chet Baker一生也在與某種陰影奮鬥，初登鳥園（Birdland，紐約爵士樂殿堂）的西岸白人小子與東岸黑人爵士樂手們對抗著，死對頭邁爾士戴維斯對他說你還不夠了解人生，但人生又是什麼呢？接著被人打掉一口牙、想重拾音樂的歷程必須對抗生理折磨，從最底層的比薩餐廳表演起，一步步要重返Birdland的前一刻、他發現自己戒不掉的信心其實是毒品。

Chet Baker在電影裡自問：「哪個比較悲慘？你再也不能吹小號了？還是你吹的馬馬虎虎？」他最後一刻決定絢爛的燃燒殆盡，儘管自己一度也眷戀平凡。

很有趣的是，電影沒有直接拍出Chet Baker重返鳥園舞台選擇用藥的畫面，卻從女人聽表演心碎的神情表露，讓我想到《曼哈頓練習曲》裡的琪拉奈特莉也是聽到音樂就知道男友變心，音樂總是誠實，沒有任何謊言瞞得過音樂。

「他從未傷害任何人，除了自己。」

我很喜歡電影選擇了一段Chet Baker比較潛伏的人生歲月描寫，那時候的他人生失去所有，與女友搬回老家，以一種緩慢自我療癒的方式，一點一點重拾音樂。電影裡有大量Chet Baker在自然環境中吹著小喇叭的片段，自然光、大背光、在海灘、在山林、在原野、在托車車頂，有時佐以手持鏡頭，畫面優雅寂寥，挺適合深秋時節看，雖然看完有點惆悵。

《My Funny Valentine》有許多表演版本，包括Sting也唱過，但老實說，沒有人能表演的能跟Chet Baker相提並論，無論是小號、歌聲還是整體表演的水準都難以達成。基本上我覺得這首歌就是要表演者自唱自吹才夠味（超高難度），Chet Baker唱一段、吹一段小號、再唱一段、再吹一段，有一種精神意念以一貫之的執著完美感，態度自然是不可撼動的從容優雅，就連伊森霍克的聲音其實也差強人意（伊森霍克一聽就是玩搖滾的），此歌深夜服用正好。

【2014金馬】巴黎，德州 Paris, Texas (1984)

電影從一張照片開始。「每一張照片，都可以是電影的第一個鏡頭。」溫德斯在他的攝影書《一次》裡這麼說。在《一次》裡，可以看到溫德斯迷戀並追求著，細膩影像裡存在的瞬間永恆。他說：

每張照片讓人驚奇的地方，

並不是人們通常所認為的

"時間定格"

恰恰相反

每張照片都重新證明

時間的綿延連續不可停留。

就算是最乏味的到此一遊照片，對溫德斯來說也是獨一無二的存在，每個被攝入的瞬間都提醒著我們失去的、曾經珍愛的、不可復返的。他的作品對我來說有一種溫和的流動感，在最瑣碎的日常影像中，感受生命片刻不斷在路上奔馳流洩。《巴黎，德州 》像是這本書的精神體現，特別是這個一張照片的開場，對熱愛《一次》的我而言，是個甜美的共鳴。

故事其實很簡單，一對父子的一趟尋妻的旅程，找人、找路、找自我內心、也找生命的起源。在電影裡的大人們構築出的悔恨、迷惘、失去、茫然的世界裡，小男孩天真的存在是個可愛的亮點。

電影中女主角Jane的形象經典迷人，金色短髮與桃紅色的大露背毛衣，性感隨興的謎樣氣質，就算是放在現在也歷久彌新。好看。

「我離開多久了？」

「四年了。」

「四年很久嗎？」

「是一個小孩一半的人生了。」

男主角與妻子在「你看不到我/我看得到你」的色情小房間裡重逢，久別後留下的後悔、失落、疏離、尷尬化作一個陌生的身份，距離讓彼此不會受傷。男主角不想曝光，卻想跟女主角說一個特別的故事，說一個曾經發生在兩人身上的故事，用一種平緩冷靜的語氣。僅管明知妻子隔著玻璃根本看不見他，卻仍無法面對曾經傷害過的人。最後女主角關掉電燈，失去光亮，兩人終得以在黑暗中看見彼此。

《巴黎，德州 》之所以成為溫德斯的代表作，除了金棕櫚加持，我覺得這段房間戲真的經典。空間運用、鏡頭與感情的流轉，濃郁又深刻。特別是女主角趴在玻璃上想窺視說故事的男人的一幕，她的臉與男主角的臉重疊在窗上，分開四年的兩人，內心早就像是兩條平行線無限疏離，在那一刻，兩人生命終於又有觸動的交集：你理解了我的痛苦，而我也理解了你的。導演用了一個很美、很有意思的鏡頭詮釋這種「理解」，令人難忘。

兩年前在大螢幕看的電影，很喜歡的一部，卻一直找不到時間好好寫下它對我的意義。在終於得以閒閒終日的時刻裡，我卻好想好想再看這部電影一次。

【2016金馬奇幻】男人的一半還是男人 My Own Private Idaho (1999)

Whenever,whatever,have a nice day.

「看著這條路我就知道我被困在哪裡，

絕對找不到一條一模一樣的路，

每條路都是絕無僅有的，

就跟那些千瘡百孔的臉一樣。」

小時候看《男人的一半還是男人》有點不能領略其中奧秘，兩位男角過度俊美的臉孔實在惹人分心，演了什麼看不太懂也不太重要，莫名覺得這片散發著耽美的BL粉紅泡泡。

長大再看這片，把劇情看進去了，才發現根本超悲催，少年時期的我真是沒讀懂人生的寫實版本，再甜美的酒，隔天的餘味也是苦澀的。也許每個人都跟Mike一樣，手中能掌握的只有寂寞與逃避，但路，一條筆直的路，永遠為任何人敞開。

還滿喜歡葛斯范桑早期帶有一點喜劇質感的作品，人物刻劃、劇情輪轉與氣氛拿捏得宜，既保有文青味又不會太鬆散。後來也陸續看過他不少作品，心靈捕手、大象、迷幻公園、超脫末日、自由大道，導演似乎一直在兩個極值間擺盪著，但已經找不太到與《男人的一半還是男人》類似的氣息。反正很多事都回不去了，就跟影迷已永遠失去瑞凡一樣。

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今年奇幻影展看了7片，還複習了《變腦》的大螢幕版本，渡過麻亂如織的忙碌4-5月，想稍稍紀錄時竟已像斷片般地跳躍到盛夏6月了。如今當初的片單現在看來竟有些陌生，好比《夢想電台》這片，若沒用力召喚記憶深處，還真想不起來劇情呢。

變腦：依舊病態、依舊喜愛
海星的秘密：倪匡會很愛的一部片
枝繁葉茂：喜歡這片的氣氛與說故事的方式，有鄉野奇譚的味道
夢想電台：也是餘味不好的一部片
魔王迷宮：懷念鮑伊順便緬懷童年
史丹佛監獄實驗：也是看了不太爽的一片，類似《惡魔教室》

【2016 遊牧影展】4片小記

好像有幾年沒看遊牧影展了，今年再度燃起熱情看了4部，感動依舊。遊牧影展對我來說是能看到非常小眾、非常具藝術爆發力的怪片影展，也能一窺對我來說平常不常接觸的次文化族群：滑板、嘻哈、跑趴的少年少女們，以及一堆有型的老外，每次的觀影組合總讓我感到新鮮。總之，看完遊牧影展往往能獲得一種神秘的能量，想沉浸在藝術的小宇宙中那種感覺。

《午夜饒舌電台 Stretch and Bobbito，2015》

imdb高達9分的紀錄片，描述紐約90年代，兩個熱愛嘻哈音樂的青年在地下電台，開了一個深夜的嘻哈廣播節目（最有趣的是這兩人是白人與拉丁裔的組合），專請地下饒舌好手上節目表演，這個氣味草根的地方性實驗廣播節目，從一個小眾發燒話題，最終演化成21世紀初嘻哈巨星的培養皿，被盛喻為嘻哈新世代進入產業之門。許多製作人在節目裡挖掘新秀，甚至成名的歌手也希望能在節目上宣傳專輯，Jay-Z、Nas、the Notorious B.I.G.等人在成名前都上過此節目。

紀錄片的形式很單純，找來已多年沒有合作的兩位主持人，及當初曾上過節目的大咖、工作人員等，重新聆聽錄音帶，讓沒經歷過的觀眾能重新感受到這個節目的傳奇性。印象最深的是，Busta Rhymes說他當年靠賣這個廣播的錄音帶賺了一筆；以及Nas聽完自己當初第一次上節目的作品後，非常緬懷當初貧窮卻創作力十足的underground時代。《午夜饒舌電台》代表的是一種從純粹的快樂與熱情中點燃的成功模式（最後結束也是因為2人熱情不再），非常符合遊牧影展的精神，是個讓人精神一振的開始。

《H.，2014》

怪片一部。但不得不說石像漂浮在湖面的劇照非常超現實，是被這個畫面給吸引而盲目選片的。神秘失蹤、邪教、末世、隕石、擬真娃娃、失憶、美國中西部小城，整部片有一種詭異迷人的末世基調，畫面安靜疏離，三不五時昂起的弦樂配樂總讓觀影過程神經緊繃，電影裡充滿著不快樂的現代人，光是那個「擬真娃娃俱樂部」就讓人起雞皮疙瘩，像是美國奇譚裡的怪故事，據說劇本拼湊了多首希臘荷馬史詩，俗人如我辨識不出，但是是個有趣的觀影經驗。

《塗鴉與革命 Art War，2014》

抗爭的目地從來不是重點，

抗爭的目的就是抗爭本身，
每個人都想從抗爭的過程裡得到內在的自我。

經歷過太陽花學運（也認同學運精神）的人，看《塗鴉與革命》應該會非常熱血沸騰，感覺熱血並不是因為電影中的藝術家們或這場革命真的改革了什麼，革命本身是一個沒有終點的行為，它的目地永遠隨著時局改變著、永遠以各種型態進行著。看著電影受到感召的是一種心情，那種想說點什麼、想打破成規的慾望和衝動，對社會不滿也對自己不滿，渴望著衝撞與被衝撞。

難度非常高的一部紀錄片，導演Marco Wilms以一個外來者的角度，紀錄了「阿拉伯之春」革命運動期間的埃及，一群想用噴漆罐自我表達、紀錄、對抗的藝術工作者們，在混亂的時局做了哪些事。裡面有一些非常危險的畫面，像是近拍多場流血暴動，或是藝術家被挑釁的群眾包圍（差點被生吞活剝）。電影中能看到埃及人民是多麼強烈渴望推翻舊政權、選出新總統後再度失望、歷經大規模的抗爭遊行、總統下台換軍人掌權、再度陷入無盡混亂...，整個過程漫長卻擲地有聲，看完你會覺得：民主的果實怎會是甜美的？用血淚換來的民主，應該是充滿鐵鏽的味道吧。

比起這次我看的其他部作品，《塗鴉與革命》的題材其實相對「大眾」（公民議題正夯），也是這次四部裡我最喜歡的一片。

《流浪樂手的冷酷異境 Hot Sugar's Cold World，2015》

「房間裡沉默的音量，遠比世界上任何一組鼓聲來得大。」

也是一部很小眾、但趣味橫生的紀錄片，用貼身跟拍的方式，紀錄了音樂鬼才Hot Sugar的生活與創作模式。Hot Sugar擅長從生活中的各種物理聲響中，重組混音出別出心裁的電子作品，他生活的最大的樂趣就是拿著錄音機到處錄音：跳跳糖在嘴裡的聲音、空無一人靈堂的聲音、煙火的聲音...，混音出來的作品都相當適合做為各種地下獨立影片的配樂。另外，整部片的視覺充滿網路流行元素、自拍、low-fi低傳真小動畫等符號，會讓人覺得Hot Sugar這人的外在行為很怪咖有趣，像是吃了過多的色素泡泡糖，有點迷幻，但內在精神世界其實還滿像個哲學家或詩人的（也是有點迷幻）。

另外導演吉姆賈木許特別出現了幾秒是個驚喜。