【2010金馬影展】藍色恐懼 Perfect Blue (1998)

《藍色恐懼》可能不是今敏導演評價最高或技術最純熟的一部片，卻是這次金馬影展裡我最想看的。撇開千年女優、盜夢偵探我已經欣賞過的前提，這部1998年的作品《藍色恐懼》在市場上有其珍稀性(DVD很難買)，再加上這種偏異色氣氛的劇情本來就是我喜歡的STYLE！已經忘記跟幾個人強力推薦過了。(仗著DVD難買這點就一定要大推薦啊！)

《藍色恐懼》的故事從一個三人少女團體偶像的成員未麻想要單飛開始。厭倦偶像的假象，未麻開啟了女演員之路，可惜一開始只能當電視劇的小配角，未麻一方面豁出去想做些大膽的轉型，一方面心裡似乎有個小小聲音不斷看輕著自己是個被玷汙的偶像。此時無意間發現的網站「未麻的房間」讓她驚覺自己似乎陷入了死忠歌迷的跟蹤當中，加上身邊開始出現離奇的死亡事件，戲劇與真實生活的界線也開始逐漸瓦解...，這個藍，是天真無邪的Baby Blue？亦或是湛藍深不見底的心靈黑暗面？

這個故事光看文字介紹就相當吸引人，全長81分鐘的劇情高潮迭起、十分緊湊，儘管早期在繪畫還不是那麼純熟(人物比較僵硬)，但故事傑走與一些畫面呈現都已經很有電影的架勢了。

今敏導演的作品雖然是動畫，但概念和畫面已經是好萊屋導演們喜愛取材的對象。除了「盜夣偵探/全面啟動」，《藍色恐懼》中一幕未麻蜷曲著身體在浴缸中吶喊的劇情，在描述嗜毒者無可自拔墮落世界的超限好片《噩夢輓歌Requiem for a Dream》裡珍妮佛康納莉將這個鏡頭詮釋的很棒(絕對會讓人留下深刻印象的那種！)

劇情後段未麻不斷從夢中醒來的劇情，也讓觀眾陷入虛實錯亂的觀影狀態，這段我很喜歡！除了奇詭的元素，《藍色恐懼》在許多層面也揭露了日本演藝圈的醜陋面。

《藍色恐懼》包含了許多金敏導演熱愛的元素：女演員、夢境、人格分裂、謀殺...，這些小元素在他日後的作品裡也都相繼延伸成更完整的概念，這部片說是金敏導演虛實交錯的科幻世界觀最初成形的小宇宙也不為過。影片最後雖然是一個Happy Ending，但想到今敏導演的英年早逝，上字幕的同時也不免感傷了起來。

【2010金馬影展】愛的禁行式 (乱暴と待機) (2010)

當初看到演員名單上有淺野忠信和山田孝之就選了，心裡想說「好久沒看淺野忠信的戲了」，大概就是這樣被下咒似地選了吧。結果看完之後，也不太曉得該怎麼描述這部片給我個感覺...，基本上就是一個(看似胡鬧)的黑色喜劇。一對妻子懷有身孕的年輕夫妻搬進了新的住宅區，隔壁住著一對相當詭異號稱兄妹的男女，四人展開一段剪不斷理還亂(超沒創意的形容詞我知道)的感情關係。

整部片只有小池榮子的角色是正常的，非常殺的孕婦，高中時代想必是個太妹吧小池榮子(指)！真不愧是嫁給摔角選手的女人！整部片黑色幽默的地方非常多，可惜跟我好像沒那麼對味(我比較喜歡宮藤官九郎那種STYLE的Q口Q)，可是因為滿場觀眾都很捧場，嘻嘻哼哼笑個不停，所以我可能被感染了這股發笑的氣息也忍不住笑了幾聲=_=。

因為劇情也相當古怪，我忍不住把焦點都放在演員身上。戀愛魔鏡的模特兒美波在這部戲，比起惡女花魁和搖滾雙面人算是挑大粱，這個肖肖的角色很有發揮，她看起來有點神經神經的氣質演得不錯！而且非常犧牲，有露屁屁喔！不過不知道有沒有人跟我有一樣的感覺，就是她笑起來有點邪氣，不知道是不是太瘦的關係，我覺得她也滿適合演女鬼的...。另外山田孝之旺盛的詭異毛髮，淺野忠信終於瘦了的精實身體但終究老了的臉龐，都讓我留下了些許印象。

【2010金馬影展】Howl (2010)

這部以50年代美國詩人艾倫金斯堡(Allen Ginsberg)的著名詩作《Howl嚎叫》為名的電影，也是今年金馬片單的強力主打、第一時間劃位就決定要看的首選。

原子印象很貼心，畢竟「垮掉的一代」(Beat Generation)離台灣年輕人是有點遙遠了，特別印製了Howl專刊，不但詳盡介紹這個影響美國自由精神的文化浪潮(某些部份形塑了某種「美國夢」的形象)、幾個核心人物，還連帶介紹了「垮掉的一代」影響了哪些知名的創作者、音樂作品等，非常用心值得一拿。

這個承接二次大戰後波西米亞精神的文學流派，鄙棄社會的主流價值、追求性靈的解放與自由、重視感官帶來的衝擊與感受、他們往往出身於中產階級家庭卻嚮往低下階層的生活，成為後來60年代嬉皮文化、地下前衛文化的先鋒，也是左派反戰運動中相當重要的精神。

電影的內容與我原先預想的有些不同，但仍相當美妙。我原本以為這是一部以艾倫金斯堡生平為主的傳記式的電影，但其實不然，導演將所有的焦點都Focus在其著名詩作《Howl》上，這是一部以《Howl》這長篇詩作為主題的電影。

影片以James Framco飾演的艾倫金斯堡朗讀詩作、接受訪談，以及將詩作以動畫呈現，與作品發表後因過激的用詞以猥瑣之名遭到扣押展開的法庭辯論三線為主題。James Framco的表現恰如其分，可惜他戲份沒有想像中的多，也沒有太多的劇情去呈現角色，不知是否能順利邁向奧斯卡？

整部片我最喜歡的地方第一個是動畫。長年為紐約客畫插畫的Eric Drooker擔任了這次的動畫師，將《Howl》既疏離又憤怒、充滿感官靈性的字句幻化成相當有奇幻風味的影像，因此原本與觀眾之間可能會產生有點隔閡的詩句，透過影像瞬間變得非常有具有感受性，能夠感受到詩句的衝擊，以及透過艾倫金斯堡之眼他所看見與描繪的腐敗社會。我想到大學時選修的英美現代文學，若都能以動畫的方式詮釋，想必我當年的分數會高很多吧！

影片我第二個喜歡的地方是法庭戲。兩派律師針對《Howl》是否具有文學價值？那些在當年看起來過激的字眼是否有存在的必要性？這樣的文學作品對社會大眾是否能帶來正面影響？展開一連串攻防戰，很過癮。其實這些疑問，也同樣能反諸於現在的當代藝術作品，雙方你來我往的言論，其實最終還是回到核心：藝術創作是什麼？這場出版社與政府之爭，也成為奠定美國社會中言論自由風氣的重要關鍵。

我好喜歡城市之光的辯護律師角色。他身為一個律師，一個布爾喬亞的菁英，卻能感同身受的理解《Howl》的理念，並且以非常客觀、理性的角度做辯證，從頭到尾不失優雅，真是太強大了，這種好律師真的要多多益善。

當年出版《Howl》《裸體午餐》的舊金山書店「城市之光City Lights」，歷經垮掉的一代言論自由鬥爭、同性戀民權解放運動、嬉皮文化大麻文化、反戰運動，如今已是藝文界人士的朝聖地、美國文化的地標，也成為獨立書店的精神典範。是一個有生之年會覺得應該去見識見識的地方。

另外如果說一定要看看《垮掉的一代》的某一本著作，除了Howl、裸體午餐，我想應該就是Kate大力推荐的《旅途上On the road》吧！

這本由Jack Kerouac撰寫的公路文學，完全展現了美國文化裡的拓荒精神、思考自由真諦的課題與自我追尋的本能。可惜台灣現在找不到太好的版本，希望有出版社看中這鼓電影帶來的熱潮，重新出個譯本。

電影中對艾倫金斯堡的私生活著墨不多，他與親密伴侶Peter Orlovsky的關係也沒有深入描寫(不過也不是重點就是了)，可是這張照片我很喜歡，有種文人的幽默與自由奔放的氣息。

【2010金馬影展】安潔莉卡的奇幻旅程 The Strange Case of Angelica (2010)

金馬影展的網站上對《安潔莉卡的奇幻旅程》如此介紹：「高齡過百的葡萄牙國寶導演奧利維拉，以靜謐從容的處世態度，執導出一部在特效泛濫的年代難以復見的寫實主義古典風格之作。」其實光看影像真的還滿不可思議的，因為整部片無論色彩還是景致，感覺都很古典，非常復古很像以前的歐洲，幾乎看不到現代的元素。(跟我說這是20年前的片我也都相信)

故事描述一個(倒楣的)攝影師接替另一個攝影師的工作，去拍攝一個死去少婦的遺照，沒想到透過鏡頭，女孩竟張開眼對他微笑，攝影師開始對女孩產生迷戀，精神與魂魄也被漸漸吸走...。因為有「奇幻」的元素，免不了也許需要一些特效，這片的特效除了女孩在照片中睜開眼微笑之外其餘的都非常的old school，想要營造出夏卡爾式的戀人在天空飛舞的感覺，有點卡通，跟畫面不太搭，乍看之下讓人噴飯。

再來可能是老導演執導的緣故，整部片幾個戳中我的笑點也是很莫名，像是小孩們看到倒在路邊的男主角驚呼的片段、以及最後看診的老醫師被中猴的男主角一手揮掉眼鏡趴在地上摸摸摸(男主角就在這瞬間死掉)的橋段，都讓我忍不住笑出聲，「導演對不起阿真是太好笑了！」我只能默默在心中如此說。

我覺得這部片蘊含了很多的隱喻，像是安潔莉卡家的鳥標本和女房東鳥死去的劇情、男主角重複拍攝工人挖地的橋段、不斷向男主角行乞的乞丐、以及工人們唱的歌謠等等，應該都蘊含著某些與死亡相關的涵義，不過我現在一想到老醫師那段還是會想笑，這些隱喻也就懶的去思考了。

【2010金馬影展】別讓我走 Never Let Me Go (2010)

改編自日裔英籍小說家石黑一雄的同名小說《別讓我走》，也是這次金馬片單一出現，二話不說馬上納入片單的選擇，因為在得知這部作品被拍成電影前沒多久，我才剛看完原著小說，被整本書散發出的英國特有的陰鬱潮濕氣息、優雅哀傷的回憶錄筆法給吸引。加上Carrie Mulligan那種療育系的溫柔特質，相當符合我心中Cathy的形象啊！

這是一個很不科幻味的Sci-Fi故事，以一個培養複製人的英國鄉間私立學校做為背景，描述了一群複製人自我探尋的成長歷程，以及一些無奈的、沒有未來的感情。透過這群青年努力想要在有生之年愛人、想要繼續活著的願望，我們思考：我們何德何能可以為人？靈魂存在什麼地方？

我很喜歡「藝廊」的概念，學校收集小複製人們的藝術創作，想看看這其中是否看的見靈魂，靈魂讓人獨特，擁有獨特靈魂的人又何以為複製人？我覺得這個概念很迷人，與艾西莫夫幾個機器人短篇探討的概念有不謀而合的趣味。

這是一個很詩意的小品作品，看的時候只要放感情就好，不要用太理性的邏輯審視不然你會發現BUG沒完沒了。整部片拍得不慍不火相當符合石黑一雄一貫的筆調，不會把這個議題處理的太煽情(看過長日將盡嗎？就是那種緩慢的基調)，每一幕都美得像油畫一樣，英國的鄉間小徑、海邊...，Carrie Mulligan的口白讓人心碎。

三個主要演員都很棒，Carrie Mulligan詮釋的Cathy早慧寬容；keira knightley飾演的Ruth強勢、倔強又美麗，很符合她在我心中一貫的形象；而新一任蜘蛛人Andrew Garfield飾演的Tommy時而被動壓抑、而時狂爆無法控制情緒，三個人的演出都很恰如其分，我覺得在形象上相當接近原著小說給我的感覺了。

整部電影硬要挑缺點，可能是因為長度的關係，剪去了幾個小說中我很喜歡的重要橋段。首先是將Cathy聽著錄音帶歌曲《Never Let Me GO》抱著抱枕幻想自己未來會有個小孩，老師偷偷偷看這一幕結果落淚的橋段，小說中老師的角色是開啟主角們的童年開始意識到：我們似乎跟別人很不一樣的重要關鍵，電影裡的老師角色變的非常雞肋，也使得她直接在課堂上跟學生們說明大家未來都會被帶去捐贈，以致於被革職的劇情有點太匆促。

另外就是卡帶的梗也刪去非常多，因此Cathy和Tommy的感情戲沒有太多的鋪陳，另外就是對Tommy的描述也不多。Tommy的角色在最一開始的在操場被排擠和最後發現可以緩娟的願望破滅後，都有兩場放聲狂亂嘶吼的戲，小說裡Tommy在那一瞬間了解了自己從小以來都會有的失序行為，是因為「說不定在內心深處我早就知道了，知道某些你們其他人不知道的事。」我覺得這個解釋相當動人，很可惜電影沒有呈現出來。

不過電影最後，Carrie Mulligan失去一切、知道自己也即將進行捐贈，而回到海爾森遺址遠眺遠方希望看到什麼奇蹟而落淚的一幕，仍舊讓人看得十分惆悵。

【2010金馬影展】鬼店 The Shining (1980)

因為實在很想在大螢幕上看一次《鬼店》，因此算是硬著頭皮選了午夜場，《鬼店》實在熱門，連午夜場的票都被秒殺！不過看之前我實在很怕自己看到睡著阿，還衝去7-11買了一堆零食提神。(我只要累起來，不管電影多刺激多好看就是照睡不誤@_@")

在影展看老電影的好處就是，往往可以看到數位修復後的畫質超清晰版本，記得之前看高達的《狂人皮埃洛》畫質也是好到讓人落淚，加上大螢幕的聲光效果，的確是可以看得過癮，但看完走出電影院午夜1點多也的確是讓我哈欠連連...。(好加在今年金馬我第一天看的兩場都是好片！)


這片實在很有名網路上落落長的精闢評論一堆，加上為了抵抗睡眠吃了過多的魷魚絲，我也寫不出甚麼太有深度的想法。英文片名The Shining說的是一種特殊的能力，我看網路上有人說這是一種預知的能力，不過我們看完後討論，比較傾向解釋成一種人與人之間不需透過語言即能溝通的交流，進一步詮釋，主角一家與這棟孤絕的大雪中的飯店也產生一種非語言的「交流」，體驗了這棟飯店的過去，並陷入了今昔交錯的瘋狂混亂。

史丹利庫柏在美術上非常用心，設計出一個宛如巨大迷宮的飯店，許多長廊上的景象都讓人產生非常不舒服的違和感。整個飯店就是有一種金碧輝煌卻死氣沉沉的孤絕感，配樂也讓人很不舒服，特別是那種嗡嗡的特效讓人就是覺得大難臨頭。看的過程我的婆娘性格很想叫那個小男孩Danny別到處亂跑啊！要遇鬼了你不知道！>"<
傑克尼克遜的演技真是好到讓人想扁他、媽媽長的就是一臉崩潰樣，所以演崩潰非常適合，小Danny很可愛又機智是個好孩子。幾個經典畫面真的非常精典，血淹飯店、牽手出現的姐妹鬼魂、樹牆迷宮，以及Here comes Johnny那幕，雖然犧牲睡眠但相當值得。

【2010金馬影展】白線條：北大荒的光芒下The White Stripes : Under Great White Northern Lights (2009)

我開始注意到The White Stripes的時間非常的晚，大概是去年一連看了Control和Joy Division的紀錄片，開始留意一些新興且常被相提討論的樂團如The Strokes...等搜尋到的。

記得第一次在YOUTUBE看The White Stripes的影片，就被他們呈現的視覺意象給吸引：經典紅黑白的三色組合、舞台上僅有一男一女(一個吉他手、一個鼓手)卻將演出氣氛做的極為飽滿、主唱兼吉他手Jack White時而神經質狂放時而像詩人吟唱的多變唱腔，在現場LIVE常有不知如何形容的瘋狂氣氛，與女鼓手Meg White搭起來就是絕配。因此這次金馬名片單一出來，一看到有The White Stripes的紀錄片整個就是想看啊！

《Icky Thump》這支MV刻意呈現的色調感覺就是非常的鮮明的The White Stripes形象。這首我很喜歡。

這個來自底特律的二人搖滾組合，他們的音樂基本上藍調味十足，給聽眾一種很FREE、用歌曲說故事的感覺。再兼融入搖滾、迷幻、放克、龐克等多元的曲風，以一種非常Low-Fi的方式錄製，他們製作唱片的成本可能是一般大團的十分之一不到，在電影中，Jack表示他們往往只租短短幾天錄音室、使用十幾年前剛玩音樂時用的同把低價樂器、錄音的器材更是使用完全不跟上潮流、以前人錄卡帶的設備(毫無數位化的概念可言)，他認為在這樣極限的條件下才有可能創作出極致的音樂作品。

這隻找來英國名模Kate Moss拍攝的《I Just Don't Know What to do With Myself》也是他們超知名的作品之一，除了火辣的KATE跳鋼管很養眼，我非常喜歡這首歌的附歌不知為何。

這支紀錄片有兩個很有看頭的地方。第一個部份是以樂團慶祝十週年深入加拿大各鄉鎮的巡迴演出為主，除了那種一般在體育館、Live House可見的樂團正常演出，他們設計了一系列僅在開演前一小時甚至十分鐘前才告知的無預警表演，演出地點包括公車上、保齡球館、撞球館、遊樂園的渡輪上、公園、咖啡館、老人安養院等等，真的讓人大開眼界非常有趣！讓觀眾看到酷酷的兩人展現親和的一面，我覺得這樣的演出方式也相當符合Jack White的音樂理念。

他們在葛萊美上表演代表作《Seven Nation Army》，後面的吉他SOLO是Jack的拿手絕活。這邊也可以看到The White Stripes頗具代表性的舞台配置，除了中間會有一隻MIC，鼓手旁一定還會有兩隻，Jack和Meg能有大量的互動，兩人常常可以面對面的演出，舞台上就是只有2人沒有其他墊背的樂手，整體畫面非常特別，如果還有使用其他樂器如鍵盤等等，會排成一個環狀的方式圍繞，Jack和Meg可以自在的換位置彈奏。

紀錄片還有一個我覺得滿好看的地方是訪談，他們如何回應外界對他們的批評。其中有一個評論實在令我印系深刻，Jack說從他們發第一張專輯，就不斷有樂評說，這是很棒的專輯，但他們可以這樣撐多久？一直到他們現在都發六張專輯了，樂評還是這樣做評論。

另外有不少媒體覺得他們的形象：刻意的紅白黑、吉他手鼓手互動的表演方式、不做任何宣傳、低成本錄製等全是刻意塑造出來的樂團形象，面對外界覺得他們故作姿態的抨擊，Jack到是很坦然，他認為表演一定有刻意設計的部分，但他們音樂裡的真實是無法騙人的。

比較令人玩味的是Jack和Meg的關係，他們在影片中不斷宣稱兩人是兄妹，但其實兩人曾有過四年的婚姻關係(有法院記錄)，兩人於2000年離婚。White反而是Meg的本姓(Jack本名是John Anthony Gillis)，這對離異夫妻的搖滾雙搭檔的神祕關係真是叫人霧裡看花阿。但是影片最後Jack自彈鋼琴自唱然後Meg哭倒在他肩膀的片段，以及電影停格的最後一幕，兩人在演出結束後，在觀眾的歡呼聲中緩緩起舞(第一張照片)的照片，流露出的感情卻又是那樣的真摯，我只能說，歪果人，我真搞不懂你們啊！

總體來說這支紀錄片真的拍的滿好看的！本來就是白線條的歌迷的人來看當然會更喜歡他們，但就算完全沒聽過他們的音樂，應該也會對白線條燃起興趣，成功的音樂紀錄片就該是如此。

【Music】兼具古典優雅與現代詼諧的Indie Pop─Andrew Bird

乾爽的秋天最適合聽Andrew Bird了！但實在很難用三言兩語描述他的音樂類型：古典的編制，與弦樂器(通常是小提琴跟吉他)、人聲、口哨的完美結合，聽起來很有一種詼諧又朗朗上口的趣味！

我第一次認識他，是看了YOUTUBE上他現場表演《A Nervous Tic Motion...》，整個被這位身上背吉他、手上拿小提琴、又吹口哨又唱歌的小哥給震懾住了！怎麼可以這麼忙同時做這麼多事、穿著掉嘎還保持這麼優雅？真是太莫名了！我就這樣默默地看了這個影片很多次，覺得這小哥(其實他年紀也不小了)像是活在某個不知名星球的音樂家。


這位37歲的芝加哥音樂才子，修習正統古典音樂出身，至今共出了五張錄音室專輯，一直到2007的《Armchair Apocrypha》才開始一發不可收拾的受到矚目，他把古典音樂與流行音樂結合的恰到好處，不論是哪一種氛圍的歌都有一種優雅無負擔的氣質，但不會流於泛泛的沙發旋律，無論是民謠風、輕搖滾風、另類風、迷幻風都能營造出頗具記憶點的附歌旋律。也因此每次我聽他的專輯嘴裡總也忍不住哼哼唱唱，真的是既Indie又Pop！

《Armchair Apocrypha 吹牛話野史》是我購買的第一張Andrew Bird專輯，記得那時博客來在出清一張才269，想下手時瞬間被秒殺Q_Q，後來還是多花了一些錢才買到這張代表專輯。由專輯名稱便可看出天馬行空的創作基調，如果願意研究一下英文歌詞會覺得非常有趣！整張專輯時而嚴謹時而隨興、有時幽默有時浪漫，部份刻意調成Low-Fi的效果增添了一點復古悠閒的氣氛。《Imitosis》、《Heretics》、《Armchairs》都非常好聽。

《Imitosis》是專輯主打歌，MV的視覺美術也是非常的Andrew Bird Style，故意用一點停格的手法營造老式影片的趣味感。我很喜歡這首歌間奏地方的小提琴旋律。


後來我馬上買了《Noble Beast/Useless Creatures 高貴的野獸 無用的人類》這張雙CD，從一開頭的輕鬆慵懶的《Oh no》、有點碎碎念的《Masterswarm》、明快節奏口哨吹進心坎裡的《Fitz and the Dizzyspell》、另類實驗的《Not a Robot, But a Ghost》，一直到最後來由樸實小提琴聲帶出頭尾呼應的《On Ho》，比起《Armchair Apocrypha》我更喜歡《Noble Beast》 。



看了一些國外欣賞過Andrew Bird現場表演的網友分享的心得，感覺Andrew Bird超適合在一些小型LIVE HOUSE或戶外作一些近距離演出的！(不覺得他很適合簡單生活節之類的嗎？主辦單位快想想辦法啊！他在國外表演的票超搶的~~)

【電影】東京同棲生活 Parade (2010)

這本小說有個很有趣的英文名「パレード」= Parade，就是遊行的意思。劇中的五個角色代表了五種對生活沒有目標的茫然，只能盲目跟著生活的遊行步調前進的狀態。

儘管五個人住在一起，這個公寓卻像是個BBS的聊天室一樣，大家各自扮演著別人眼中的自己，只要開開心心的生活在一起就好了。以為保護的好好的秘密，大家早就心照不宣知道了不是嗎？不戳破，是因為「真相」這玩意可不是生活的必需品，而你，有勇氣離開遊行的隊伍嗎？

這種現代人之間既疏離又緊密的詭譎依存關係，果然只有日本人描寫得出來阿！一連兩天看了《告白》和《東京同棲生活》，覺得自己都快變成心理變態。因為已經看過小說，頗具爆點的結尾對我來說就不算太驚奇，觀賞的過程我享受的是壓抑到不行的氛圍，配上非常有記憶點的BASS配樂，氣氛滿點！

《告白》和《東京同棲生活》基本上都是中規中矩的按原著的書寫方式拍攝，仔細比較起來，《東京同棲生活》給我的後座用力比較強，可能劇情滿寫實地描述了那種庸庸碌碌、無所事事的生活，以及每個正常人在日常的談話、相處下不為人知的陰暗面，走出戲院時延腦的部分還隱隱作痛呢。

我想，這個公寓裡果然住著一隻無形又巨大的獸吧，牠的養分就是來自只想要耽逸活著而散發出的冷漠，虛偽的君子之交。最後大家共同散發出的冷漠眼神，真是強大地令人不寒而慄。

演員的選角和表現都相當不錯，除了藤原龍也這個娃娃臉要演出一個成穩和內心複雜的角色稍嫌不夠力之外，其他人表現都可說是可圈可點，特別是由林遣都這個謎樣(？)少年演出的小悟，真的選角的很棒！查了一下他的經紀公司可是STARDUST，在日本也算是呼風喚雨級的了，他的演藝之路應該指日可待~

【中島哲也】告白 Confession (2010)

記得當初看到預告，有一種非常驚艷的感覺，因為整體看來非常地不中島哲也！從「下妻物語」到「令人討厭的松子的一生」可以看出，中島哲也向來是節奏明快、畫面繽紛的好手。這次《告白》在冷冽的偏藍色鏡頭下、大量慢動作的處理、有時陰鬱的背光處理有時又近乎狗仔隊式的強烈閃光，塑造出相當讓人不愉悅的病態復仇氛圍，整體節奏掌握得既沉靜又暴力。

之前看完湊佳苗的原著，就一直很好奇這樣以六段不同角色出發點的告白串連起來的小說要如何影像化？沒想到中島哲也採用中規中矩的方式拍攝，幾乎是完全照著原著的架構進行，但我覺得電影的整體節奏比起小說更加順暢。（小說頭兩篇《神職者》《殉道者》看得很新鮮又過癮，但同樣的方式用多了，後面顯得略後繼無力~）

除了影像，中島哲也在配樂上處理的也很棒。冷冽的鏡頭佐以大量搖滾樂，有時還會出現比較類似電玩或是搞笑的音樂，在陰沉的劇情中增添不少節奏感。

當時初看《告白》的小說時，第一時間讓我想到的是日劇《我們的教科書》，一部同樣講述校園死亡/霸凌事件的連續劇，可能日本真的是一個未成年犯罪和校園霸凌事件頻繁的國家，有非常多的電影、小說、日劇都在探討未成年犯罪和霸凌議題。電影散場時我心中湧起了現代教師難為的感嘆，像ＧＴＯ裡鬼塚那樣傻蛋熱血的老師果然是上個世代的產物了，換做現在的場景，只會被學生們冷漠地嘲笑著吧。

《告白》有一個很棒的地方在於，賦予我們社會既定印象更開放的思考空間。身為倫常維護者的教師是一種「神職」，但倫常守護的底線在哪裡？看似班上乖乖牌的班長，手上的小刺青代表的又是什麼？我很喜歡美呆這一個角色的安排，看起來正常的乖乖牌，其實內心幽暗深似海，看穿最多事情的表象，也最了解瘋狂的本質。這部電影的少年演員們表現都相當不錯，希望在演完這部病態的復仇片後，不論是美呆、還是少年Ａ少年Ｂ都可以心理健康的長大！（笑）

【喜歡】第四張畫The Fourth Portrait /鍾孟宏 (2010)

從《醫生》、《停車》到今年在台北電影節大放異彩的《第四張畫》，鍾孟宏這個以廣告、MV出身的導演轉戰大螢幕的作品，跟我印象中那些其他想轉戰電影的廣告MV導演們很不一樣。一些拍MV廣告起家的導演的長篇電影都有同樣的氣味，技巧很純熟，對視覺美術的掌握度極佳，但是在電影的中心思想和概念上有時不是傳達的那麼深刻，好像把15分鐘的短片放大成1個半小時那樣處理，流於一種空泛的氣味。

鍾孟宏是一個很有「議題」的導演。透過他的電影，你可以感受到那些議題在他心中已經醞釀了很久，絕對不是泛泛地討論「當代人/當代社會的某一面向」，他有很多的想法在裡面，是比較深層的，因此第一次看完《停車》後我便覺得這個導演的東西真的很值得一看。

他的電影一直以來都在討論生命的消逝這件事。電影文宣寫著，台灣一年會走失100個小孩子，那些走失的小孩去了哪裡？他們是「消失」在這個世界上了嗎？這個「不見」的背後代表的又是什麼？
在演員訪談裡，資深演員金士傑提到他為什麼會喜歡鍾孟宏的戲，他覺得鍾孟宏鏡頭下的這些人物處於寫實與非寫實之間，就像社會邊陲地帶的漂泊靈魂，他們對道德是徬徨的，對自己的定位是不清楚的。而這些角色又是非常的普通，存在在我們的生活之中，所以我們有所感觸。

整部戲的演員表現都很精彩，讓我比較意外的是，納豆和梁赫群這兩個綜藝咖都演得不錯！納豆與畢曉海的對手戲是整部戲溫馨趣味的來源，納豆真的很擅長演甘草人物，只是這次的甘草人物的背後又多了點故事更顯層次。而梁赫群與戴立忍一段在警局的問訊也是有凝聚出氣氛，鍾孟宏覺得這個鄉下的小警察，雖然每天處理一些雞毛蒜皮的小事，但他其實是有自己不外露的深層智慧，我覺得梁有掌握住這個精髓。

畫面的視覺處理也是非常精彩，《第四張畫》在整個台灣四處取景，有許多場景都讓人印象深刻。像是小翔走在回家路上撿到死蛇的片段、小翔跑去找媽媽的夜路、小翼在堤防邊走著的大背光場景、手槍仔被彗星打到的殘破的家都非常有味道，畫面色彩濃烈也常有面部特寫，企圖抓住演員細微表現變化下的陰暗面。

整部片也不是說沒有缺點，除了幾個客串的角色有點不必要之外，我個人認為繼父在空蕩蕩的屋子裡，與小翼的鬼魂對話的一場四分鐘不間斷告白戲應該算是全片的精華之一，不但帶出事件的真相也更清楚傳達出繼父是一個甚麼樣的人。可惜我覺得這個真相在這邊有點說的太白，如果處理的更隱晦一點好像會更有意思(我是個熱愛故弄玄虛的人，哈！)

另外就是，在新聞媒體和最後的電影LIST上攝影都寫了是「中島長雄」，導演還呼籲大家快找中島長雄拍片！他真的很厲害！後來查了才發現，原來中島(鍾導)長雄=鍾孟宏，沒想到充滿人文關懷的外表下，鍾孟宏導演還有這麼巧皮的一面=_=。

【Juri】上野樹里與五個包包 (上野樹里と5つの鞄) (2009)

《上野樹里與五個包包》是Juri與WOW電視台合作的深夜特別企劃，(之前倉井優也有跟他們合作過《四個謊言》，我好想看！)五個短篇除了是我個包包的故事，也讓我們看的5種不同的Juri演技，迷妹的心情算是整個被滿足了。我很喜歡片頭的小動畫，還特別用法文唸旁白真是很有味道！5個包包、裝載著五種氣味、五個人生、五種心情，這樣的包包是什麼樣的人會帶著它呢？

第一集《吉他箱之女》的Juri痣女造型讓我有點傻眼，在路邊唱著自己寫的民謠十分逗趣！這集節奏有點機哩瓜啦的，俠義三人組你一言我一語說著「你把他從2樓推下去囉」、「對阿對阿是2樓喔」，真是非常微妙，吉他盒裡裝的我想就是一顆都市裡最缺乏的正義之心吧！

第二集的主題是《HOPE》，Juri的造型也最像野田妹！這是我覺得很有世界奇妙物語風味的一集，也是我最有共鳴、最喜歡的一集。(畢竟我也有被關在故障電梯裡的經驗)

明明是做的是自己最喜歡的工作，為什麼熱情卻漸漸消失了呢？被關在電梯狹小的空間裡，是不是不管做什麼都徒勞無功？狹小的心什麼東西也裝不下，只有把包包裡的東西全部倒乾淨，才裝的進HOPE。最後在電梯裡畫個鉛筆小門悄悄開啟的畫面我很喜歡。

第三集的主題是《隔壁的隔壁的小晶》，童年總是有那麼一個友人，象徵著過往的美好以及未來夢想，但過了幾年之後，友誼是不是還在那個地方等著你呢？這一集Juri的造型和角色有一點點像之前她拍攝的另一個單元劇《折翼的天使》的感覺：有一點拉塌、有一點冷漠，有一種被城市的生活腳步消磨殆盡的味道，與小童星的對戲很有趣(我到後面才知道小晶原來是個女孩...)，不管是友情也好，是愛情也罷，成長的複雜感覺就裝在回憶的包包裡送給你吧！

第四集的主題是《旅途中》。這一段我也很喜歡，大量的手持攝影和訪談營造「偽紀錄片」的感覺(這是不是最接近Juri私底下的面貌呢？)。故事描述任性的女演員上野樹里在工作中突然鬧失蹤，展開長髮的變裝旅行(並且還要三不五時愚弄一下經紀人)，去了以前念書的學校、餐廳等地方，這集裡Juri也自彈自唱了一段，有種平實的動人感。老師可是演出《夏威夷男孩》裡穿著同性愛T恤的老爺爺呢！

離家出走的包包裝載著一種自我追尋、出走的心情，好像得到了什麼又甚麼都完全沒得到的味道，一種只屬於自己的低潮。我們在旅途中生活，仰賴著包包，當旅行結束，包包給別人拿著也沒關係，因為已經獲得了更重要的東西。

第五集的主題是《有一天早上，日向突然》，有點莫名的劇名。女主角日向是一個看起來很認真卻又有點迷糊的西餐廳學徒，過著日復一日的疲憊生活，每日早上總會收到從青梅竹馬小步那裏寄來的小包裹，然而卻一次都沒有打開，裡面裝的到底是什麼？

這集的拍攝手法很超現實，每天都從郵差送包裹的劇情開始，像是不斷重複的人生，每天都穿著無法配成對的襪子，幾段劇情也開始交織在一起，讓人分不清夢境與現實，也許那個「希望每天都像過生日」的願望默默的被實現了，而最好的禮物就是「了解」不是嗎？

我的包包又告訴了我甚麼事呢？

【今敏】盜夢偵探 Paprika（パプリカ） (2006)

一直很想好好看看今敏的《盜夢偵探》，不只是今敏老師今年八月辭世的消息，也不只是因為今年的金馬影展特設了今敏的回顧，我想我會這麼想看這片，應該是今年Christopher Nolan的《全面啟動Inception》大賣座，重新將「夢境」這個科幻電影裡非常喜愛的題材玩的精彩又徹底的緣故，那些與夢境、記憶相關的經典科幻驚悚片也重新被網友們大書特書。

雖然很多人會覺得《全面啟動》與《盜夢偵探》有許多概念相同的地方，但我覺得刻意去挑兩部片相似之處實在是浪費了觀影的樂趣，畢竟科技梗就是這些，後輩創作無不踩在前人的肩膀上，我覺得兩部片都將「入侵夢境/意識」這個概念玩的很厲害，動畫與真人電影間其實也營造了相當不同的風味。

不過還是不得不說，無論是今敏、還是押井守的攻殼系列，日本的科幻動畫讓我對日本科技概念的普及和領先讚嘆不已啊！科幻的主題在日本卡漫界是熱到不行的顯學，連少女漫畫家都會畫，無怪乎連駭客任務的兄弟檔導演都表示攻殼對Matrix有相當的影響。另外還有概念相似到不行的清水玲子的科幻長篇作品輝夜姬(1994)，和2005年的好萊屋電影絕地再生(The Island)也都是有些微妙取經/參考的例子。

《盜夢偵探》的前半段懸疑詭異，後半段則是奇幻刺激。我很喜歡前半段千葉她們為了找到內賊，結果陷入了夢境與真實混淆的危機之中，今敏使用了玩偶、廢棄遊樂場等等元素，詭異滿點我很喜歡！

每個有夢境的橋段都非常精彩，警探的夢、博士的夢、科學家的夢...。電影裡強調夢和網路相同，都是讓壓抑的心靈發洩的地方，每個扭曲迂迴夢境的盡頭，都是角色不願揭露的黑暗面。也許在科技不斷發展的未來，心理/精神治療真的可以主動進入夢境的潛意識產生互動，而不再只是被動的解夢而已。

女主角小辣椒Paprika是女主角千葉在夢境世界的分身，但這個分身除了三不五時在真實生活中影響著千葉的思緒(也救了千葉很多次)，個性與千葉也完全大相逕庭，似乎相當有個人意志。

電影中有一幕兩人出現意見分歧的場景，千葉覺得小辣椒不過是個分身應該要聽她的，小辣椒則反問，現在處在夢境之中，到底誰是誰的分身？究竟誰才是意識的主宰者？而我們又是誰的反射？

【哭爸】父後七日 Seven Days In Heaven (2010)

就像女主角說的，這是一趟累到「哭爸」的旅程，卻又充滿著滿滿思念的力量。跟婚喪相關的主題，本來就是各國電影都很喜歡拍攝的題材，一來可以強調民族文化的特性，再來很容易塑造出家庭、家人與周遭親朋好友甚至是往事回溯的劇情，通常角色的關係都能營造得很緊密。

《父後七日》也不例外，將許多看似荒謬的喪禮情節融合在現實的情境裡。開場沒多久一段父親在加護病房去世的真實慌亂場景、配上道士阿義誦著「今嘛你的身軀攏總好了，無傷無痕，無病無煞，親像少年時欲去打拚。」那種對親人離去的不捨，馬上就讓觀眾進入劇情。


一干演員的表現都很棒，我很喜歡太保演的爸爸，就是那種傳統印象中的爸爸，鐵打的身軀又豪爽猛抽菸，會讓孩子湧起無限思念的爸爸。道士阿義阿琴就不用說，他們代表的是穿梭在繁文縟節中看盡死亡的禮儀工作者，提供了整部戲絕大部份的笑點，其他演員像兒子女兒表弟的表現也都很真切自然。

看完電影，我找了原著散文來看，這是獲得林榮三文學獎散文首獎的作品，全文僅四千多字，非常精簡，少了一些嘻笑怒罵和戲劇化的情節，有著更深厚的懷念之情。文末作者在飛機上看到免稅香菸想起父親朵再吸菸室痛哭的場景，也保留在電影的最後，我很喜歡這一段。父親去世後的七天裡，女兒一直在尋找父親魂魄的影子，希望他會回來看看他們，結果都落空了。最後一幕在飛機的吸菸室，雲霧繚繞中，父女兩人坐在一起抽菸，廣播傳來彷彿是父親的聲音「請收拾好您的情緒，我們即將降落。」那些我們經常忘記、想要忘記的回憶，其實都住在我們的最心底。

不介意踩雷、或是看過電影也想了解原散文的朋友，可以到《父後七日》導演同時也是原創作者劉梓潔的部落格收看全文。(提醒：請先準備多張面紙)