【電視電影】香奈兒 CoCo Chanel (2008)

 這部不是《香奈兒的秘密》，也不是《時尚女王香奈兒》，而是由莎莉麥克琳和芭芭拉波布洛瓦領銜主演的電視電影(共兩集)。劇本其實很樸實並不突出，講述CoCo Chanel是如何崛起的，也不過度鋪陳她與情人間的關係。但我很喜歡開頭，以一場中年CoCo Chanel失敗的時裝秀為開端，她不是一旦平步青雲後，就一直飛黃騰達的設計師，永遠在極度善變嚴苛的時尚產業裡戰戰兢兢地捍衛自己的時尚理念，也不斷對自己產生「我是否已經對流行失去敏銳度」的質疑，堅強又脆弱地生存著。

翻開歐美名牌的歷史，洋洋灑灑一切都是男性當家，因為以前的女性打扮是女為悅己者容，但CoCo Chanel認為女人應該要為自己裝扮，因為「自由，是永遠不退流行的時尚」，光是這句話就能在柔軟的山茶花符號中體會到堅毅的女性主義氣息。而4.50年代Chanel由原先Urban、自主休閒風格一直到21世紀成為貴氣經典的符號，其中形象意義的轉換也挺有意思。

【電影】嗑到荼靡 Enter the Void (2009)

「I'm not a junkie.」

十大禁片《不可逆轉》的法國鬼才導演Gaspar Noe睽違多年的新作，全劇以一種仿一鏡到底、第一人稱視點的方式完成這部前衛的迷幻巨作。會說「仿」的原因是，其實他每一段劇情在跑的過程都是一鏡到底的，但段落與段落之間其實是以一些很巧妙的迷幻片段串連著。從影片的一開始，強烈的字幕便散發出詭譎的電波氣息，觀眾隨著不斷出現、散發著異光的曼陀羅紋像、血管擴張的意象、巨大的白光、漂移的空間、真實建築與模型的交錯、回憶與現實，展開一場虛實交錯的spiritual旅程。

我非常欣賞觀眾以男主角靈魂漂移的視點，在一個空間上下左右斜穿牆漂移的拍攝畫面，非常炫麗不知怎麼拍的。其實這部片對嗑藥的描述還好，主要是死亡經驗的表現，以及週遭人對突如其來死亡事件的反應。或許對導演來說，每一次的用藥經驗都讓他有了瀕死的感受。除了拍攝手法，其實劇本我也很喜歡寫的很精采，推薦給想看看獨特劇情、對特殊拍片手法有興趣或感官已經麻痺的朋友們。 

【Weekly Cinema】2011.07.017-07.24

《借物少女艾莉緹 借りぐらしのアリエッティ》(2010)★★★★
最近聽了焦雄屏的動畫講座，讓我整個又有了宮崎駿Fever上身的感覺。《借物少女》是一個用清新典雅視覺包裝著大議題的小品，說小品是因為無論劇情還是議題都是點到為止，相信有不少人看到最後都會覺得「蛤？就這樣？」但我自己是滿喜歡這種不太樣版的設定。

影片中心思想是一貫吉卜力的精神：人與自然的關係，我喜歡這部片用「借物」的概念作角色上的反轉：自古人類都是以向大自然借物來說明獲取資源的行為，如果今天存在於自然界的精靈或其他種族來跟我們借物呢？另外小男孩(翔)將自以為是的善意強加在艾莉緹一家(送他們玩具屋的廚房)，結果導致他們被人類發現的事也很有意思，我也很喜歡這部片的角色設定，一開始看起來凶惡的貓後面跟艾莉緹有了友善的互動、而一開始看起來人很好的管家婆婆反而是一心想要抓住小人的人類，非常有人性矛盾與幽微感的一部動畫。如果這些都不是想看的部份，其實光畫面跟配樂也挺適合治癒過度炎熱的夏天。

《戀愛從游泳開始Jack Goes Boating》(2010)★★★
這是奧斯卡影帝Philip Seymour Hoffman第一部執導的的影片，這次台北電影節我會選來看真的是衝著他的緣故。一如所料是一部小品，也出乎意料地片子還滿深沉的，探討兩對中年男女的愛情與婚姻，那些我們好像逐漸懂了卻還是無法掌握的事，如果有單位要辦《中年影展》的話可以把這片選進去。(會有這種影展嗎？)

《我的藍莓夜My Blueberry Night》(2008)★★★☆
這是王家衛第一部全英語發音的電影，可惜當初好像有一點雷聲大雨點小，本位主義的粉絲們也還是比較愛原汁原味的舊作的樣子，不過我個人倒是挺買帳的，王家衛擅長的那一套放在西方的情境裡也不突兀，當然可能這部的演員我也都滿喜歡的也是原因之一吧！

就像阿飛裡說過的，王家衛的電影我真的不知道劇情有啥好講的，但你就是會記得一些片段，「過去幾天，我們在學習不去相信別人，很高興我們失敗了。有時我們把別人當成鏡子，定義他們等於告訴我們自己是誰，從他們身上反射出來的每個投射，都讓我們更喜歡自己。」就像裘德洛跟諾拉瓊斯接吻的這一幕一樣，記得這個就夠了。

《武俠Wu Xia》(2011)★★★★☆
陳可辛的電影向來可以在限定的框架裡玩出新把戲，《如果愛》如此，《武俠》也是。前半段的金城武辦案真的非常讓人耳目一新，彷彿在看明治小五郎+CSI一樣，拍攝手法、運鏡、剪輯、配樂都很新穎，慢動作武打也編的很有趣，後半段「出來跑遲早要還」的劇情也補足地十分合理，由於我不是葉問的粉絲，所以我覺得武打的部份對我個人而言是很滿意了啦。

整部片子也跟CSI常探討的一個主題相似：真相是不是真的那麼重要？你翻開一層土，傷害了多少小生命呢？金城武飾演的徐百九這個角色真的很有趣，最後他拯救的，其實也是原本不再相信人性的自己。四川口音最高！(XD)

【2011台北電影節】阿飛正傳(粵語原音版) (1991)

這次台北電影節特別選了一部王家衛早年的作品《阿飛正傳》粵語原音版來欣賞，除了裡面充滿現在一線港星青澀的模樣，還能順便緬懷張國榮俊美的面容。其實以前王家衛的電影我一直沒有非常投入，僅能領略他在形式與眈美戀物風格上表達的趣味。不過小時候看不懂的，未必長大便無法再體會，就像最近重看了《我的藍莓夜》獲得不少樂趣一樣。

能夠在大螢幕上再一次靜謐地欣賞《阿飛》是享受的，憂鬱的鏡頭、特寫、對白，高反差帶著綠光的攝影、懷舊的配樂，還有那個永遠的經典，誰都抓不住的絕美Lesley。


張國榮他在電影裡跳舞的這段是整部電影我最喜歡的片段，也只有他可以穿著阿公背心加阿公內褲還跳舞的那麼痞又那麼迷人。我的視點跟著Lesley舞姿左右的移動著，先從左邊的鏡子裡看到投射，再看到右邊，隔著牆旭仔又跳到左邊，在影像空間裡建立起一種雋永又親密的觀影經驗。而前一段「沒有腳的鳥」的口白也是經典，就像是旭仔的形象一樣，太感傷的飛翔，讓我不禁聯想起Lesley結束自己生命的方式。

「因為你，我會記得那一分鐘，從現在開始，我們就是一分鐘的朋友，這是事實，你改變不了，因為已經過去了。」

「他有沒有因為我記得那一分鐘，我不知道，但我因此記得了這個人，他之後真的天天都來，我們就從一分鐘的朋友，變成兩分鐘的朋友，沒多久，我們至少每天見一個鐘頭。」

這段也是許多人喜愛的阿飛著名OS之一。充分地表達了王家衛的感情觀，一種永恆的瞬間。

看大牌明星們青澀的模樣實在過癮，尤其張學友一出場大家都笑了，年輕的劉德華也好帥(雖然是五億探長的造型)，劉嘉玲的小辣椒LULU也相當有風采。

但最讓我驚艷的，是早年極度清純的張曼玉，尤其當LULU跑去找她嗆聲時回的一句「至少現在哭的是你不是我，我從很久以前就沒關係了。」真是溫柔又堅毅阿。

其實王家衛的電影到底要看的是什麼？我也說不上來，也許就是一種氛圍跟情感的描述吧，劇情好像不是那種重要，儘管在一些段落的轉折和節奏上常常會有讓人「啊？」的狀態，但看久了似乎也就是導演本色，王家衛永遠都能拍出一些讓你記憶猶新的片段。

像是梁朝偉令人玩味的最後一幕就是。他就僅僅出現在這影片的最後一段，沒有名字，沒有對白。在一些訪談裡，梁朝偉表示當時的他其實對演戲已經失去興趣，早年的香港電影就是一些比較樣板的表演模式，所以當王家衛希望他詮釋一個賭徒出門前打理自己的狀態時，他開始關心起自己詮釋角色的心境與細節，像打通任督二脈一樣，從此表演邁向另一個層次，也是他自認最喜愛的演出。我個人很喜愛這一段的影像跟配樂，以及那個低低的天花板。

【Weekly Cinema】2011.07.09-07.16

看的電影太多，有的不好看不值得長篇大論，有的很好看可是我沒有腦汁了，那就用這種偷懶的方式給自己紀錄一下吧。

《完美女人 Volver》(2006)★★★★
小潘潘在裡面真的很美，風情萬種又很堅毅，無論是聽到阿姨死訊眼淚直流還是在餐廳裡忙進忙出，都有遮掩不住的光芒。也是一部非常阿莫多瓦的電影，除了他我想不出誰可以寫出這麼離奇的劇情(據說這是改編自他小時候，母親與三姑六婆間的真實八卦傳說)。

《血紅帽 Red Riding Hood》(2011)★☆
當初這部片即將開拍時，我還曾在PLURK上發了一則「期待」的短訊，現在想起則是有點汗顏...還我哥德版血腥小紅帽啊！(敲碗)說到闇黑版的小紅帽，小時候曾看過日本改編過，女主角是安達祐實，除了小紅帽還有非常詭異版的愛莉絲夢遊仙境，不知道大家有沒有看過？年代久遠我只依稀記得片段，在我心中詭異版至少要有這種等級阿。

但這部片至少有曼達塞佛瑞和蓋瑞歐德曼可以看，場景美術也很不錯(但也沒到非看不可的地步啦)，小紅帽穿越森林雪地去找阿罵的鏡頭，讓我小時候看格林童話的回憶都跑出來了。

《噬夢真愛 Neverlost》(2011)☆
因為這部片在今年台北電影節好像還滿多人推崇的，所以這真的是我很個人的心得(不喜勿戰)，簡單一句話：鳥片一部。導演應該是看過很多電影很多廣告，就那個很酷的風格也想拍一點、那種雙線敘事很喜歡也拍一點、阿床戲也很不錯來一點、上一代的恩怨一定要也來一點...就成了一部大雜燴。演員演技也都很青澀。同樣條件的小品還是首推超市夜未眠(cashback)，雖然導演人看起來滿好的，但片子真的不優。

【2011台北電影節】搖滾藥不藥Sex & Drugs & Rock & Roll (2010)

「逃避死亡的方式有很多種，變得偉大是其中一種，也是我個人最喜愛的方式。」By Ian Dury.

一天連看兩片英倫味滿點的電影真是令人心情愉悅！如果沒有意外的話，這部應該就是我今年台北電影節的No.1了吧！除了我個人偏好任何跟搖滾、藝術家生平有關的電影之外，整部片在演技、音樂與戲劇的融合、剪輯上都是上乘之作，看的過程中會有被雷劈到的感覺！看完之後會一直youtubeIan Dury and the Blockheads的音樂來回味，完全就是我標準的中毒模式阿。

看電影之前我對Ian Dury這傢伙完全不熟，只知道簡介上寫「1970年代英倫新浪潮樂派大將伊恩杜利的傳奇事蹟」。看完之後，才知道他也是非常著名的殘障搖滾樂手(小時候得到小兒麻痺症)，一生也曾經歷顛峰與谷底，只能說果真的是人如其歌，小郵差說「這就是活著像個龐克」的最佳證明，真是不能同意此評論更多了。

「You have to stand on your own.」
雖然電影的片名取的很直白，但我覺得除了搖滾、性、藥物之外，這部片說了更多關於家庭、親情、愛與被愛與殘缺的故事。就如同這張專輯封面的經典父子照一樣，我非常喜歡描述Ian Dury跟他兒子的片段，雖然我們都很擔心他兒子幾乎都沒在上學、以及十幾歲就誤食搖頭丸的混亂人生...，我想「我的老爸是搖滾巨星」就意味著，人生這條路，你必須提早一個人很堅定的走下去。

所有完美的藝術家，基本上也都是個成功的混帳，更何況Ian Dury還必須面對自己，在殘缺的自卑下混雜著自尊而展現出來的自傲與瘋狂。只能說他的人生是幸也是不幸，儘管性格惡劣，但才華洋溢的藝術家性格讓他們身邊總是有貴人與知音相助。

舞台上的Ian Dury有一種誇張又滑稽的魅力，唱歌表演之餘偶爾秀些有的沒的小雜藝，這種像是馬戲團小丑的演出方式也暗示著一種蒼涼人生的真實對比。而仔細聽Ian Dury and the Blockheads(電影中翻成腦殘樂團)的音樂，歌詞都寫的非常有意思很建議閱讀！嘲諷與自省的味道濃厚，有對世界的控訴、也有對美好人生的期待，曲風結合punk和funk，節奏鮮明，除了吉他鼓BASS基本配備外還融合SAX、鍵盤等爵士元素，幾段現場演出的部分真的是非常HIGH！《Hit Me With Your Rhythm Stick》《Sex & Drugs & Rock & Roll》《Spasticus Autisticus》都是必聽之作。

演員表現不用說非常精采，安迪瑟克斯向來是動態捕捉(Motion Capture)界的高手演員，咕嚕、金剛都是代表作，但大眾可能不知道他也是英國劇場出生，演過非常多莎翁劇作以及影集，這部片完全就是演技(與歌藝)的展現，值得一看。

※本片榮獲2010英國金像獎最佳男主角、最佳配樂入圍，以及2010英國獨立電影獎最佳男主角入圍。

【2011台北電影節】魔鬼一族 Shallow Grave (1994)

從《猜火車》到《127小時》，Danny Boyle拍過的電影類型還真的是包羅萬象，除了成為英倫次文化代表作《猜火車》外，帶有反巫托邦意味的《海灘》和James Franco主演的《127小時》我個人都滿喜愛的，數一數後發現，Danny Boyle我竟然看過六部耶！這次有機會欣賞導演的初生之犢之作，那個經典的《猜火車》的前身、以及初出道稚嫩帥氣伊旺麥奎格還是令人期待阿。

《Shallow Grave》是這部戲裡的一個梗，因為洞挖得不夠深，導致一切事件如火車出軌越搞越大。三個不同職業(醫生、會計師、記者)的好友同住一屋簷下，他們出盡各種整人問題好不容易徵到了一個看起來合拍的作家室友，沒想到對方竟在房子裡暴斃並留下了大筆金錢。三人抵不住金錢誘惑決定私吞，但屍體的處理卻在三人心中埋下了一些陰影...，之後警察的介入、友情的變質、藥物與猜忌、拉攏與背叛，誰才是最後的贏家？

不知道是不是跟年代有點關係，散場時跟凱特聊到了之前一起看的昆汀塔倫提諾的《霸道橫行》，也是這種不知誰是內鬼、每個人各懷鬼胎的精彩好片，我甚至覺得後來像蓋瑞奇的作品，也都挺有承襲這種黑色/暴力/驚悚/荒謬又有點幽默路數的味道。

如果很喜歡《猜火車》的運鏡與剪輯和一些嬰兒之類的符號，這部前作也都能一窺端倪。我還滿喜歡一開始三個人拷問各個來應徵的室友千奇百怪問題的那一段，MTV式的剪輯有一種次世代的瘋狂。除了三人情感間的轉換相當有看頭之外，最後面的梗也的確有「不到最後一刻不知結局」的驚喜感。

【2011台北電影節】妖怪文豪怪談 I II (妖しき文豪怪談 ) (2010)

我覺得妖怪鬼片就是這樣，如果不是清水崇(咒怨)或中田秀夫(七夜怪談)之流來拍，就不推薦給想要在夏夜嚇出一身冷汗的朋友了，更何況還冠上了「文豪」二字，就知道這是一系列類似《夢十夜》的淡淡靈異奇想的作品，雅致的文學味濃厚。

《妖怪文豪怪談》是由NHK企劃的一系列電視電影，在日本是分成四天於深夜電視時段播送(台灣分成兩個場次播映)。

四個短篇故事分別取材自川端康成《片腕》(落合正幸 )、太宰治《葉櫻與魔笛》(塚本晉也)、芥川龍之介《鼻》(李相日)與室生犀星《後日》(是枝裕和)。如果對日本文學、日本電影還滿熱愛的話，這樣的原著和導演名單其實應該頗具吸引力。

《片腕》講的是一個中年男子有著極度的戀手癖，於是向一個美貌的年輕女子借來一隻手臂過夜的故事。日本人的戀物癖其來有自且淵永留長，這段拍的很細膩，將女人的手(手指)拍的極妖媚，儘管只拍手也彷彿有七情六慾一般，帶著一絲扭曲獵奇味的風格我還挺喜歡的。

《葉櫻與魔笛》就是很太宰治的風格，久病的妹與愛人出征的姐，有一種眈溺的美感。不過塚本晉也不愧是拍出怪談比留子的傢伙，裡面有一段我個人覺得有點莫名的恐怖橋段，也是這四段裡唯一比較嚇人的段落。

《鼻》這個故事我也很喜歡，芥川龍之介的短篇向來都很有寓言味，這個故事像是發生在保守封閉小村落的鄉野奇譚，長相醜陋有怪鼻的和尚原本好意要救溺水的小孩，小孩卻因其相貌醜陋出言不遜，河尚一怒之下將小孩推入急流中，沒想到幾日後小孩竟死而復生。面貌的醜陋和心靈的醜陋哪一個比較駭人？故事看到最後覺得有點難過，這也是有鬼小孩跑來跑去的一段。

《後日》這個故事也相當有玄妙感。一對喪子的年輕夫妻，數年後看到孩子重返家中，在為期七日的相聚裡，重新審視生命的存在與消逝。從《下一站，天國》到《空氣人形》，是枝裕和對於處理生/死、靈魂意識都有很獨到的詮釋法，我喜歡他把生死融在同一個空間的感覺，死去的人不一定要變成黑白的鬼魂，他們也像我們活著的人一樣，在這個空間活動著，當活著的人能夠真正意識的死者離去的事實，黑與白的劃分才有意義。

這段雖然節奏很慢，但無論在畫面還是配樂上，都具備十足日本典雅風情。原作者室生犀星與泉鏡花、德田秋聲被稱為金澤三大文豪，而金澤又是一個極具古老和風市町之味的小城鎮，能把庶民怪談描述的別具雅致風情，也只有日本人做的出來了。

【2011台北電影節】陌路˙天堂 Heaven's Story (2011) / 瀨瀨敬久

「怪物降臨了村莊。怪物會攻擊人類。村民們向神明禱告祈求，但神明卻不予理會，被咬傷的村民也變成怪物，漸漸這個村莊充滿了越來越多的怪物。但其實怪物一開始並不想傷害人類，牠只是覺得寂寞想找人類說話，沒想到人類受到驚嚇先攻擊了怪物。」

導演瀨瀨敬久在《陌路˙天堂》頗具社會寫實的劇情與拍攝風格中的開頭、中段以及最後，都插入一段充滿日本風情的能偶劇，小小的能偶劇在寬廣的草原上表演著，像是寓言，或是人生縮影。在欣賞了近5小時長度(沒錯，這部片有278min)的恍惚精神狀態中，這些魔幻的片斷竟也寫實了起來。

映後座談中，導演稍微說明了用自創能偶劇安插在三個段落的意義(我猜測他這邊用「自創」指的是用偶戲呈現的部份，一般能劇都是真人戴面具演出)，「看起來像是戴著面具的人操縱著偶，但在不知不覺間，人看起來像是沒有靈魂的偶，偶反而栩栩如生了起來。」透過這個概念，電影中加害者與受害者之間迴盪的復仇與寬恕的心態、加害者與受害者角色轉換的意象，也就這樣浮現了出來。

佐藤：「我覺得受害者的家屬沒有幸福的權利。」《陌路˙天堂》裡活著的人，無論是事件的倖存者或是奪取他人性命的加害者，他們的生命都背負著死去靈魂帶來的殘缺與不快樂。

這部戲三線交錯，各自獨立又環環相扣。慘遭滅門的小女孩把生命的寄託放在另一個滅門案件的受害者的身上，把對方的復仇視為自己活下去的力量，卻發現事隔多年對方早已另組幸福家庭，被留在黑暗處的只剩她自己一人；正職是警察兼職是殺手的男子，接受一件件挾帶著復仇之恨的暗殺委託，卻暗自為了多年前的一個誤殺事件自責不已；在扭曲環境中長大的少年，犯下滔天罪行後意外與罹患了阿茲海默症的女製偶師有了交集，一個空洞的靈魂與一個日漸變成空洞軀殼的肉體，展開一段看似彌補彼此殘缺的關係。

瀨瀨敬久：「人們在絕望的逆境中如何生活下去，我希望大家能在這部作品中找到答案。」

電影裡有一個滿敏感的議題，關於未成年殺人的判決與社會觀點。我不認為導演旨在呈現仇恨無用的意圖，這部電影也不是人道團體的宣教影片。無論是加害者或受害者，自贖之路都是漫長且艱辛的，也許要經過許多恨意的焠鍊，我們才能體會寬恕的真諦。有趣的是，就算電影都拍給你看復仇之路的下場就是如此的虛無，我們依舊會做那樣的選擇不是嗎？

我很喜歡最後佐藤坐上一班彷彿天堂之路的公車，並在一個小山丘與家人道別的場景。以及那個天空好低好遼闊的廢棄礦山之城，有萬事萬物生命衰退消逝與新生的基調，同時也具備最接近天堂城市的味道，這個場景我個人非常喜歡。

※本片拿下2011柏林影展國際影評人費比西獎。

【電影】吉他英雄 It Might Get Loud (2008)

「It Might Get Loud.」是這部紀錄片中U2的吉他手The Edge要示範一段SOLO時低聲說的一句話。

《It Might Get Loud》雖然是這部片的片名，整部片卻意外地散發著沉著醇厚的質感，少了吸睛Vocal、蹦蹦蹦的節奏鼓聲、像脈搏跳動的Bass的陪襯，單純的吉他樂聲聽起來像充滿了無限的想像空間的詩句。這部片不是絢麗舞台上一首首經典帶來的熱力喧嘩集錦，而是舞台下吉他手抱著最常用的吉他、回到年輕時練團的地方、就著一張黑膠的老音樂、或是一張背面寫著歌詞的小DM，唱著自己的生活之歌。

很有趣的是，導演找了三個年代、風格、成長背景皆迥異的吉他手，輪流敘述他們用音樂對抗著不一樣的東西，儘管創作的思維和模式也都大相逕庭，但當三人都拿起吉他時卻似乎又有了相同的語言。

Jimmy Page不用說，Led Zeppelin在搖滾史上有著開天闢地的地位，當年在電視受訪時說著願望是當生物學家的小子，用吉他改變了保守、無趣的流行音樂產業，我覺得他喜歡很細膩敏感的東西，包含他喜歡聽的歌以及他演繹的方式都是。

來自都柏林的The Edge，80年代看著自己居住城市的衰敗、社會騷動不安攻擊事件頻傳，這樣的政治氛圍深深影響了當時還是高中生的U2成員們，也讓U2的音樂帶著濃厚的社會色彩。

而在危險之都底特律長大的Jack White，從小在貧脊的環境中培養出一身反骨，當大家都在嘻哈跳街舞的時候他偏偏愛上了搖滾樂；當吉他手都想買最新的吉他時，他喜歡用的是大賣場都買的到的塑膠吉他再自行改造；當樂團們紛紛使用最新的電子錄音設備做專輯時，他喜歡用的是已經快絕跡的卡帶儀器，也因此The White Stripe的音樂就一如Jack本人，粗糙中有著絕佳創意與真實氣味。

可能因為我很喜歡The White Stripes的原因，所以Jack White的部分我都看的特別仔細(哈)，我很喜歡用比較戲劇的方式呈現Jack這個人的形象(大Jack對小Jack)，實在很符合JW帶點叛逆又神祕的迷人性格。動畫的部份也非常有趣。

「Far far away, and out of sight.」影片最後下的註解好真實，生命就是如此，夢想也是如此。或許我們一直都在追求很飄渺的東西，做的事情的價值也稍縱即逝，或許要好多好多年以後看看自己的軌跡，才知道自己曾經改變過什麼。而現在的我們，仍舊必須往那個out of sight之處不斷前進。無論迷惘還是堅定。

【電影】母牛 Poor Cow / Ken Loach (1967)

我很喜歡影片結束後主持大哥(講解人?)對當時英美電影下的有趣註解：「好萊塢電影是讓大家做夢的；但英國電影則讓大家看清現實。」

秉持著「我們應該從日常生活中尋找電影靈感」的理念和關懷英國中下階層生活的態度，透過英國社會主義電影大師肯洛區的鏡頭下，能看到《母牛》就是這樣一部帶著生活真實節奏的電影。一個未滿20歲即生了孩子的少婦，似乎總是遇人不淑並為了生活忙碌著，這樣的題材可以拍的很狗血，肯洛區卻處理的很中立(有些部分甚至是輕鬆的)，導演把他想說的、想討論的、想關注的，就細細地放在影格裡，讓觀眾自己挖掘。

我很喜歡片子中間穿插女主角對生活的日記式小感來對照劇情的部份，以及最後以一點偽紀錄片的手法，請女主角說說身邊的男人和對未來的看法，然後女主角的小兒子Johnny超級可愛，就是英國金髮白胖的那種小屁娃。

中間看到女主角的那句心之格言「絕對不要愛上賊」卻接連兩個男人都坐牢的那段我笑了。生活本來就不是黑與白的絕對值，而是深淺不依的灰所組成，看完的心情也不知為何有一種踏實感挺好的。

【電影】每個導演一定都有一部自爽的片─戀愛夢遊中 The Science of Sleep (2006)

我覺得每個導演，一定都有一部自己拍爽的片。我指的不是像鈕承澤的情非得已生存之道那種自肥路線的，而是不管劇情結構(當然通常也不管票房)，大量放入自己喜愛的東西，只拍自己喜歡的東西，那些人物阿音樂阿故事阿男女主角阿都只是用來陪襯自己喜歡的東西。

這種創作的心態如果以咖啡來講的話，就是所謂的「本店特調」吧(老子全放自己喜歡的東西唷，不喜歡不要點唷)。不過就是這樣聽起來有點不負責任的調調，讓一些咖啡店更添個人特色，也讓某些導演一提到他的名字就覺得獨具魅力。

《戀愛夢遊中》絕對是Michel Gondry自己拍爽的一部片，這部片充滿了導演本人喜愛的各種元素：腦內的狂想奇想、手做美術、奇怪科學實驗、現實與夢境、百無聊賴的生活、奇特的愛情...，是不是在《王牌冤家》和《王牌自拍秀》裡都似曾相似呢？但比起另兩部片，《戀愛夢遊中》的劇情顯得更清淡模糊，淡到中間去上個廁所曬個衣服打個盹再回來看都還接得起來呢。

我覺得這部片應該帶有Michel Gondry小小個人自傳意味吧(他年輕時應該也跟男主角Steven用一樣的怪方式追女生的)，在拍攝會議時，他應該也是拍著肚皮對他的電影美術群說：來吧！隨你們愛怎麼做就怎做！做出最Michel Gondry的畫面吧！

因此這部片的視覺美術就是必看之處了，(音樂也配合得很好)我特別他喜歡夢境裡的一切處理，和女主角Stefani亂的好有味道的房間，道具走的是非常Hand-Made的勞作風格，我想多少也影響了後作《王牌自拍秀》的rewind style。

如果這一切都還不夠吸引你，至少還有兩大文藝少年們喜愛的演員Gael Garcia Bernal和Charlotte Gainsbourg，跟他們一起談一場怪咖式的短暫戀情，做個六月的夢也不賴。

【電影】心靈角落 Magnolia (1999)

1999年的好片，我記得那年還有另一部大作《美國心玫瑰情》上映。不知道是不是時值千囍年，有好多檢視末世人心的電影佳作出現。千囍年的時候我剛上大學，不知不覺也過了十年了。現在回頭看看，當初的那種末世感竟也有了些許懷舊的色彩，陪我長大的只剩下那些徘徊在靈魂深處的孤寂暗流，在我心中空虛的小房間裡寂靜地蔓延著。

《心靈角落》是一部都會感很強烈的電影，充滿了各種受傷情感、疏離、憤怒與原諒的味道。描述了一群看似因為巧合而牽扯在一起的人：即將離世的富翁與年輕妻子、前天才兒童、現任天才兒童、益智節目主持人、女毒蟲、警察、看護、男女關係專家...，面對各自生命的缺口的深層焦慮。前一陣子在PTT看到本片被觀眾推崇為最多髒話的好片真是讓我笑了。

導演Paul Thomas Anderson的拍攝手法在我看來很迷人(雖然也有人好像不那麼喜歡)，運鏡跟剪接功力一流(滿後現代的，確有末世氛圍)，有很多鏡頭一路Fallow著A行走、遇到B後、在A+B短暫停留、再轉Follow著B的流線手法，彷彿觀眾也身處同樣的時空情境中。

這部片的許多發想(包含片尾奇幻的那一幕)與聖經裡的出埃及記相關，但我覺得不了解聖經的來由也無所謂，其實不影響觀影品質，事後再找一些相關資料來看只覺得有些網友也太強了吧！我完全沒看到那些符號 :P。

此外，聲音與配樂的運用也相當精采。《心靈角落》的電影原聲帶被許多人視為必聽，主題曲《Save me》也入圍該屆金球獎最佳最佳電影主題曲。女歌手Aimee Mann的歌聲與這部片的調性非常之契合，大家一起合唱《Wise Up》的那一段我重複倒帶看了好多次。

值得一提的是，這部電影裡還運用了一個(我個人覺得)很少見的聲音手法，常常配樂或是背景的聲響，大過演員們的對白。一開始我以為是音量的問題，後來發現這樣的手法重複好多次，而且時間非常長，有時一整段10幾分鐘的對白都在各種聲音之中若隱若現，甚至對白就漸漸淹沒在漸強的配樂或背景聲響裡(雨聲)。在透過聲音營造出的雜沓氣氛裡，演員們彷彿表演默劇般，臉上幽微的表情變化與眼神反而被看的更仔細。

演員表現就不用說，Julianne Moore、Philip Baker Hall、Philip Seymour Hoffman...，我特別喜歡演天才兒童史丹利的那個小演員，他的眼神非常精采。另外這片的亮點阿湯哥絕對功不可沒，在演完了帥氣的不可能的任務後，Tom Cruise極力想要證明自己的演技，比較特別的是，他在這片裡的路線沒有刻意扮醜，反而是突顯他萬人迷的那一面甚至推向粗魯、粗暴、迷失的境界，他跟女記者的對談以及在厄爾病床前的最終告白都有非常深刻演出，也為他贏得一座金球獎最佳男配角。

我很想找這導演的成名代表作Boogie Nights來看，可是馬克華伯格的演技實在不太吸引我阿。另外也意外發現，Philip Seymour Hoffman應該也是這導演的愛將吧，因為除了Boogie Nights、 Magnolia之外，還合作了《Punch-Drunk Love戀愛雞尾酒》這部評價很高的愛情喜劇片，希望有機會可以一看這導演怎麼處理戀愛題材。

【murmur】About the 2011 Blog Award

因為被全球華文部落格大賞的大會警告通知說，沒有發表感想就當作不是本人報名的然後會被取消資格，但其實真的是本人報名的(但有幾個兇手在推波助瀾就是了)，我們不要害平民百姓揹黑鍋，趕快上來貼個心得。

我看了入圍的名單，「藝術文化類」入圍的有115位，是全部類別裡的第二多人！台灣什麼時候變得這麼有藝術文化氣息我都不知道！果真是「人人都是藝術家」的後現代文化精神的展現(我視覺文化的書都沒白唸歐耶)！而且在看那些入圍名單的時候，有看到好多好棒的BLOG喔，然後我就一邊觀察我的對手們一邊情不自禁把他們加到我的最愛裡，清醒之後又很想拿那個名單去質問那些當初在旁邊搧風點火的人說：ㄟ！你們搞屁阿是哪隻眼睛覺得我會得獎的！！明明就是砲灰！

最後，以「入圍即是得獎」這句雖然老套但又非常撫慰人心(我的心)的結語就此發表得獎感言。當初因為寫論文做BLOG研究的關係設了這個BLOG，不知不覺也寫超過6年了，一個孩子都從小一念到小六了，以我這種沒耐心的性格來說，不啻是一種磨練。而且，可以讓我上班不好好上班，在這邊發表心得感言的，已經要謝天謝地了你說是吧。

【異色】愛之剝脫 (愛のむきだし) Love Exposure (2008)

跟Cold Fish一樣，園子溫的這部作品同樣在電影一開始就告訴你這是「真人真事改編」的故事。我真的是服了這個導演，哪找來這麼多Cult素材，我猜他大概是每天都在看社會版，尋找最變態、最怪異、最光怪陸離、卻又最直指當代人空虛之心的故事吧！

這部《愛之剝脫Love Exposure》是一部元素很多、故事線很分散、但主旨卻又很簡單的作品，主線故事其實非常的純愛，說明一個少年為了得到父親與少女的愛而奮鬥(?)的歷程。當然園子溫變態(?)的性格不會這麼簡單的處理，四個小時的劇情裡包含了色情、宗教、虐殺、邪教、罪惡、愛情、家庭、友情、洗腦、監禁、亂倫...等關鍵字，差不多集日本B片最愛的Cult素材於一身。

園子溫從《循環自殺》起，每部片或多或少都探討了日本社會中的各種奇怪組織與其信奉的「信仰」。在《愛的剝脫》的一開始就告訴了我們，男主角優的爸爸是一個會為了愛拋家棄子、背離信仰也無所謂的神父，一開始就打了宗教神聖的形象一巴掌，也宣告觀眾這部片最主要批判的對象就是「宗教」。男主角優在故事中不斷與名為ZERO教會的邪教組織對抗著，導演透過這段歷程也告訴了我們，像21世紀少年裡「朋友」那樣的組織，不是一個只存在於漫畫裡的可笑小丑而已，它其實就是存在我們每個人寂寞的心中的一抹陰影。

在拍攝上，從《奇異人生馬戲團》到《Cold Fish》，園子溫在電影美術技巧上其實趨於純熟，而《愛之剝脫》則有種故意要回到《循環自殺》那種古早味B片味的風味。像是優為了要成為可以夜夜向父親神父懺悔的罪人，於是開始上街偷拍女生底褲的橋段，就活像是彆腳的特攝片或功夫片一樣令人噴飯。此外男女主角幻想著對方的片段、邪教大姐頭小池在教室發瘋的大屠殺、朋子在大街上幹架、手持攝影機晃晃晃...都有一種「回歸」典型B片的味道。對了，我覺得B味濃還有一個重點就是「純愛」，與前陣子看的Fox小姐主演的《辣的要命》一樣，純愛絕對是增添B片香味的重要一味調味料千萬不可或缺啊！(挖鼻孔)

我很喜歡主角群扛著巨大的十字架在海邊的場景，劇裡的每個人都桎梏於某種宗教與信仰。愛到底是甚麼？為什麼想要愛讓我們充滿罪惡？為了愛放棄信仰的神父爸爸、為了愛變成偷拍狂也無所謂的優、為了愛迷失判斷的朋子、為了愛任性妄為的薰、以為操縱他人就是愛的小池...，愛是甚麼？愛很複雜又很簡單。愛很輕也很重。愛令人感到純淨也讓人瘋狂。愛不是教條。愛是實踐。

《愛的剝脫》在09年的香港電影節播出後好評不斷，在imdb甚至有8.0的高分，並拿下09年柏林影展國際影評人費比西獎，由此可知這是一部相當強大的B片(我甚至覺得這片獲得的好評已經超過一般B片可以獲得的程度了)，如果可以接受充滿日式獵奇味B級片情懷的朋友們有機會不妨一看。

【電影】大叔 The man from nowhere (2010)

「你究竟是她的誰？」「隔壁的大叔」。

韓國的暴力動作片向來擅長將各地精華融合成屬於很韓式的特色，除了延續從好萊屋發展而來的「以暴制暴」的爆裂爽快、香港電影的近身武打、以及他們這幾年累積起來的復仇冷調概念(賦予主角一種悲劇英雄的性格與男性浪漫氛圍)，再加上良好的電影技術與演技的加持，「殺人回憶」、「原罪犯」、「追擊者」成為我必推的韓式犯罪暴力三寶。

《大叔》的電影框架其實有點侷限，可能是受限於劇本的關係，跟丹佐華盛頓的經典《火線救援》很類似，也跟史上最威猛老爸連恩尼遜的《即刻救援》有一些雷同的氣味。儘管如此，這仍是一部製作精良的商業片(韓國2010的票房冠軍)，元斌的演技(跟六塊腹肌)絕對是一大功臣啊！但說實在元斌雖然34歲了，但他的長相跟氣質，完全不符合大叔味啊！！(他畢竟是花美男始祖)，片名取做大叔是有點委屈他了，頂多算是大哥吧。他在這部片的努力，讓我想到《證人》裡的謝霆鋒，一樣都有擺脫偶像包袱的驚艷感。

但還是可以理解這片想表達那種乍看下是個nobody、孑然一身的男人為了守護心中重要的一點情感，願意不顧代價的豁出去，在這點考量上，大叔自然是比大哥來的熱血。我記得裡面元斌有一句對壞人嗆聲台詞是：「你們是為明天而活的人對吧，我是只為今天而活的人，為了明天而活的人會被只在乎今天的人所殺！」酷帥滿點阿。

由於元斌被設定為前特種部隊成員，也就是一個殺人武器，因此裡面各種殘酷的殺人手法包羅萬象，不過可能我看慣傑森包恩了，一些搏鬥場面還是略SET不夠真實。另外這部片也算是比較有拍到韓國底層社會的生態(不只是對抗一個黑社會的通用表象)，妓女、毒癮者、器官販售組織、製毒工廠、童工...，點到為止地增添了一些地方邊緣疏離色彩。

整部片比較令我個人不滿意的，是「鐵漢」與「柔情」的兩個元素之間的火花處理的不夠好。像大叔跟小米(小女孩)之間情感的鋪陳，這部分很重要因為形塑了大叔為何會願意奮不顧身的動機，可能因為有太多可以比較的類型了，《火線救援》《LEON》...，那種心靈上的寄託、是彼此唯一羈絆的跨世代情誼沒有拍出來(頂多是說小米讓大叔想到自己未出世的孩子)，看到後面稍微有種流於為MAN而MAN的感覺。

為了展現鐵漢柔情，溫情的過度使用也影響了一些重要的轉折(例如對方殺手看到小女孩心軟這段)，結局是滿催淚也展現元斌在這片裡難得的靦腆，但就是少了點力道還是甚麼的，好看可惜稱不上經典。

不過我還滿喜歡演小米這個角色的小演員，導演不是選那種長個很無辜可愛的小女生，乍看覺得不是很漂亮但也意外增添真實感。她有一種古靈精怪的氣質，很像家裡沒大人、成天在街頭混的小鬼頭，看到後來意外地覺得有觀眾緣。

【電影】犬齒之家(非普通教慾) Dogtooth(canine) (2009)

隔了好一陣子才有時間和心情紀錄一下之前看《犬齒之家》的心得，也許已不像剛看完時的震驚與感觸良深，但那在明亮寧靜景致下包裹的黑色寓意，仍叫人印象深刻。

這是一部很反烏托邦理想的電影，它所描述的歪曲與恐懼是很內在的，有時表達的手法甚至有點荒謬可笑(現場還真的有不少人笑出聲)，當初如果是被新聞上一些激烈字眼給吸引的觀眾，看完不知會不會覺得其實也還好(?)。

其實我覺得像這樣的電影，適合對生活、社會與規範很有感受性的人看，因為這方面的感知特別敏銳，所以可以將電影情境與真實生活做連結與投射。

「當犬齒掉落，才是你可以離家的時候。」這句電影廣告詞我覺得用的很棒，有一種隱誨的暴力美感，在某個面向也揭露了理想的虛無以及欲逃離社會桎梏的代價，至於付出代價追求真相的下場，導演把這個開放式的結局留給觀眾們自己去補足，Slogen也與原片名《犬齒之家》相互輝映的很好。

一個在父親極權統治教育下的家庭，當貓不再是貓、小黃花不再是小黃花，築一道牆告訴你外面的世界充滿險惡唯有在家園裡才是安全，我們對於世界與文明的認知也就此被強烈的扭轉了開來，什麼是對？什麼是錯？什麼是正常？什麼是不正常？在不疾不徐的電影節奏中，完美乾淨的攝影、構圖、配樂彷彿含著麻藥的糖衣，卻遮不住那些蘊藏在所謂「正常生活」底下的巨大異常。

演員的表現非常精采(應該有接受大量肢體表演訓練)，電影裡三兄妹雖已成人，但語言表達及行為思考模式仍像小孩子般地互動著，家裡充滿各種規範與訓練，集點的獎勵方式、矇眼遊戲、趴在地上學狗叫來抵抗外侮...，仔細想想，這些看起來可笑的豢養，不也存在我們的生活之中嗎？不也將我們每個人形塑成所謂「循規蹈矩」的模樣嗎？而我們苦心追求與期盼的，會不會就是那一架「從天上掉下來」的小飛機？

又或者，其實我們都是那個感知特別敏銳的大妹。對規範外的世界充滿好奇、對美好的框框舒服的床有著質疑，所以大妹偷看錄影帶、偷打電話、偷偷丟紙條給圍牆外那個虛構的哥哥，不知為何她就是無法順從，儘管受了再嚴厲的教訓她也還是不斷衝撞著邊界，因為在不知不覺間，她心裡有個小角落正不斷慢慢地崩毀與瓦解。因此我們可以看到電影後半那段精彩的個人舞蹈，舞到不能自我控制，宣洩著無處可逃的怒氣。

「犬」在這部片中也是相當有趣的符號。父以飼養動物的方式教養著三個孩子，但孩子們所不知的是，父在外面的世界裡其實擁有一條上著寵物訓練課程的狗，儘管上了很多次的訓練課程，這隻狗仍很性格的始終不回應父親的喚名，在家園裡呼風喚雨的父，面對一隻狗卻顯得一籌莫展，向來被人類視為下等牲畜的狗，在此時竟比萬物之靈更有自主意識。

我覺得這是一部很精彩的寓言式電影(是因為希臘人特別會說寓言的關係嗎?)可以從非常非常多元的觀點來解讀：教育、宗教、國家、政治...，差不多是任君隨意詮釋的境界了，這是一部衝撞僵化認知的好電影，不管誰看應該都能有一些收穫。

記得今年奧斯卡最佳外語片入圍名單公布時，有網友為「告白」的鍛羽抱不平，認為奧斯卡太過保守。奧斯卡某些角度的確是美國人自爽與保守的，但在看完《犬齒之家》後，我認為本片的入圍才是一個更大膽的突破和選擇。

【LIVE】MR.BIG 2011 Live concert @台北國父紀念館

首先請容我使用全台最專業的Mr.Big資訊BLOG 大人物了沒裡的照片，來傳達我懷舊的心情XDD，Mr.big對我來說就是一個這麼懷舊的樂團，是某一段青春的回憶，從高中買了《Big, Bigger, Biggest》開始，Eric Martin的聲音對我來說就一直是美式Hard Rock的最佳代表，Paul Gilbert、Billy Sheehan、Pat Torpey也都是極具代表性的重量級樂手。

開唱的地點也是選在很復古的國父紀念館，雖然跟TICC一樣是地塹型的舞台(噢！我好愛地塹型舞台)，可是國父紀念館整體氛圍就是讓人有種在聽高中社團成果發表的感覺XD，加上一到會場，滿山滿谷的高中生阿阿阿阿阿阿(大概都是熱音社吉他社的)，怎麼過了十年，大家愛聽的樂團還是一樣？

我覺得Mr.Big應該整團可以得個「保養的最好」的樂團獎之類的，當燈光一暗，《Daddy Brother Lover Little Boy》的前奏響起，我真的不敢相信唱歌的人竟然已經是50歲的大叔， 從我們第十排中間的位子看去，Eric Martin不但造型活像歌舞青春一樣肖年(終於把舞棍阿伯髮型剪去~~)，歌聲的狀態我也覺得維持相當棒！雖然講話時非常沙啞，但一到唱歌模式就是火力全開，硬要挑細緻度與高音的變態度當然不能跟20年前比，不過真的是近幾年8-90年代風靡一時的樂團裡演出最原汁原味的了。

整場演出EM都很盡責的帶氣氛跟觀眾互動，耍耍可愛甚麼的，跟我看92年San fransico的網路Live時一樣，不時像猴子在舞台上跳來跳去！

這場表演經典老梗一個都沒少，PG的電鑽彈吉他、牙齒彈吉他、EM從背後還抱BS彈BASS然後BS吹口琴、大家樂器大風吹Cover《Smoke On The Water》...，突然很感謝現場有一堆年輕人，氣氛真的異常熱烈！

Billy Sheehan真的是一個瘋狂的BASS阿伯，不但造型很酷(超過190身高加上綁起的金髮)，我覺他整個人幾乎就是一人小樂隊了，神乎其技的BASS技巧不說，他的歌聲也非常有特色，我很喜歡他主唱的《Smoke On The Water》。而近年快要變成日本人的Paul Gilbert(ポール・ギルバート)剪去招牌長髮依舊是個型男(我無法形容我在堂本兄弟這個日本綜藝節目看到他有多麼震驚)，演奏時非常陶醉的表情很勾椎，看他彈琴就覺得，吉他，真的外國人的玩意阿...，那種隨心所欲、行雲流水的感覺真是太渾然天成了。(Pat我不熟容我跳過...)

這次一共唱了20幾首歌，該聽到的經典：Green Tinted Sixties Mind、Wild world、Rock and roll over、Addicted To That Rush、To be with you、Colorado Bulldog...都沒少。我個人後來偏好他們偏藍調的曲風，因此可以聽到早期的作品像Alive and Kicking和Merciless真的很開心！讓我一瞬間起雞皮嘎搭的是Green Tinted Sixties Mind和30 days in a hole，情緒太複雜了真的無法形容聽到Live的感受，不過現場實在過HIGH，想哭也擠不出眼淚:DD 嗓子快叫破到是真的。

最後在容我從《大人物了沒》那而轉一張大家很Happy的照片，希望他們永保青春！！多來台灣幾次，Jump into the fire Keep our love alive and kickin'！！

【電影】最後的美麗 Biutiful (2009)

這是墨西哥導演伊納利圖 Alejandro Gonzalez Inarritu第一次放棄多線敘事的作品，儘管如此不代表劇情就簡單清晰，透過哈維爾巴登飾演的男主角鄔巴斯身上，我們可以看到一個在巴塞隆納社會底層討生活的男人，遊走在善與惡、生命與死亡的灰色交界，在得知生命的盡頭那種脆弱無依、即將離開親人的罪惡感與想要為週遭的人奮力一搏的心，氣氛異常誨澀，留下的結局雖沒有說死但也很凝重。還好導演將這片取名為「Biutiful」，即英文裡的Beautiful，人說「人之將盡其言也善」，我想行為也是如此，鄔巴斯不是一個多正直或了不起的人，他對感情與生活常常呈現一種無能為力的困獸之鬥感，但在生命之終，他的眼神裡的確閃爍著微弱的光芒。我很喜歡頭尾呼應交給女兒安娜戒指的一段。

這部片也很難得有著「靈異」的設定，鄔巴斯被設定為一個通靈者，能夠與死者交談，電影中也有一些靈異的片段，但運用的不會過火，反而在整部情緒稍嫌低落的電影中增加了一些刺激的元素。電影的最後，導演說他將這部電影獻給他的父親，電影裡對父親形象的刻劃、生者與死者間的感應、對生命與愛的掙扎，其中欲透露的情感企圖不言可喻。

從《愛是一條狗》到《最後的美麗》，導演伊納利圖對拉美底層小人物的社會百態有頗多的研究與著墨。網路的影片介紹裡說明了電影裡主角居住的地區是Santa Coloma的拉化爾區，是巴塞隆納著名的多民族區，居住的人種包括塞內加爾人、中國人、巴勒斯坦人、吉卜賽人、羅馬尼亞人及印尼人等，這群新移民和平共處，從事合法或非法的勞動工作，為貧窮而奮鬥著，而雇主對他們的剝削電影裡也有殘酷的描寫。

這部片基本上是哈維爾巴登的演技個人秀，與我很喜歡的《險路勿近》完全不同氛圍，他憑本片拿到坎城影展的影帝，在奧斯卡雖鍛羽而歸，但能以非英語片入圍演技獎真的很厲害，情緒非常之內斂豐沛，眼神好有穿透力我覺得導演應該拍他的特寫完全是拍到欲罷不能了。不過之後我會想看看他跟小潘潘的定情之作《情慾巴塞隆納》，希望可以來一點哈維爾巴登比較黑皮的形象 :D