【電影】吉他英雄 It Might Get Loud (2008)

「It Might Get Loud.」是這部紀錄片中U2的吉他手The Edge要示範一段SOLO時低聲說的一句話。

《It Might Get Loud》雖然是這部片的片名，整部片卻意外地散發著沉著醇厚的質感，少了吸睛Vocal、蹦蹦蹦的節奏鼓聲、像脈搏跳動的Bass的陪襯，單純的吉他樂聲聽起來像充滿了無限的想像空間的詩句。這部片不是絢麗舞台上一首首經典帶來的熱力喧嘩集錦，而是舞台下吉他手抱著最常用的吉他、回到年輕時練團的地方、就著一張黑膠的老音樂、或是一張背面寫著歌詞的小DM，唱著自己的生活之歌。

很有趣的是，導演找了三個年代、風格、成長背景皆迥異的吉他手，輪流敘述他們用音樂對抗著不一樣的東西，儘管創作的思維和模式也都大相逕庭，但當三人都拿起吉他時卻似乎又有了相同的語言。

Jimmy Page不用說，Led Zeppelin在搖滾史上有著開天闢地的地位，當年在電視受訪時說著願望是當生物學家的小子，用吉他改變了保守、無趣的流行音樂產業，我覺得他喜歡很細膩敏感的東西，包含他喜歡聽的歌以及他演繹的方式都是。

來自都柏林的The Edge，80年代看著自己居住城市的衰敗、社會騷動不安攻擊事件頻傳，這樣的政治氛圍深深影響了當時還是高中生的U2成員們，也讓U2的音樂帶著濃厚的社會色彩。

而在危險之都底特律長大的Jack White，從小在貧脊的環境中培養出一身反骨，當大家都在嘻哈跳街舞的時候他偏偏愛上了搖滾樂；當吉他手都想買最新的吉他時，他喜歡用的是大賣場都買的到的塑膠吉他再自行改造；當樂團們紛紛使用最新的電子錄音設備做專輯時，他喜歡用的是已經快絕跡的卡帶儀器，也因此The White Stripe的音樂就一如Jack本人，粗糙中有著絕佳創意與真實氣味。

可能因為我很喜歡The White Stripes的原因，所以Jack White的部分我都看的特別仔細(哈)，我很喜歡用比較戲劇的方式呈現Jack這個人的形象(大Jack對小Jack)，實在很符合JW帶點叛逆又神祕的迷人性格。動畫的部份也非常有趣。

「Far far away, and out of sight.」影片最後下的註解好真實，生命就是如此，夢想也是如此。或許我們一直都在追求很飄渺的東西，做的事情的價值也稍縱即逝，或許要好多好多年以後看看自己的軌跡，才知道自己曾經改變過什麼。而現在的我們，仍舊必須往那個out of sight之處不斷前進。無論迷惘還是堅定。

【電影】母牛 Poor Cow / Ken Loach (1967)

我很喜歡影片結束後主持大哥(講解人?)對當時英美電影下的有趣註解：「好萊塢電影是讓大家做夢的；但英國電影則讓大家看清現實。」

秉持著「我們應該從日常生活中尋找電影靈感」的理念和關懷英國中下階層生活的態度，透過英國社會主義電影大師肯洛區的鏡頭下，能看到《母牛》就是這樣一部帶著生活真實節奏的電影。一個未滿20歲即生了孩子的少婦，似乎總是遇人不淑並為了生活忙碌著，這樣的題材可以拍的很狗血，肯洛區卻處理的很中立(有些部分甚至是輕鬆的)，導演把他想說的、想討論的、想關注的，就細細地放在影格裡，讓觀眾自己挖掘。

我很喜歡片子中間穿插女主角對生活的日記式小感來對照劇情的部份，以及最後以一點偽紀錄片的手法，請女主角說說身邊的男人和對未來的看法，然後女主角的小兒子Johnny超級可愛，就是英國金髮白胖的那種小屁娃。

中間看到女主角的那句心之格言「絕對不要愛上賊」卻接連兩個男人都坐牢的那段我笑了。生活本來就不是黑與白的絕對值，而是深淺不依的灰所組成，看完的心情也不知為何有一種踏實感挺好的。

【電影】每個導演一定都有一部自爽的片─戀愛夢遊中 The Science of Sleep (2006)

我覺得每個導演，一定都有一部自己拍爽的片。我指的不是像鈕承澤的情非得已生存之道那種自肥路線的，而是不管劇情結構(當然通常也不管票房)，大量放入自己喜愛的東西，只拍自己喜歡的東西，那些人物阿音樂阿故事阿男女主角阿都只是用來陪襯自己喜歡的東西。

這種創作的心態如果以咖啡來講的話，就是所謂的「本店特調」吧(老子全放自己喜歡的東西唷，不喜歡不要點唷)。不過就是這樣聽起來有點不負責任的調調，讓一些咖啡店更添個人特色，也讓某些導演一提到他的名字就覺得獨具魅力。

《戀愛夢遊中》絕對是Michel Gondry自己拍爽的一部片，這部片充滿了導演本人喜愛的各種元素：腦內的狂想奇想、手做美術、奇怪科學實驗、現實與夢境、百無聊賴的生活、奇特的愛情...，是不是在《王牌冤家》和《王牌自拍秀》裡都似曾相似呢？但比起另兩部片，《戀愛夢遊中》的劇情顯得更清淡模糊，淡到中間去上個廁所曬個衣服打個盹再回來看都還接得起來呢。

我覺得這部片應該帶有Michel Gondry小小個人自傳意味吧(他年輕時應該也跟男主角Steven用一樣的怪方式追女生的)，在拍攝會議時，他應該也是拍著肚皮對他的電影美術群說：來吧！隨你們愛怎麼做就怎做！做出最Michel Gondry的畫面吧！

因此這部片的視覺美術就是必看之處了，(音樂也配合得很好)我特別他喜歡夢境裡的一切處理，和女主角Stefani亂的好有味道的房間，道具走的是非常Hand-Made的勞作風格，我想多少也影響了後作《王牌自拍秀》的rewind style。

如果這一切都還不夠吸引你，至少還有兩大文藝少年們喜愛的演員Gael Garcia Bernal和Charlotte Gainsbourg，跟他們一起談一場怪咖式的短暫戀情，做個六月的夢也不賴。

【電影】心靈角落 Magnolia (1999)

1999年的好片，我記得那年還有另一部大作《美國心玫瑰情》上映。不知道是不是時值千囍年，有好多檢視末世人心的電影佳作出現。千囍年的時候我剛上大學，不知不覺也過了十年了。現在回頭看看，當初的那種末世感竟也有了些許懷舊的色彩，陪我長大的只剩下那些徘徊在靈魂深處的孤寂暗流，在我心中空虛的小房間裡寂靜地蔓延著。

《心靈角落》是一部都會感很強烈的電影，充滿了各種受傷情感、疏離、憤怒與原諒的味道。描述了一群看似因為巧合而牽扯在一起的人：即將離世的富翁與年輕妻子、前天才兒童、現任天才兒童、益智節目主持人、女毒蟲、警察、看護、男女關係專家...，面對各自生命的缺口的深層焦慮。前一陣子在PTT看到本片被觀眾推崇為最多髒話的好片真是讓我笑了。

導演Paul Thomas Anderson的拍攝手法在我看來很迷人(雖然也有人好像不那麼喜歡)，運鏡跟剪接功力一流(滿後現代的，確有末世氛圍)，有很多鏡頭一路Fallow著A行走、遇到B後、在A+B短暫停留、再轉Follow著B的流線手法，彷彿觀眾也身處同樣的時空情境中。

這部片的許多發想(包含片尾奇幻的那一幕)與聖經裡的出埃及記相關，但我覺得不了解聖經的來由也無所謂，其實不影響觀影品質，事後再找一些相關資料來看只覺得有些網友也太強了吧！我完全沒看到那些符號 :P。

此外，聲音與配樂的運用也相當精采。《心靈角落》的電影原聲帶被許多人視為必聽，主題曲《Save me》也入圍該屆金球獎最佳最佳電影主題曲。女歌手Aimee Mann的歌聲與這部片的調性非常之契合，大家一起合唱《Wise Up》的那一段我重複倒帶看了好多次。

值得一提的是，這部電影裡還運用了一個(我個人覺得)很少見的聲音手法，常常配樂或是背景的聲響，大過演員們的對白。一開始我以為是音量的問題，後來發現這樣的手法重複好多次，而且時間非常長，有時一整段10幾分鐘的對白都在各種聲音之中若隱若現，甚至對白就漸漸淹沒在漸強的配樂或背景聲響裡(雨聲)。在透過聲音營造出的雜沓氣氛裡，演員們彷彿表演默劇般，臉上幽微的表情變化與眼神反而被看的更仔細。

演員表現就不用說，Julianne Moore、Philip Baker Hall、Philip Seymour Hoffman...，我特別喜歡演天才兒童史丹利的那個小演員，他的眼神非常精采。另外這片的亮點阿湯哥絕對功不可沒，在演完了帥氣的不可能的任務後，Tom Cruise極力想要證明自己的演技，比較特別的是，他在這片裡的路線沒有刻意扮醜，反而是突顯他萬人迷的那一面甚至推向粗魯、粗暴、迷失的境界，他跟女記者的對談以及在厄爾病床前的最終告白都有非常深刻演出，也為他贏得一座金球獎最佳男配角。

我很想找這導演的成名代表作Boogie Nights來看，可是馬克華伯格的演技實在不太吸引我阿。另外也意外發現，Philip Seymour Hoffman應該也是這導演的愛將吧，因為除了Boogie Nights、 Magnolia之外，還合作了《Punch-Drunk Love戀愛雞尾酒》這部評價很高的愛情喜劇片，希望有機會可以一看這導演怎麼處理戀愛題材。

【murmur】About the 2011 Blog Award

因為被全球華文部落格大賞的大會警告通知說，沒有發表感想就當作不是本人報名的然後會被取消資格，但其實真的是本人報名的(但有幾個兇手在推波助瀾就是了)，我們不要害平民百姓揹黑鍋，趕快上來貼個心得。

我看了入圍的名單，「藝術文化類」入圍的有115位，是全部類別裡的第二多人！台灣什麼時候變得這麼有藝術文化氣息我都不知道！果真是「人人都是藝術家」的後現代文化精神的展現(我視覺文化的書都沒白唸歐耶)！而且在看那些入圍名單的時候，有看到好多好棒的BLOG喔，然後我就一邊觀察我的對手們一邊情不自禁把他們加到我的最愛裡，清醒之後又很想拿那個名單去質問那些當初在旁邊搧風點火的人說：ㄟ！你們搞屁阿是哪隻眼睛覺得我會得獎的！！明明就是砲灰！

最後，以「入圍即是得獎」這句雖然老套但又非常撫慰人心(我的心)的結語就此發表得獎感言。當初因為寫論文做BLOG研究的關係設了這個BLOG，不知不覺也寫超過6年了，一個孩子都從小一念到小六了，以我這種沒耐心的性格來說，不啻是一種磨練。而且，可以讓我上班不好好上班，在這邊發表心得感言的，已經要謝天謝地了你說是吧。

【異色】愛之剝脫 (愛のむきだし) Love Exposure (2008)

跟Cold Fish一樣，園子溫的這部作品同樣在電影一開始就告訴你這是「真人真事改編」的故事。我真的是服了這個導演，哪找來這麼多Cult素材，我猜他大概是每天都在看社會版，尋找最變態、最怪異、最光怪陸離、卻又最直指當代人空虛之心的故事吧！

這部《愛之剝脫Love Exposure》是一部元素很多、故事線很分散、但主旨卻又很簡單的作品，主線故事其實非常的純愛，說明一個少年為了得到父親與少女的愛而奮鬥(?)的歷程。當然園子溫變態(?)的性格不會這麼簡單的處理，四個小時的劇情裡包含了色情、宗教、虐殺、邪教、罪惡、愛情、家庭、友情、洗腦、監禁、亂倫...等關鍵字，差不多集日本B片最愛的Cult素材於一身。

園子溫從《循環自殺》起，每部片或多或少都探討了日本社會中的各種奇怪組織與其信奉的「信仰」。在《愛的剝脫》的一開始就告訴了我們，男主角優的爸爸是一個會為了愛拋家棄子、背離信仰也無所謂的神父，一開始就打了宗教神聖的形象一巴掌，也宣告觀眾這部片最主要批判的對象就是「宗教」。男主角優在故事中不斷與名為ZERO教會的邪教組織對抗著，導演透過這段歷程也告訴了我們，像21世紀少年裡「朋友」那樣的組織，不是一個只存在於漫畫裡的可笑小丑而已，它其實就是存在我們每個人寂寞的心中的一抹陰影。

在拍攝上，從《奇異人生馬戲團》到《Cold Fish》，園子溫在電影美術技巧上其實趨於純熟，而《愛之剝脫》則有種故意要回到《循環自殺》那種古早味B片味的風味。像是優為了要成為可以夜夜向父親神父懺悔的罪人，於是開始上街偷拍女生底褲的橋段，就活像是彆腳的特攝片或功夫片一樣令人噴飯。此外男女主角幻想著對方的片段、邪教大姐頭小池在教室發瘋的大屠殺、朋子在大街上幹架、手持攝影機晃晃晃...都有一種「回歸」典型B片的味道。對了，我覺得B味濃還有一個重點就是「純愛」，與前陣子看的Fox小姐主演的《辣的要命》一樣，純愛絕對是增添B片香味的重要一味調味料千萬不可或缺啊！(挖鼻孔)

我很喜歡主角群扛著巨大的十字架在海邊的場景，劇裡的每個人都桎梏於某種宗教與信仰。愛到底是甚麼？為什麼想要愛讓我們充滿罪惡？為了愛放棄信仰的神父爸爸、為了愛變成偷拍狂也無所謂的優、為了愛迷失判斷的朋子、為了愛任性妄為的薰、以為操縱他人就是愛的小池...，愛是甚麼？愛很複雜又很簡單。愛很輕也很重。愛令人感到純淨也讓人瘋狂。愛不是教條。愛是實踐。

《愛的剝脫》在09年的香港電影節播出後好評不斷，在imdb甚至有8.0的高分，並拿下09年柏林影展國際影評人費比西獎，由此可知這是一部相當強大的B片(我甚至覺得這片獲得的好評已經超過一般B片可以獲得的程度了)，如果可以接受充滿日式獵奇味B級片情懷的朋友們有機會不妨一看。

【電影】大叔 The man from nowhere (2010)

「你究竟是她的誰？」「隔壁的大叔」。

韓國的暴力動作片向來擅長將各地精華融合成屬於很韓式的特色，除了延續從好萊屋發展而來的「以暴制暴」的爆裂爽快、香港電影的近身武打、以及他們這幾年累積起來的復仇冷調概念(賦予主角一種悲劇英雄的性格與男性浪漫氛圍)，再加上良好的電影技術與演技的加持，「殺人回憶」、「原罪犯」、「追擊者」成為我必推的韓式犯罪暴力三寶。

《大叔》的電影框架其實有點侷限，可能是受限於劇本的關係，跟丹佐華盛頓的經典《火線救援》很類似，也跟史上最威猛老爸連恩尼遜的《即刻救援》有一些雷同的氣味。儘管如此，這仍是一部製作精良的商業片(韓國2010的票房冠軍)，元斌的演技(跟六塊腹肌)絕對是一大功臣啊！但說實在元斌雖然34歲了，但他的長相跟氣質，完全不符合大叔味啊！！(他畢竟是花美男始祖)，片名取做大叔是有點委屈他了，頂多算是大哥吧。他在這部片的努力，讓我想到《證人》裡的謝霆鋒，一樣都有擺脫偶像包袱的驚艷感。

但還是可以理解這片想表達那種乍看下是個nobody、孑然一身的男人為了守護心中重要的一點情感，願意不顧代價的豁出去，在這點考量上，大叔自然是比大哥來的熱血。我記得裡面元斌有一句對壞人嗆聲台詞是：「你們是為明天而活的人對吧，我是只為今天而活的人，為了明天而活的人會被只在乎今天的人所殺！」酷帥滿點阿。

由於元斌被設定為前特種部隊成員，也就是一個殺人武器，因此裡面各種殘酷的殺人手法包羅萬象，不過可能我看慣傑森包恩了，一些搏鬥場面還是略SET不夠真實。另外這部片也算是比較有拍到韓國底層社會的生態(不只是對抗一個黑社會的通用表象)，妓女、毒癮者、器官販售組織、製毒工廠、童工...，點到為止地增添了一些地方邊緣疏離色彩。

整部片比較令我個人不滿意的，是「鐵漢」與「柔情」的兩個元素之間的火花處理的不夠好。像大叔跟小米(小女孩)之間情感的鋪陳，這部分很重要因為形塑了大叔為何會願意奮不顧身的動機，可能因為有太多可以比較的類型了，《火線救援》《LEON》...，那種心靈上的寄託、是彼此唯一羈絆的跨世代情誼沒有拍出來(頂多是說小米讓大叔想到自己未出世的孩子)，看到後面稍微有種流於為MAN而MAN的感覺。

為了展現鐵漢柔情，溫情的過度使用也影響了一些重要的轉折(例如對方殺手看到小女孩心軟這段)，結局是滿催淚也展現元斌在這片裡難得的靦腆，但就是少了點力道還是甚麼的，好看可惜稱不上經典。

不過我還滿喜歡演小米這個角色的小演員，導演不是選那種長個很無辜可愛的小女生，乍看覺得不是很漂亮但也意外增添真實感。她有一種古靈精怪的氣質，很像家裡沒大人、成天在街頭混的小鬼頭，看到後來意外地覺得有觀眾緣。

【電影】犬齒之家(非普通教慾) Dogtooth(canine) (2009)

隔了好一陣子才有時間和心情紀錄一下之前看《犬齒之家》的心得，也許已不像剛看完時的震驚與感觸良深，但那在明亮寧靜景致下包裹的黑色寓意，仍叫人印象深刻。

這是一部很反烏托邦理想的電影，它所描述的歪曲與恐懼是很內在的，有時表達的手法甚至有點荒謬可笑(現場還真的有不少人笑出聲)，當初如果是被新聞上一些激烈字眼給吸引的觀眾，看完不知會不會覺得其實也還好(?)。

其實我覺得像這樣的電影，適合對生活、社會與規範很有感受性的人看，因為這方面的感知特別敏銳，所以可以將電影情境與真實生活做連結與投射。

「當犬齒掉落，才是你可以離家的時候。」這句電影廣告詞我覺得用的很棒，有一種隱誨的暴力美感，在某個面向也揭露了理想的虛無以及欲逃離社會桎梏的代價，至於付出代價追求真相的下場，導演把這個開放式的結局留給觀眾們自己去補足，Slogen也與原片名《犬齒之家》相互輝映的很好。

一個在父親極權統治教育下的家庭，當貓不再是貓、小黃花不再是小黃花，築一道牆告訴你外面的世界充滿險惡唯有在家園裡才是安全，我們對於世界與文明的認知也就此被強烈的扭轉了開來，什麼是對？什麼是錯？什麼是正常？什麼是不正常？在不疾不徐的電影節奏中，完美乾淨的攝影、構圖、配樂彷彿含著麻藥的糖衣，卻遮不住那些蘊藏在所謂「正常生活」底下的巨大異常。

演員的表現非常精采(應該有接受大量肢體表演訓練)，電影裡三兄妹雖已成人，但語言表達及行為思考模式仍像小孩子般地互動著，家裡充滿各種規範與訓練，集點的獎勵方式、矇眼遊戲、趴在地上學狗叫來抵抗外侮...，仔細想想，這些看起來可笑的豢養，不也存在我們的生活之中嗎？不也將我們每個人形塑成所謂「循規蹈矩」的模樣嗎？而我們苦心追求與期盼的，會不會就是那一架「從天上掉下來」的小飛機？

又或者，其實我們都是那個感知特別敏銳的大妹。對規範外的世界充滿好奇、對美好的框框舒服的床有著質疑，所以大妹偷看錄影帶、偷打電話、偷偷丟紙條給圍牆外那個虛構的哥哥，不知為何她就是無法順從，儘管受了再嚴厲的教訓她也還是不斷衝撞著邊界，因為在不知不覺間，她心裡有個小角落正不斷慢慢地崩毀與瓦解。因此我們可以看到電影後半那段精彩的個人舞蹈，舞到不能自我控制，宣洩著無處可逃的怒氣。

「犬」在這部片中也是相當有趣的符號。父以飼養動物的方式教養著三個孩子，但孩子們所不知的是，父在外面的世界裡其實擁有一條上著寵物訓練課程的狗，儘管上了很多次的訓練課程，這隻狗仍很性格的始終不回應父親的喚名，在家園裡呼風喚雨的父，面對一隻狗卻顯得一籌莫展，向來被人類視為下等牲畜的狗，在此時竟比萬物之靈更有自主意識。

我覺得這是一部很精彩的寓言式電影(是因為希臘人特別會說寓言的關係嗎?)可以從非常非常多元的觀點來解讀：教育、宗教、國家、政治...，差不多是任君隨意詮釋的境界了，這是一部衝撞僵化認知的好電影，不管誰看應該都能有一些收穫。

記得今年奧斯卡最佳外語片入圍名單公布時，有網友為「告白」的鍛羽抱不平，認為奧斯卡太過保守。奧斯卡某些角度的確是美國人自爽與保守的，但在看完《犬齒之家》後，我認為本片的入圍才是一個更大膽的突破和選擇。

【LIVE】MR.BIG 2011 Live concert @台北國父紀念館

首先請容我使用全台最專業的Mr.Big資訊BLOG 大人物了沒裡的照片，來傳達我懷舊的心情XDD，Mr.big對我來說就是一個這麼懷舊的樂團，是某一段青春的回憶，從高中買了《Big, Bigger, Biggest》開始，Eric Martin的聲音對我來說就一直是美式Hard Rock的最佳代表，Paul Gilbert、Billy Sheehan、Pat Torpey也都是極具代表性的重量級樂手。

開唱的地點也是選在很復古的國父紀念館，雖然跟TICC一樣是地塹型的舞台(噢！我好愛地塹型舞台)，可是國父紀念館整體氛圍就是讓人有種在聽高中社團成果發表的感覺XD，加上一到會場，滿山滿谷的高中生阿阿阿阿阿阿(大概都是熱音社吉他社的)，怎麼過了十年，大家愛聽的樂團還是一樣？

我覺得Mr.Big應該整團可以得個「保養的最好」的樂團獎之類的，當燈光一暗，《Daddy Brother Lover Little Boy》的前奏響起，我真的不敢相信唱歌的人竟然已經是50歲的大叔， 從我們第十排中間的位子看去，Eric Martin不但造型活像歌舞青春一樣肖年(終於把舞棍阿伯髮型剪去~~)，歌聲的狀態我也覺得維持相當棒！雖然講話時非常沙啞，但一到唱歌模式就是火力全開，硬要挑細緻度與高音的變態度當然不能跟20年前比，不過真的是近幾年8-90年代風靡一時的樂團裡演出最原汁原味的了。

整場演出EM都很盡責的帶氣氛跟觀眾互動，耍耍可愛甚麼的，跟我看92年San fransico的網路Live時一樣，不時像猴子在舞台上跳來跳去！

這場表演經典老梗一個都沒少，PG的電鑽彈吉他、牙齒彈吉他、EM從背後還抱BS彈BASS然後BS吹口琴、大家樂器大風吹Cover《Smoke On The Water》...，突然很感謝現場有一堆年輕人，氣氛真的異常熱烈！

Billy Sheehan真的是一個瘋狂的BASS阿伯，不但造型很酷(超過190身高加上綁起的金髮)，我覺他整個人幾乎就是一人小樂隊了，神乎其技的BASS技巧不說，他的歌聲也非常有特色，我很喜歡他主唱的《Smoke On The Water》。而近年快要變成日本人的Paul Gilbert(ポール・ギルバート)剪去招牌長髮依舊是個型男(我無法形容我在堂本兄弟這個日本綜藝節目看到他有多麼震驚)，演奏時非常陶醉的表情很勾椎，看他彈琴就覺得，吉他，真的外國人的玩意阿...，那種隨心所欲、行雲流水的感覺真是太渾然天成了。(Pat我不熟容我跳過...)

這次一共唱了20幾首歌，該聽到的經典：Green Tinted Sixties Mind、Wild world、Rock and roll over、Addicted To That Rush、To be with you、Colorado Bulldog...都沒少。我個人後來偏好他們偏藍調的曲風，因此可以聽到早期的作品像Alive and Kicking和Merciless真的很開心！讓我一瞬間起雞皮嘎搭的是Green Tinted Sixties Mind和30 days in a hole，情緒太複雜了真的無法形容聽到Live的感受，不過現場實在過HIGH，想哭也擠不出眼淚:DD 嗓子快叫破到是真的。

最後在容我從《大人物了沒》那而轉一張大家很Happy的照片，希望他們永保青春！！多來台灣幾次，Jump into the fire Keep our love alive and kickin'！！

【電影】最後的美麗 Biutiful (2009)

這是墨西哥導演伊納利圖 Alejandro Gonzalez Inarritu第一次放棄多線敘事的作品，儘管如此不代表劇情就簡單清晰，透過哈維爾巴登飾演的男主角鄔巴斯身上，我們可以看到一個在巴塞隆納社會底層討生活的男人，遊走在善與惡、生命與死亡的灰色交界，在得知生命的盡頭那種脆弱無依、即將離開親人的罪惡感與想要為週遭的人奮力一搏的心，氣氛異常誨澀，留下的結局雖沒有說死但也很凝重。還好導演將這片取名為「Biutiful」，即英文裡的Beautiful，人說「人之將盡其言也善」，我想行為也是如此，鄔巴斯不是一個多正直或了不起的人，他對感情與生活常常呈現一種無能為力的困獸之鬥感，但在生命之終，他的眼神裡的確閃爍著微弱的光芒。我很喜歡頭尾呼應交給女兒安娜戒指的一段。

這部片也很難得有著「靈異」的設定，鄔巴斯被設定為一個通靈者，能夠與死者交談，電影中也有一些靈異的片段，但運用的不會過火，反而在整部情緒稍嫌低落的電影中增加了一些刺激的元素。電影的最後，導演說他將這部電影獻給他的父親，電影裡對父親形象的刻劃、生者與死者間的感應、對生命與愛的掙扎，其中欲透露的情感企圖不言可喻。

從《愛是一條狗》到《最後的美麗》，導演伊納利圖對拉美底層小人物的社會百態有頗多的研究與著墨。網路的影片介紹裡說明了電影裡主角居住的地區是Santa Coloma的拉化爾區，是巴塞隆納著名的多民族區，居住的人種包括塞內加爾人、中國人、巴勒斯坦人、吉卜賽人、羅馬尼亞人及印尼人等，這群新移民和平共處，從事合法或非法的勞動工作，為貧窮而奮鬥著，而雇主對他們的剝削電影裡也有殘酷的描寫。

這部片基本上是哈維爾巴登的演技個人秀，與我很喜歡的《險路勿近》完全不同氛圍，他憑本片拿到坎城影展的影帝，在奧斯卡雖鍛羽而歸，但能以非英語片入圍演技獎真的很厲害，情緒非常之內斂豐沛，眼神好有穿透力我覺得導演應該拍他的特寫完全是拍到欲罷不能了。不過之後我會想看看他跟小潘潘的定情之作《情慾巴塞隆納》，希望可以來一點哈維爾巴登比較黑皮的形象 :D

【Album】Kings Of Leon 《Only By The Night》

我常常會覺得這年頭英美兩地的搖滾樂團很錯亂，強烈英搖復古Low-Fi風情、後龐克復興的樂團有不少是美國團；而許多帶著Hard Rock、7-80年代藍調味的是英國團。

Kings Of Leon就是一組我覺得熱愛英搖的少年少女應該會很愛的正宗美國田納西四兄弟家族搖滾樂團。在他們得到2010葛萊美最佳搖滾樂團、年度最佳唱片、最佳搖滾歌曲三大獎之前，我沒有聽過他們大賣了600萬張的《Because Of The Times》，會讓我想買這張《Only By The Night》跟獎座加持也沒啥干係...，純粹在文宣上看到他們「受到民謠之父Bob Dylan的賞識而邀約加入巡迴行列」以及「贏得英國Britpop先鋒部隊Oasis的靈魂支柱Noel Gallagher公開稱許」、「Pearl Jam等大團也推薦不已」這幾行關鍵句...(我真的是盲目的無可救藥的消費者)。

《Only By The Night 歡樂今宵》一輯以前奏帶著些許電氣味的《Closer》打頭陣，大量效果器的運用與吉他音牆交織出一種疏離的氣氛，加上主唱Caleb沙啞的很有特色的破破嗓音，預告了這是一張氣勢很磅礡的專輯。

效果器延伸到第2首《Crawl》完全得恰到好處，他們這類型中快板的歌曲都表現得很棒，這首的吉他SOLO很有70年代的風情我很喜歡，第二段主歌一結束馬上出現拔高的吉他音色，在你起雞皮嘎搭的時候嘎然而止，順接第三首賣翻的《Sex on fire》，這是他們歷年來賣得最好的單曲，我喜歡Caleb在這首帶有悠揚兼具沙啞的powerful唱腔，這樣悠揚的唱腔延續到第4首榮獲葛萊美加持的《Use Somebody》，主歌的情緒醞釀，累積到副歌的磅礡大器，相當很有層次。


我已經很久沒聽到一張專輯前四首歌就這麼精銳盡出的，(其實第5首也很好聽)，而且這張《Only By The Night》就是那些老搖滾屁股向來愛臭彈的「專輯當然要整張完整聽概念，精選輯算三小」的最佳映証，歌曲與歌曲間連接的相當緊密卻巧妙，許多元素都有相互沿用，整張專輯音樂架構好完整，在網路上單首單首聽，真的少了樂曲間延續性與鋪陳的力道實在很可惜呀！



整張專輯我最愛的是《Notion》，這首的主旋律寫得很棒很奔放記憶點很高，Caleb的歌聲的特色也展現無遺(在一些咬字會有特殊的沙啞喉音)，帶有一點甜美愉悅的氛圍，bassline也很流暢，雖然曲子很短不到三分鐘，但對我來說是整張專輯的一顆小星星*_*，是讓人想要回味再三的那種。

平均年齡不到30歲的Kings Of Leon，因為負責主唱、BASS與鼓的Followill三兄弟從小跟著傳教士父親遊歷各地，遂將這股浪跡天涯的能量、旅途中的所見所聞寫成曲子，在搖滾的外衣下有著很豐富的人文意象。

專輯最後以慢版的《Cold Desert》作結束，有一種旅途結束、暮色降臨的淡橘色氣息。整張專輯很短大概只有50分鐘吧，卻讓我前一陣子repeat再三，完全愛不釋手，一直到有點膩了才肯善罷甘休的偏執著。

【電影】更好的世界 In a better world (2010)

感謝FINN大的好康道相報，讓我有機會參加電影《更好的世界》的首映，欣賞這部熱騰騰今年的奧斯卡最佳外語片。等進場的時候，剛好看到預告，覺得議題有點沉重，加上首映時間滿晚的是晚上九點，很怕看到睡去...，但幸好，導演Susanne Bier的敘事功力一級棒，節奏也掌握的很好，大小演員也都表現的很搶眼，從頭到尾我都看的相當專注。這片上映之前台灣媒體一直說這片是丹麥版的「告白」，把焦點放在校園霸凌議題上，我覺得其實兩部片不僅味道不相同，連中心思想也不太一樣。

《更好的世界》用了兩軌相對寫實的劇情，去對照出當大人與小孩兩個世界裡遇到無法逃避的暴力事件時，他們所選擇處理的態度與手法。裡面有很多相對應的片段、無法言喻的矛盾，讓劇情有很多的反諷跟反思。

現代校園的霸凌事件頻上媒體版面，我不知道大人(或身為父母的人)是用什麼樣的角度看待這些事件，可能有些人會覺得小孩子打打鬧鬧稀鬆平常、自己也是這樣打鬧長大；有的成人則是動則得咎、一點雞毛小事就想鬧的驚天動地；更有許多大人在教導自己小孩面對暴力事件時只求自保與息事寧人，忽略了正義與道德存在的價值。

在《更好的世界》裡，我們可以看到不一樣父母在面對孩子遭到霸凌時的不同教導態度，那些方法有用嗎？沒有，電影兩個父親要不是講些言不及義的「冤冤相報何時了」的清談、要不就是天高皇帝遠給些慰藉馬上又跑到非洲出差。兩位父親都選擇了某種逃避的方式，也小看了孩子世界的複雜程度。

學校雖然小，但其實就是一個真實社會的縮影。所以我們才會看到當克里斯丁的爸爸跟他說：「他打你、你打回去，你難道不知道戰爭就是這樣引起的嗎？」克里斯丁老氣橫秋的說：「你第一次把對方打個夠慘就不會了。」克里斯丁在學校面對霸凌時用展現「強勢力量」的方式保護了自己與同伴，他就覺得可以用這樣的方式去面對整個世界。之後他與伊利亞的友誼遇到分歧時，克里斯丁也同樣使用了強勢的言語暴力或行為疏離，去得到他想要的支持。

我覺得這部電影很有意思的地方是，挑戰成人面對惡時「孰可忍、孰不可忍」的道德界線。

伊利亞的爸爸安東是常年在非洲行醫的醫生，他看盡生死、了解到命運的無常，當面對一般社會的紛爭(像伊利亞的弟弟在公園跟其他小孩搶鞦韆，結果對方爸爸反而衝過來揍人)，他選擇退讓的方式，並告訴自己的小孩，對方打我的臉，可是他其實是輸了。雖然安東如此告訴著自己的孩子，但在小孩的眼中你挨揍就是弱者，他們沒有辦法去體會「雖然我被打，但我是對的，我才是贏家」的正義觀。而安東在挨了巴掌後返家，其實內心也是怒氣難消的。

安東在非洲行醫時遇到當地惡霸(半強迫式)的求醫，也許是醫德使然、也許是為了保護整個醫療站，他不顧反對醫治了對方的腿，這樣一個看起來理智且道德觀中立的人，卻因為對方離去時的態度依然惡劣甚至出言挑釁，安東不但把對方趕跑、甚至放任當地居民把其活活打死。對照到丹麥的劇情，兩個小孩因為不滿公園惡霸兩番的動手動腳行為，決定在對方的車下放個炸彈給他教訓，兩個事件有著同樣的憤怒(甚至帶著報復)的情緒，卻有著不同的結局。

其實不難理解《更好的世界》可以擊敗其他眾好片得到奧斯卡與金球獎最佳外語片的原因，它符合主流影展的大器品味(犬齒之家雖然我很愛，但相對就是風格太強烈，很難拿主流獎項)，拍攝的角度既深入也宏觀，帶有自省的意味但不說教(導演Susanne Bier也說了，她是丟出問題，解答各在人心)，要如何邁向「更好的世界」是每個人都必須去歷練的生命課題。

看這片還有一個很享受的地方，就是每個景都很漂亮！自然景觀就不用說了(為什麼裡面的丹麥家庭大家都有自己的湖...)，室內景更像是IKEA型錄一樣，北歐風萬歲阿~~~兩個小男主角樣子都很可愛，演技也不錯。

【電影】怪ㄎㄚ情緣 Secretary (2002)

「秘書」這個職業的社會形象有時候充滿了遐想與暗示，主管與秘書間的權力地位常常充滿著一種挑逗的互動，如果再把這樣的角色設定套在一個關於SM的愛情如何萌芽的故事上，感覺一不小心就淪為樣板的色情片了(而且是很老派的那種)。

但《怪ㄎㄚ情緣》的巧妙之處在於，整部片充滿著黑色幽默的氛圍，將情色的感覺掌握得很好，而且不只是流於描述施虐者與被虐者他們「喜歡被對待的方式」而已。這部片很細微地探究了在這樣的關係下產生的深厚感情究竟來自於何處，這讓我們清楚的知道，沒有一對愛侶的產生只是單單因為「怪癖」相投，兩個人能共同分享最甜蜜的黑暗面，那是因為其中都是愛啊！(但打屁股那段還是很經典一定要看就是了XD)

我很喜歡裡面女主角哈樂薇說的一段話：「無論如何我似乎永遠都在受折磨，我不知道為什麼會這樣，但是現在，我不再害怕那些受傷的感覺了。我找到能與我一起經歷這些的人，以我覺得對的方式愛著，我希望他知道，我了解他此時內心也是同樣的煎熬。」

這段哈樂薇穿著婚紗卻逃婚，進行有點搞笑的辦公室絕食運動時的內心口白，讓我覺得很感動。

強勢的律師事務所老闆Edward利用主雇關係，一方面挖掘、解放了女主角的本性，一方面也為自己的慾望內心掙扎不已。我覺得有一點被虐性格的人，似乎相對也會展現在對生活茫然這件事情上。女主角因為有自虐自殘的病史從療養院出院後，因為怕情緒失控所以想要追求無聊與保守的生活，卻反而更無法處理突然發生的情緒波動。因為老闆的一句「准許」：他允許她提早下班、他允許她下班散步回家，女主角覺得得到了老闆的允許，生命有了方向，帶著這個Permission，就好像對方在我們身邊一樣。

如果可以接受這片的劇情，應該會更喜歡Maggie Gyllenhaal這位女演員吧！她長的說真的不算漂亮，但修長的身型以及獨特的氣質，非常有個人魅力，她在「口白人生」裡的表現也很討喜。

相對的她在《黑暗騎士》這種商業大片裡我就覺得有點黯淡，演技沒有發揮自然也拍不出她漂亮的那一面(所以有網友看了黑暗騎士覺得Maggie長相不優我也很難反駁...)，Maggie在這部片裡色相犧牲不小，劇情後半段小秘書反客為主的真情大告白很精彩。

男主角James Spader的氣質也很特別，把變態主管的控制慾想發作不能發作的小崩潰感詮釋的很棒XD，年輕的時候也是美男子一枚，現在電影作品很少大部份都是在演影集(還拿了兩次艾美獎最佳男主角)，Google了一下他現在的樣子...果真往事只能回憶，又是大叔一枚阿~~。

【2011金馬奇幻】愛是一條狗 Amores perros (2000)

第一次看阿利安卓崗札雷伊納利圖執導的作品《靈魂的重量》時，在當時我青春的心靈裡留下相當震撼的感受，可能是因為那是我初次接觸到這種三線交錯、且前因後果剪輯錯置的劇情片吧(現在這樣的手法其實算是很常被運用了)，所以印象特別深刻。

《靈魂的重量》整部片探討生命的消逝與誕生、命運偶然間的交錯與擦撞出不同的軌跡，在人們心中產生的那些有形無形情感重量的消減，主題相當凝聚，而導演彷彿正字標記般的多線劇情拍攝手法也把電影烘托得很有層次。這次看到片單上有《愛是一條狗》就馬上列在必看List裡了，更何況裡面還有Gael Garcia Bernal~!

《愛是一條狗》透過三個不同年紀與社經地位的男人(與他們的狗)述說了三種面對愛與生命衝突間的困境。有趣的是，三個男人都與他們的狗挺相似的：要愛不要命的年輕男孩與他的常勝軍鬥犬/一心想討好情婦的雜誌社總編與情婦的心愛寵物西施/背負過去無顏見妻女的拾荒老人與流浪狗群。

中文片名清楚點出了貫穿全片的「狗」的意象，英文片名則翻的更有想像空間：「Love is a bitch」，愛不只是一條狗，還是一條母狗。愛情充滿謊言與背叛、狂熱與疏離，在各種情愛關係裡我們用自己的方式付出，作賤式地拋棄自尊自我，選擇自作自受、作繭自縛或自我救贖。電影最後一句「我們是我們所失去的」說明了一切。

這個三段關於「狗男女」的故事，因為一場嚴重的車禍，讓原本各自愛中茫然與盲目的關係，瞬間產生急遽的變化。有趣的是，《靈魂的重量》裡也是一場車禍串連起一切。

車禍，或生命中不可預知的意外，是阿利安卓崗札雷伊納利圖最愛使用的元素，未知的衝擊與考驗，讓劇情忠實呈現命運瞬息萬變的無奈。這三段關係最後都留著開放式的想像，未來不知何去何從的茫然感讓人很惆悵。

看片單介紹，這部片是導演阿利安卓崗札雷伊納利圖的處女作，以初次執導的角度來看，實在是相當驚人啊！因為無論是攝影運鏡美術、劇情的安排、演員表現都很精彩，沒有新手導演痕跡，同時也入圍了當年奧斯卡最佳外語片。

可惜片子兩個半小時還是長了點...加上新光狹小的座位，看完瞬間有種得了僵直性脊椎炎的僵硬感(不過他的電影片長都相當長就是了)。

此外不同生命間擦撞的巧妙度、主題頭尾呼應的凝聚力以及敘事的精準度，我覺得在後作《靈魂的重量》裡可以看到更精彩的演繹(我個人沒那麼愛《火線交錯》)，在《愛是一條狗》裡則看的到導演開創個人風格的強烈企圖。

【2011金馬奇幻】阿蒙正傳 Simple Simon (2010)

《阿蒙正傳》是這次金馬奇幻影展的秒殺片，果然~~~影展還是要看幾部這種歡樂片呀！全場笑聲不斷，結束時還有久違的掌聲呢，喜歡不一樣的愛情故事的人，很推薦本片。這部的劇情，對到我這個《The Big Bang Theory》(宅男行不行)的big fan，一言以蔽之就是：北歐版+主角們都長得比較好看的TBBT阿鄉親！！！

男主角Simon是一個有亞斯伯格症的數理天才，把各種物理哲學、數學算式、天文科幻奉為生活的圭臬，喜愛科幻片(特別是星際大戰)、有強烈的秩序感與規律感不容被破壞、不喜歡與他人交際或友情感交流(更別說女友)、活在自己的小世界、不在乎他人的感受，天啊！這不就是瑞典版的Shelton嗎？

衰尾道人哥哥Sam活生生就是小保母Leonard、活潑不受拘束的Jennifer雖然跟Penny的迷糊性感不同，但與Simon的互動一樣也是全片的亮點。(忍不住再說一次：這不就是瑞典版的TBBT嗎？寫到這忍不住又去看了一集的TBBT)

不過因為電影的時間短短就80幾分鐘， TBBT演了四季，相對上有較長的時間去鋪陳每個人的性格與相處間的成長與變化，對我來說《阿蒙正傳》裡人物性格描述就相對沒有那麼深刻。不過《阿蒙》讓觀眾心花朵朵開的地方，除了演員相對好看很多(誤)之外，最後讓Jennifer跟Simon之間蹦出了一點愛的火花，是結束也是開始。讓我這個對於Shelton和Penny的逐漸變成母子關係而感到傻眼的shipper稍微感到滿足。

Simon每一次遇到情緒上的挫折都會把自己關在自以為是太空艙的鐵桶裡，幻想自己在外太空，外太空對他來說是安全的，因為一切都照著引力的規律，外太空很平衡、很平靜、不帶感情。

這讓我想到一集Leonard和Penny大吵，Shelton躲到漫畫店自己佈置了一個有漫畫、機器人的小王國的故事，Sam和Leonard是標準溫情主義者，會順著主角的毛摸、陪他們玩角色扮演的遊戲、又哄又騙把事情解決，他們像苦口婆心的奶媽容忍照顧著一切，卻會在最後因為承受不了而大暴走；Simon/Shelton他們真正需要的是像Jennifer/penny這樣的規矩破壞者，她們通常有大辣辣不拘小節的性格同時又有婆婆媽媽的熱情、打破對事物既有的侷限，重新認識自己與認識世界。

飾演主角Simon的Bill Skarsgard ，是個有點怪怪看久了卻也順眼的小哥。《阿蒙正傳》除了劇情用比較輕鬆逗趣的方式去呈現人際關係障礙者的生活百態，也呈現了非一般愛情故事的獨特建立模式。

攝影跟美術的呈現非常北歐風！色彩明亮乾淨，隨時都有大片大片的陽光灑下，音樂也是充滿Indie味的民謠風格搭配得很好很有味道，動畫的部分則是整部片「奇幻」的來源，也製作得很精緻卻又符合片子可愛、生活化的感覺。《阿蒙正傳》代表瑞典入圍今年奧斯卡最佳外語片的前九強，如果喜歡這片的話，真的強烈建議可以接著看 TBBT :D

【Album】Band of Horses 《Everything All the Time》

我是在心情鬼打牆似的低潮下聽到這張專輯的，每一次第一首歌《The First Song》的吉他前奏一下，所有的鬱悶情緒都大瀉千里般的隨著音樂流出，聽完一輪，心情也像是被洗滌過一樣的輕盈。

當初會找到Band of Horses的音樂，是在那個瘋狂迷戀Grunge的時光，吃飽撐著似的聽了一堆大的小的西雅圖樂團，然後我聽到了他們最有名的《The Funeral》，記得好像是某個汽車廣告的主題曲之類的，非常Indie感的抒情搖滾之作，前段氣氛疏遠飄渺，副歌吉他音牆飽滿情緒激昂，很有層次感的一首歌，主唱Ben Bridwell的聲音實在很不美國，很知性，有時空靈有時高亢。

雖然跟我當時想聽油漬的心情很是有點違和，但我還是買了他們的首張專輯《Everything All the Time》，就跟專輯名稱一樣，這張專輯的作品對我來說有一種尋常存在的雋永感，不管是上網的時候聽、趕稿的時候聽、心情很差或心情很好的時候聽、一早起床很累或晚上回家搭捷運很累的時候聽、坐車時把窗子搖下來吹風聽、或一個人在公園散步時聽...不管時候聽都覺得很適合。專輯側標寫這是一張很有印象派風情的專輯我同意，每首歌都讓我的腦海浮現某種自然與情感交織的景致，生活中的浮光掠影。


Live版的The Funeral，根據有聽過現場演出的網友說，Band of Horses的現場滿有感染力的，能現場聽這麼氣氛飽滿的歌，情緒應該會滿到胸口吧！


專輯裡的歌曲快慢參半，快歌我非常喜歡《weed party》這首帶有西部鄉村風味的輕快節奏歌曲，會讓人聯想到一些美好的經驗與時光，另外中快版的歌曲像《The Great Salt Lake》、《Wicked Gil》都有一種懷舊式的愉悅。


慢歌的部分除了《The First song》、《The Funeral》是代表作，我很喜歡《I Go to the Barn Because I Like The》、以及最後一首《St. Augustine》，像是坐在花園裡唱歌般的清新民謠感，為專輯畫下一個可愛的句點。

真面目，馬的團的各位其實都是大叔...大叔中的大叔(但音樂好有氣質聲音好夢幻怎麼回事...)，他們2004年成立於西雅圖，被地下音樂大廠 Subpop簽下發了《Everything All the Time》，2010年10月發了第二聲專輯《Cease to begin》。

有些樂評說如果你喜歡像Arcade Fire這類型的音樂，也會喜歡他們，但光就音樂兩相比較下我個人比較喜歡Band of Horses，Arcade Fire比較像會創作出瘋狂奇想之作的鬼才藝術家，而Band of Horses的大叔們則像是趕羊的詩人，更自在灑脫。