【電影】親密 Claustrophobia (2009)

《親密》是曾經寫出《甜蜜蜜》、《男人四十》等經典電影的天后級編劇岸西，自編自導的作品，從電影中文片名就能感受到，《親密》應是一部充滿現代感且貼近日常生活的小品。覺得這片被淹沒在一堆鏗鏘有力的商業電影之中實在非常可惜。

岸西原本將這個劇本賣給杜琪峰，但是因為自己實在很喜歡(可能杜短時間也沒有拍攝的計劃)，所以又把劇本買了回去，自籌資金將之拍攝完成。

這部片是塗翔文電影課'上介紹的，當時看了第一場戲，非常驚艷，如果是對劇本撰寫有興趣的人，我想會是非常值得研究的範本。全片只有七場戲，發生在七個場所，七個時間，講述同一個辦公室裡的五個同事們彼此間可明眼看穿或不可言說的各種關係，因為只有七場戲，要呈現甚麼樣的劇情與對白，才能精準又深刻有韻味地刻劃角色性格、以及人物之間的關係，是功力的展現。

除此之外，《親密》的劇本最為人津津樂道討論之處，在於倒敘法的使用，岸西刻意地降低戲劇感，把整部片的節奏與氛圍日常化到最大，在開頭第一場戲最後，湯少與阿佩在車上爭吵，觀眾還在從兩人爭吵的「親密程度」推測兩人關係時，第一場戲就結束了，而且導演告訴你這就是結局，接下來的每一場戲，依序往回倒推一週前、一個月前、兩個月前...，最後則是一年前的事，我們懷抱著「他們怎麼了」的心情在倒敘的過程中觀察每個人心境、態度甚至是造型上的變化，追查戀情發展的蛛絲馬跡，看各種關係有的從陌生到熟悉、有的從熱絡到疏離交錯產生著，就像是我們翻著自己過往的照片回憶般一樣有趣。

然後到最後一幕，你又會想起電影一開始的第一場戲，那個車子轉了個大彎開走的無聲結局。一個無限輪迴的觀影思考和感受。

這是一部很當代的電影，除了美學與結構外，岸西也用很有趣的角度，描繪當代香港社會意象。當人的肉體被迫在狹小的空間裡感受親密的溫度時，我們心裡想的又是什麼呢？

《親密》取了個有趣的英文片名Claustrophobia，是幽閉恐懼症的意思，中英片名間形成了相當反諷的對應。現代人很渴望在心靈上與人親密、被人理解，但過度狹小的生活空間卻讓我們疲於與人相處，狹小的辦公室、擁擠的電梯、到處都在排隊的餐廳、擁擠的車子，我們肉體很靠近，卻越來越懶得交談，心的距離也越來越遠。電影中有很多只有畫面沒有對白的片段，像是開頭湯少送阿佩回家的鏡頭，或是阿佩與計程車司機在大雨中的鏡頭，這些片段都很安靜也很長，無聲的部分讓孤獨的意念蔓延，也為這部結構很現代、議題很當代的電影再多了份開放式的想像空間。

我想最讓我們感到孤獨與不解的事實是，親密與疏離竟是如此靠近，如此一體兩面。

飛機上的電影院：超能失控 Chronicle (2012)、顫慄黑影 The Woman in Black (2012)

搭飛機時藉由大看電影來消除空壓帶來的不適和消磨時間真是爽快，除了偶爾會被航空廣播打斷這個小缺點外，現在飛機上的電影片單都好新喔！(大心) 要不是飛航時間不夠長，還真想多點幾部來看看阿。

《超能失控 Chronicle (2012)》★★★★

《超能失控》的題材很有趣，但也很容易拍得很老梗，劇情讓我想到大友克洋的經典漫畫《AKIRA》，探討的議題也是近年來許多超級英雄電影的共同中心命題：到底是能力越大、責任越大？還是既然這個世界負我、將之毀滅也無所謂？ 這是七年級新銳導演Josh Trank 的第一部作品，將家庭破碎的平凡慘綠少年意外獲得超能力的故事，拍的大膽又有新意。我特別喜歡導演穿插運用手持攝影的方式，合理且有突破的視角，比起一些恐怖片試圖用針孔監視器影像營造出令人不耐的偽紀錄片風格，《超能失控》的手持鏡頭處理更顯出「boys will be boys.」帶有年輕氣息的設計感。

劇中三個主角在獲得超能力後，透過不斷的鍛鍊，也能移動和操控各種物體(包括自己)，因此攝影機會合理的出現一些漂浮在半空中的視角，俯視三人間的互動與關係，相當有趣。 影片後半段20幾分鐘拍得轟轟炸炸讓人情緒高漲。一部視覺爽片還能纖細融入道德議題、破碎家庭問題，實屬難得，有網友說，覺得安德魯暴走後犯案手法不夠高明，我倒覺得這才是重點，安德魯不是鬱鬱寡歡的不得志天才，他就是一個自卑且有情緒障礙、家庭失和的平凡青少年，可能是你也是我，他並不想背負責任成為甚麼英雄，他只是有點自私地想好好鞏固心中想保護的東西，我認為這樣的設定在寫實不過了。

《顫慄黑影 The Woman in Black (2012)》★★★☆

 

片頭充滿維多利亞時期風格的視覺設計我很喜歡，發條玩具、瓷器、古老的木頭家具、蕾絲洋裝...，那時看預告覺得挺有愛倫坡的風味，不過《顫慄黑影》做為丹尼爾雷德克里夫脫離哈利波特後的第一個角色，我個人覺得不算太成功，可能因為電影節奏有些緩慢，丹尼爾雷德克里夫的表現也還殘存在「後哈利波特」時期的可預期範圍裡，不差但也不驚艷。

倒是劇本還挺有意思的。原著劇本《The Woman in Black》改編自英國小說家Susan Hill 1982年的暢銷經典小說，原始版的故事是老年的男主角Arthur Kipps帶著回憶的口吻向村民講述年輕時的一段恐怖經歷，帶有黑色寓意和宛如籠罩在濃霧莊園的蔓延恐懼讓這個故事大受歡迎，有非常多電影、電視和舞台劇的改編版本，其中最讓人津津樂道的是各版本對於這個故事各有詮釋方式，結局也相當開放。

搜尋了一下，發現舞台劇的後設劇本相當吸引我，老年的Arthur Kipps希望透過舞台劇演員飾演的年輕Arthur Kipps重溫這段經歷，做為糾纏多年詛咒的了結，整齣舞台劇只有2個演員飾演全部的角色， 並將「黑衣女人真的在戲院中現身了」的梗玩得很巧妙。

電影版則是拿掉了所有回憶手法的部分，直接由年輕的Arthur Kipps上陣，我想這與結局的選擇有關。電影的ending的確是悲哀，但我不認為這是一種命運式的詛咒，很明顯的Arthur Kipps並沒有完成律師事務所交辦的工作，失去老婆、失業、無法守護兒子的無力感...，無法脫離現世的絕望泥沼，究竟甚麼才是幸福呢？最後一家三口團聚的暗示，留下了驚悚卻又有一絲溫暖的詭異感受，也許這是編劇重新給黑衣女人的一點平反：或是她是福不是禍。

【2012 城市遊牧影展】魚骨傳奇之陽光明媚的每一天

那是一個看起來很現代，但其實甚麼都還是劃分的很清楚的年代。

黑人的社區白人的社區、黑人開的交流道白人開的交流道、黑人的學校白人的學校...，甚至連音樂也是壁壘分明，龐克、搖滾、金屬、放克、節奏藍調、雷鬼...，黑人玩的音樂白人玩的音樂鮮明地彷彿一種身份認同。

然後，總是有那麼一群人願意衝撞疆界，將不可能化為可能。1979年成立、並在90年代的LA大放異彩的魚鼓樂團(fishbone)，彷彿是一個美麗的混血異類，儘管白人覺得他們就是黑人、黑人同胞又覺得黑人怎麼會去搞樂團真是不三不四，腹背受敵，但他們似乎生來就是要顛覆傳統的。

「魚骨就是原創。」

一首歌裡就融合一切音樂類型的魚骨，是許多在90年後崛起的LA超級樂團如：嗆辣紅椒、Jane's Addiction、 No Doubt所尊崇不已的偶像。關史蒂芬妮不諱言魚骨的主唱Angelo Moore舞台演出對她的影響，而貝斯手John Norwood Fisher更可以說是Flea的加強版(Flea講到他也是流露出完全性的崇拜)。

我很喜歡這首和紀錄片同名的《Everyday Sunshine》，是整個樂團最初的樣貌，也可以看到每個團員的特色。其他著名單曲各有特色，《Sunless Saturday》是樂團搖滾節奏的展現、《Fight The Youth》的放克風味完全讓人著迷。魚骨樂團現場演唱極具煽動性，絕對是現場比CD好聽的一團，雖然我覺得主唱Angelo Moore真的是個肖ㄟ，一會兒爬上吊燈、一會兒飛衝入人群、還要一邊唱歌一邊吹奏SAX非常忙碌，我想無論誰跟他同團都會折壽10年吧...。
 樂團裡雖然有主唱的角色，但其實表演中每個人都可以唱，樂團成員的角色結構是很有彈性且流動的，此外除了搖滾的基本樂器編制外還加上SAX和小號長號等頗具藍調與爵士風情的元素，當樂手一字排開，光用視覺看就能感受到躁動狂熱。

可能在LA發跡的緣故，魚骨樂團也受到很多好萊屋明星的喜愛，像是Jason Lee、Tim Robbins，甚至連這部紀錄片都請來名字也具有諧趣意義的勞倫斯費許朋Laurence Fishburne做口白。看起來一切是這麼地引人注目，然而他們不是天之驕子，一路走來刻苦異常。

除了從80跨到90年代這段時間經歷了LA最動盪的種族黑暗期，幾個團員間的紛爭(比八點檔還離奇的劇情：內鬨、互告、邪教...)，也讓這個樂團最後只剩下兩個靈魂人物。現在的魚骨經歷高峰低潮，面對少少的觀眾也很坦然、熱情的場子一樣全力以赴，雖然跟年輕氣盛時是不一樣的天空，但終究又是陽光明媚的一天。

這次的遊牧影展讓我很滿足，看了也了解了很多現在青年次文化的源頭，身處在這股潮流中的我們，能夠知道一切所來於何、而不是盲目地忙著狂熱讓我感到踏實。我也感謝這些乍看像是彗星稍縱即逝的藝術家，他們與世界摩擦在宇宙間燃燒自己的光芒，留下的不只是一點塵埃，而是給了我們沒有極限的無窮的想像。

【2012 金馬奇幻】衝破黑暗谷(1975)/沙漠妖姬(1994)/猜火車(1996)

這次金馬奇幻影展我除了《花神咖啡館》，其他都選擇了看過整部或片段的舊片，單純懷抱著想再一次在大螢幕上看數位修復版的心情。不管現在DVD多便宜、電視頻道多方便，我依然喜歡上電影院看電影，那是不管家裡的影音小劇場多麼豪華都比不上的純粹經驗，既然是喜歡的電影，似乎就該好好在大螢幕完整地享受一次。

《衝破黑暗谷 Tommy》(1975)

最近阿湯哥的《搖滾年代》打得很兇，但如果要說搖滾歌舞片的開山始祖，我想《衝破黑暗谷》不是第一也是第二，改編自The Who合唱團1969年的同名專輯，裡面大牌雲集，傑克尼克遜、吉他之神 Eric Clapton等人都參一腳，The Who的主唱Roger Daltrey則是飾演長大後的Tommy。裡面沒有任何一句用講的對白，所有對話都是用各種STYLE的搖滾樂唱出來，算是保留了音樂歌舞片的傳統、但在當時又用很前衛的方式呈現。

但這片可不是大家出來唱唱歌喊一下ROCK萬歲的電影，講的主題既深且廣。透過一個小時候無心目擊一個天大秘密，從此變得又聾又啞的男孩─Tommy不斷尋求治癒的過程，討論政治、社會壓力、救贖與出口、性解放與迷幻藥，批判偶像與宗教、藝術的成功與失敗、狂熱與判離，電影中充滿各種隱喻，各種符號，無論在內容或是視覺表現上都是一部相當標準的Cult片。但我再看一次的感想是，就算完全不想搞懂裡面探討的議題，單純當作一部光怪陸離的男孩成長歷程也挺有意思的。

《沙漠妖姬The Adventures of Pricilla, Queen of the Desert》(1994)

坐在我後方的男士似乎把這場電影當成懷舊的8-90西洋歌曲KTV，幾乎電影中出現的每一首歌都扯開喉嚨歡唱，但算了，我們怎麼好意思說人家呢？因為裡面的歌每一首我們也都會唱阿(掩面)。對我來說《沙漠妖姬》裡有一個有趣的點是，開場雨果威明表演的那首《I've Never Been To Me》，我第一次聽到這首歌是小學的年紀，而且是周慧敏翻唱的版本(再度掩面)，那時不諳英文的我只覺得曲調好好聽阿，沒想到歌詞竟然是關於一個家庭主婦暴走的心路歷程。

很久以前在電視上看《沙漠妖姬》的時候，那時只覺得這三個男的瘋了，這次把握機會在大螢幕上再欣賞一次，依然覺得這三個人真的很瘋狂，而且很OVER、做甚麼都極度OVER(這時候應該要很應景的學Drag Queen翻白眼)，動不動就穿著小林幸子STYLE的華服站在巴士車頂、並且浪費地噴灑著金粉或煙霧(那些東西不是應該用在正式表演上嘛！！)。

而且後來陸續看過雨果威明、蓋皮爾斯的作品都是一些很男子氣概的角色(不乏一堆動作片)，更對他們在《沙漠妖姬》裡的豪放演出刮目相看(真演員啊！！)雖然三個人的Drag Queen扮相都相當嚇人，但角色刻劃用心也讓他們真誠地可愛， 網路上影片介紹寫著：這是一部風格「清新」的澳洲電影，讓我不禁莞爾(沒想到Drag Queen也可以跟清新扯上關係...)，但看完心中的確有著一股相當清朗的心情。

《猜火車 Trainspotting》(1996)

「葬禮之後，就跟葬禮之前一樣，他們對生命依舊一無所知。」

再看一次還是好好看，連小說都快會背的我阿，但還有甚麼比的上伊旺麥奎格那個鮮明的英國Junkie符號呢，光看前面那一段Choose List就值回票價。

以前不懂猜火車的意思，因為電影裡完全沒出現Trainspotting的畫面，不過那也無所謂了，這部片的本身就是Trainspotting。

【2012 金馬奇幻】花神咖啡館 Café de flore (2011)

「對她來說，最困難的，是要接受一個愛了二十年的人，並不是她的靈魂伴侶。」

曾以《愛瘋狂》探討同志間父子議題一鳴驚人的法國導演尚馬克瓦利，這次金馬奇幻影展打出的扛鼎作《花神咖啡館》依舊讓人驚艷，有著法國人一貫對愛情相當獨到的觀點卻又那麼真誠，大量討論了愛情裡最讓人感到罪惡感的部分：移情別戀，到底是不是一種錯誤？

光是海報設計就很有意思，兩個故事主線各有一款海報，同樣都是擁抱的姿態，但細看卻能發現都多了擁抱的手，像是暗示了劇情：兩條命運線將緊緊的牽引與羈絆著。

兩個看似發生在不同時空的平行故事，一邊是同樣熱愛音樂的青梅竹馬走入婚姻後卻面臨了低潮、一邊是獨自撫養唐氏症寶寶的單親媽媽，導演將兩邊巧妙的連結與對應，彷彿命運中某種不可抗拒的召喚一樣。

我很喜歡Johnny Depp女友Vanessa Paradis〈我真是沒禮貌阿，她演的那麼棒我還是叫她強哥的女友，囧〉那一線的故事。當開頭加拿大DJ在開頭前往熙來攘往的機場時，我注意到前景人物有一群唐式症朋友經過，原本以為那是一個尋常隨機的鏡頭，沒想到Vanessa Paradis的故事就是一個單親媽媽與她的唐氏症孩子的故事，是電影裡很少見的題材，對我來說是個驚喜，而Vanessa Paradis也將這個堅強卻沒有辦法接受孩子終將長大的年輕媽媽的喜悅與失落痛苦掌握的很細膩， 與唐氏症小演員間的互動非常真誠且觸動人心。

而DJ那一線的吸睛焦點，我整個放在飾演DJ青少年時期的演員Émile Vallée身上啦，其實我覺得他跟年長的DJ長的不是很像，但不管啦，完全就是個黑髮小帥哥阿。

音樂非常棒，搖滾原素向來是導演尚馬克瓦利非常擅長的，《花神咖啡館》裡大量迷人的迷幻搖滾，在搭上優異的跨時空交錯剪輯，把電影整體氣氛烘托地扣人心弦，我很喜歡DJ前妻幾幕噩夢和夢遊的場景，只見無聲的吶喊加上光影閃逝，張力十足非常攝人。

「別擔心，我跟你爸爸是天作之合，我們不會分開的。」

整部電影給人一種情感纖細豐沛的感受，無論是深沉的情緒或是輕盈的幽默感都掌握得很好。我必須承認我沒有很喜歡「前世今生」為主題的電影，撇除靈媒的部分，我會把這兩線當作一種單純的對照，都是在討論愛情最殘酷的轉移和失落。我特別喜歡導演描寫DJ因酗酒問題參加治療協會結果認識外遇對象的安排，「這麼說來，是我太太讓我們兩個認識的」。而離婚多年後，DJ的前妻一直在痛苦的噩夢中掙扎，直到她遇到了那個外遇的對象，直視她，卻發現她純淨美麗，「也許她才是你真正的 Soulmate，你們的痛苦是因為我的執著。」影片最後DJ前妻澈悟，大器地參加兩人婚禮，有一種海闊天空的心痛。〈男主角是人生的勝利組這點實在太令人不爽了！〉

電影中不斷回顧青少年時期的兩人是多麼相愛，婚後是多麼的幸福，然而，有一天，真愛降臨，你能否接受你不是他的命中注定呢？兩段感情關係的前半段都像是一種餵養，我們覺得這樣的陪伴理應是一生一世，我們有一種毫不遲疑的命定。但也許愛情中最困難的考驗，不是學習如何掏心掏肺地付出，而是把對方的幸福視為自己的幸福。

【2012 城市遊牧影展】光之子：尚米榭‧巴斯奇亞 Jean-Michel Basquiat (2010)

「他是我唯一真正忌妒的人。對這個世界而言，他太纖細了。」
─瑪丹娜

大家記得安迪沃荷、記得Keith Haring，卻不記得巴斯奇亞Jean-Michel Basquiat (1960-1988)。

70-80年代的美國，每個導演、作家、畫家、詩人、演員、歌手、藝術家、舞蹈家都紛紛湧進紐約，每個人都希望乘著普普藝術的浪潮，成為下一個青年次文化的領航者。

巴斯奇亞也是這樣，出身中產階級家境富裕的他，16歲時決定離開出生的布魯克林區到曼哈頓，「當他想離開的時候他就離開了」，從街頭塗鴉創造出「SAMO」這個分身，開始了不可思議的藝術創作生涯。

我很喜歡他的塗鴉，跟大部分以圖像為表現的塗鴉很不一樣，一般塗鴉就算是文字也會裝飾的很圖像，但巴斯奇亞的塗鴉就是單純的文字，像是用打字機打在城市的每一面牆、每一個角落一樣，嘲諷的、詩意的、挑釁的、敘述性的，有時甚至是一道選擇題，「任何玩塗鴉的人一定渴望成名，塗鴉這個行為本身就像是在說，嘿！我掌握了這個空間。」也許從在街頭噴漆的那一刻開始，巴斯奇亞的野心與渴望就此展現。

從街頭嶄露頭角後，在1979年巴斯奇亞宣告「SAMO is dead」，開始轉向大量地進行平面藝術創作，畫面流暢寫意、結合文字與具像/抽象圖案、近乎直覺式的色彩運用非常引人，另外彷彿兒童畫作才有的原始驅動力，和若有似無的混亂、重疊、詩意的城市意象，融合成非常獨特討喜的特色。巴斯奇亞喜歡威廉布洛斯、咆哮爵士樂，作品裡也可見直覺式書寫的趣味，整體很有垮世代的風味。

巴斯奇亞大概在21、22歲的年紀就成為underground藝術圈的佼佼者，他不喜歡當時博物館圈抽象藝術的菁英隔閡感，希望自己以街頭藝術為源頭的創作，有一天可以像安迪沃荷那樣跨入精緻藝術的領域。但是他被拒絕了，MOMA、惠特尼美術館均認為他不夠格在那展出。

在社會文化的互動上，他被白人媒體有意無意地稱為猿始人或是黑色畢卡索，紀錄片裡我們可以不可置信地看著記者在訪談現場脫口而出「猿」始人三字，主流媒體關注他的黑人身份更甚他的作品，但諷刺的是，巴斯奇亞的創作無關非洲，他是個道地的紐約之子。在那個年代，他突如其來地太成功也太搶眼，世界還沒有準備好接受一個黑人藝術明星。

沒有人教導他該如何應付媒體與毒辣的藝評、也沒人教他怎麼當個藝術巨星或怎麼理財，名聲與金錢伴隨著猜忌與利用，最終都只能用海洛英來撫平。我想到某本小說裡寫著：「才華不是天賜的禮物，而是有期限的租借。」巴斯奇亞依賴毒品提升專注力與創造性，很快地，他的才華被沒收了。

在創作生涯的後期，巴斯奇亞走進安迪沃荷的晚年生活，從1980年起兩人展開一系列的聯名創作，但市場上惡評如潮，對兩人都是殘酷的打擊〈安迪沃荷一輩子不知道玩殘了多少人...〉，安迪沃荷在1987年去世，巴斯奇亞也在1988年離世。那一年他還不滿28歲。

From SAMO to SAMO，巴斯奇亞最後幾年都在毒癮、孤獨與尋求認同中掙扎，晚期的個展讓許多人感到訝異與一種不祥的徵兆，因為他才20幾歲，作品卻已經呈現出一個藝術家走到創作晚期的末期風格，這張《Riding with Death》畫面簡約、失意、充滿死亡的意象，完全失去他過往偏愛的文字符號，純然的圖像，有一種鬆散又駭人的氛圍，像是藝術家對命運的自我預言。

可能在藝術史的討論上，巴斯奇亞就只是一個當大家提到普普藝術發展時，會附帶在安迪沃荷名下的一個小註釋。但看完整部紀錄片，我覺得巴斯奇亞不是一顆載浮載沉、忽明忽滅的小星星，他是一道劃破黑夜的彗星，照亮藝術圈一切的華麗與破敗，用一種既誠實又虛幻的方式。

【電影】愛情電影的二三事

二月份可能是情人節的關係，電影台簡直就是情人節特輯不間斷，導致我一連看了好多類型電影，不同年齡、不同時空背景、懷抱不同對愛的期待。電影小筆記拖拖拖的下場就是，不要說白色情人節，連4/14情人去死節都過了阿！決定趁著春天最後的餘韻，趕快在盛夏前整理整理XD。(也許能做為七夕片單的參考？)

《真愛零距離 Going the Distance》(2010)★★★

儘管有一些「遠距離交往」的點滿能讓我會心一笑，但這些小火花也就僅限於淡淡一笑而已。劇情沒有甚麼特別的高潮起伏，一切都是類型電影的結構和節奏，男主角討喜有餘，演技細膩度不足，常常讓我不是很入戲，女主角茱兒芭莉摩在這片裡變好瘦，我個人比較喜歡她K歌情人裡的樣子，但她在電影裡穿的衣服都好好看！這是一部適合正處於遠距離狀態的年輕情侶，結論一句就是我年紀大了。

《 藥店牛仔追陽光的少年 Drugstore Cowboy 》(1989)★★★★

看完這部片的第一個年頭，是我有點懷念早期的葛斯范桑，這部片讓我想到《男人的一半還是男人》那種味道，青春就是一場未知的賭局。Matt Dillon年輕時帥翻，簡直就像James Dean，他所飾演的男主角Bob從藥頭到戒毒的過程轉換對我來說有點快，但我很喜歡他在勒戒所說的一番話：

「沒有人可以勸毒蟲戒毒的，

你可以年復一年的勸他們，

但早晚他們又會開始沉迷某些東西，

也許不是藥物，也許是酒、是汽油、是膠水...，

或是腦袋上的一槍。

但我們總是要做些甚麼，

來紓解日常生活上...例如，綁鞋帶的壓力。」

我一直不懂中文片名「陽光少年」是甚麼鬼意思〈到底哪理陽光了〉，無論如何，這是一部獻給無可救藥青春的浪漫之作。

《情遇巴塞隆納 Vicky Cristina Barcelona》(2008)★★★★☆

《紐約遇到愛 Whatever Works》(2010)★★★★

每一部電影都像是一趟帶有異國風情的旅程、都有漂亮的金髮妞、都有那些關於愛情的譏誚對話和叨叨絮絮的哲理高談，這些都是Woody Allen最愛的原素，更甚於此，男主角通常也是他本人的化身。如果說為什麼我喜歡《情遇巴塞隆納》比起《紐約遇到愛》多一點，我只能很膚淺的說因為我喜歡《巴塞隆納》的三位主角啦，這三人間讓人霧裡看花的情愛關係，說明了愛情裡追求的就是玩美的平衡。我覺得這是一個關於熱情的故事，找件事去實踐你的熱情吧，無論是一個人或一件事都好。

而在《紐約》一片裡， Woody Allen更像是把他本人直接端到螢幕前，海報上Larry David大大佔滿了整個版面，簡直就像是要削弱所有的視覺吸引力一樣，老頭子和金髮傻妞的戀愛故事？在觀眾懷疑這會不會是導演的春夢時，Woody在開場告訴我們：「這不是一部自我感覺良好的電影，要自我感覺良好不如去做腳底按摩。」Larry David的角色極端刻薄的有趣，我懷疑TBBT裡的Shelton老了就會變這樣。

《月滿軒尼詩 Crossing Hennessy》(2010)★★★☆

張學友和湯唯都演著與跟他們本身性格似乎有那麼一點相似的角色，特別是張學友，演一個被照顧好好導致於相當懶散無賴的善良傢伙真是入木三分，當他講「吃飽飯了又睏，又可以瞇一會囉~」或是「小事聽話，大事才能不聽話嘛」的時候，我真想踢他屁股阿。《月滿軒尼詩》拍出了一個不太一樣的香港模樣，帶著少見的優閒和可愛氛圍，特別是那個有印度服務員神出鬼沒的茶餐廳，我還滿喜歡的。

但是我想抗議的一點是，現在小說越作越厚了，要在第67.4頁就猜到犯人實在有點難度阿。常常自艾自憐生活圈狹小的宅男宅女，看了這部不知道會不會比較不排斥相親呢？

《戀人絮語 Lover's Discourse》(2011)★★★★

「每一場戀愛都是即興表演，只會發生一次。」

四段互相重疊與牽扯的愛情故事，用幾種差異很大的表達形式詮釋了愛情的樣子，單戀、暗戀、苦戀、迷戀。

謝安琪與彭于晏的假人模型完美詮釋了只存在於幻想中的迷戀百態，永遠不要為了少女單方面的失戀感到憂心，她馬上就會展開另一場愛戀的。彭于晏的假人比他本人還有戲，疑似霹靂布袋戲的橋段真的是一絕，看來片酬要付給假人一半呀。范曉萱那段讓我有點訝異，雖然還是有青澀感但不生硬，我還滿喜歡她在裡面的樣子，這兩個苦主組成的有點黑色的小偵探戲碼也很有意思。

「戀愛沒有大道理，只有小故事。」是《戀人絮語》的slogan，每個沉迷在自己小故事中的人，或許都覺得能說出一番愛情的大道理也不一定。監製彭浩翔表示，他覺得這部片是在提醒大家，在愛情關係中，不要去改變對方，所有的不快樂都是試圖去改變對方而來。或許就像結局一樣，合則聚，不合則散。

《型男飛行日誌 Up in The Air》(2010)★★★★★

大愛片。劇本寫的棒極了。從Juno到Up in The Air，Jason Reitman已經可以列入我必看的導演LIST了。

「他們付了多少錢，讓你放棄當初的夢想？而你要等到賺了多少錢，才會停下來？」

一個專門處裡資遣這個最難纏問題的人際高手，在工作上他洞察最細微的人性完美處理每一件CASE，私底下的他卻拒絕所有情感的包袱，包括人際與空間，因此他享受居無定所的飛行、滿口生存哲學、深諳自己是菁英有品味、直到他遇到另一個高手他才知道自己長久以來不是在追求孤獨，而是承受不起傷害。Anna Kendrick演的真的很棒是個厲害的新秀，我很期待。

《失戀排行榜 High Fidelity》(2000)★★★★☆

以前看是為了約翰庫薩克的憤世嫉俗而笑，10年過去了再度回味，我還是覺得戲裡的他是個活該被所有排行榜上的女人甩掉的混蛋，但我依然為他的憤世嫉俗深深著迷著。

每個人在愛情裡都有混帳或是狗改不了吃屎的一面，但我們一定會遇到可以接納這一切的人嗎？以這部無論小說、影像還是音樂都妙不可言的愛情電影做結尾原因無他，「我到底是因為鬱卒才聽流行音樂〈pop music〉？還是因為聽了流行音樂才覺得鬱卒？」愛情就是那麼莫名奇妙的東西。

【錦老師工作坊VOL.2】小小的，但很愉悅

有些東西不用大，小小的就很溫暖。雖然裝不了太多東西，但跟小小的花和小小的妳是那麼地匹配。窗檯小小的，仙人掌小小的，麻雀小小的，金線蓮小小的，想把自己不斷的縮小跟大家呆在一起，但為什麼，我變得渺小卻覺得很安心呢？

雖然小小的，但這個世界裡什麼都有，喜歡的一樣也不缺。開心小小的，那我想悲傷也會相對變得小小的吧。

【murmur】本日收穫之8

《本日收穫》

一個新的私密小空間

想法會形成語言、語言會形成行動的真實體悟

對他人要更敦厚、對自己要更犀利的處事態度

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Brecht Evens的小房間整整齊齊，令人心情愉悅。無論是實體還是虛擬的空間，好像都應該來改變一下，才能看到不一樣的風景。我腦中的想法要在實體空間才得以延續，而我真實的心情要在虛擬空間才得以暢快存活。



2012/04/06 AMeiZing世界巡迴演唱會@台北小巨蛋

有一個人看完之後說他願意再多付2000給阿妹，就知道有多值回票價！這次阿妹演唱會我最大的收穫是，原來台灣演唱會的視聽配備真肯花錢、用心做，也是可以有嚇死人的優秀品質。〈可以跟我一直很愛拿來說嘴的MA演唱會媲美了，真的！〉

阿妹這場《AMeiZing世界巡迴演唱會》首開先例連唱八場，票價平民，一開賣就陷入秒殺，她上電視宣傳時票其實都搶得差不多了。我沒有特別瘋狂熱衷阿妹，但我很喜歡她的一些作品，特別是近年阿密特的搖滾曲風很對我的味，沒參與過台灣最具代表性的國民歌后的售票演唱會還像話嗎！！〈敲碗！〉更何況，我們這個年紀的人誰沒聽過阿妹的歌呢？誰都可以隨便哼個幾首吧，如果我連認歌有點辛苦的朝聖型演唱會都去了，那不用特別練歌就可以享受萬人卡拉OK的共鳴更不能放過阿。

〈圖片引用至此〉
視聽享受無話可說，真的是完全好到破表，我特別喜歡展開狀的階梯式螢幕，製造了很豐富的視覺性、投影效果也是相當清晰細緻，配合每段主題都有特別動畫，我很喜歡Opening帶著前衛電波感的原住民圖騰的視覺效果，高反差的兩個原素結合的相當炫目，開場曲《日出》也是改編成電子風味，再搭配上雷射光波整體營造出相當奇特的科幻世代X原始部落公主FEEL。

這次的舞者我也很喜歡，特別是找來了外國男舞者，時而打扮成原住民、時而像瘋狂的Drag Queen，這幾年的外國天后也很時興找男舞者忽男忽女的反串 〈Christina Aguilera的男舞者可以前面演水手、下一首踩高跟鞋跳Lady Marmalade〉，最後一段電子大放送女舞者們全部戴螢光粉紅妹妹頭、比基尼小熱褲的造型與特殊的打光投影表演，有一點法國瘋馬秀的味道很酷。這場的特別來賓是小豬，他就是個個性很詼諧的藝人，除了熱舞也盡責地把現場炒得很HIGH。

出道15年歷經高低潮，阿妹這次的演唱會完全就是以滿足歌迷為目的〈有一種感恩回饋的感覺XD〉，各種你想要從她身上得到的情緒都可以一次滿足。開場的部落公主雞皮疙瘩震撼、與歌迷的趣味互動、阿密特血色搖滾、40分鐘不間斷眼淚情歌大放送+萬人卡拉OK，最後再來個電音狂歡跳到腳斷。當然選歌再全面，還是有我個人排行榜的遺珠，沒有聽到《也許明天》的大開大闔氣勢、《我無所謂》跟《哭不出來》的早期經典，但整體來說也是心滿意足了。

聽到《掉了》的時候，突然瞬間陷入高中狂亂青春時期的記憶中，回憶果然是最可怕的敵人。沒想到阿妹就這樣陪了我們15年，這是一種需要時間歲月與各種情緒累積折磨才能海闊天空的完美，不只是一個短暫的爆炸驚嘆號，聽到最後，陪著我們的是一種成熟美好的完整心情。希望未來阿妹保持健康，還能再許我們一個八天八夜、十天十夜阿。

【電影】黑店狂想曲 Delicatessen ─ 口腹之慾的界線 (1991)

我們吃進去的到底是什麼？你在乎你吃進去的每一口東西是怎麼來的嗎？人的界線到底在哪裡？慾望的界線又在哪裡呢？

故事發生在一個經濟蕭條、物資貧脊的時代，一群住在同一棟公寓的住戶們，因為豬肉短缺又太想吃肉了，於是心照不宣地等待每一個入住的新鄰居，因為住在一樓磨刀霍霍的屠夫即將把他/她變成刀下殂、盤中薞...。直到一天，一位馬戲班的小丑入住，並與屠夫的女兒相戀，小命不保的兩人決定展開一場逃命大作戰。

搭上最近熱門的社會民生議題，《黑店狂想曲》顯得格外有趣，極盡荒謬卻又道出真實，男女主角不再是以人類的身份展開冒險，而是以「食物」的身份開始逃亡，逃離慾望和理智喪失的群體氛圍，也許當我們也變成別人口中的美食，才會真正開始思考「食」的意義。

這是以《愛蜜莉的異想世界》走紅的法國導演尚皮耶居內（Jean-Pierre Jeunet）的第一部電影作品，他之後類似的怪誕風格還有《驚異狂想曲》《異想奇謀：B咖的拯救世界大作戰》，很明顯的他相當熱衷在一個超脫寫實的情境中，說一些相當黑色幽默的故事。《黑店》裡幾乎奠定了他所有獨特的視聽風格，暈黃的復古視覺原素：詭異的鐵皮猴子玩具(非常史蒂芬金)、黑白電視、偶戲、各種機關機械、馬戲團，絕妙的節奏和配樂，鮮明的人物造型與性格，讓尚皮耶居內幾乎成為這一代的法式電影的指標性導演。

我很喜歡電影裡那個戴著老師眼鏡、一直想盡各種方式自殺(卻死不了)的太太，男女主角都不是長的特別好看，放在電影裡卻都很適合，與導演特有的戲謔和瘋狂相當match。

電影的結局雖然很扯但也很有趣，無法解的現實膠著狀態也只能藉由充滿奇想的超現實來解套，這是一部非常適合在所謂以奇幻為主題的影展播放的電影。

【Weekly Cinema】奧斯卡週：《分居風暴》、《大藝術家》、《魔球》與《雨果的冒險》

從二月到三月上旬，陸陸續續補齊了今年幾部入圍/得獎奧斯卡最佳電影/外語片的作品，之前看到一些評論有些網友似乎覺得今年的作品強度不比去年，但我覺得今年入圍的類型比較多元，兼具藝術性與商業性，對大眾來說其實比較有共鳴。對我個人而言，除了劇情片和演技片之外，特效片、喜劇片甚至歌舞片也可以多得到一些肯定(能打破演藝學院的一些保守慣例)，也是樂見的美事一件。

《分居風暴 Nader and Simin：A Separation (2011)》★★★★☆

《分居風暴》在金馬影展上映時觀眾口碑好評破表，又同時橫掃今年所有國際大獎〈奧斯卡、柏林影展、金球獎、紐約影評人協會...〉，叫好又叫座的熱切情況讓我對這片好奇不已。

伊朗導演阿斯哈法哈蒂表示，這部電影是他看到一位朋友幫年邁父親擦澡，被這畫面觸動不已後產生的靈感：因子女教養議題鬧分居的中產階級夫妻、罹患阿滋海默症的長者照顧議題、雇用家庭看護(幫傭)的社會問題...，這一切與台灣的社會環境也挺能相呼應的不是嗎？導演將一個原本看似平庸的家庭紛爭，因一個意外，延伸成大人世界最殘酷的道德試煉習題，劇本環環相扣寫的非常精彩，除了一舉拿下最佳外語片，入圍最佳劇本也是毫不意外。

非常喜歡這部片的一開頭，一對夫妻對著鏡頭表達想要離婚之意並互控對方不是，觀眾處在法官的位置，聽著兩人連珠炮似的指責、怨懟、自白...，深深淺淺的家庭問題蛛絲馬跡浮現，觀眾站在一個評判者的角度，開始運用自己的道德觀判斷兩人孰善孰惡、誰是誰非。隨著劇情展演和意外的發生，爺爺、青春期的女兒、女幫傭、女幫傭的女兒與丈夫、鄰居、家教等人物一一上場左右劇情，觀眾的道德觀也不斷劇烈的拉扯著，我們不知道主角們的下一步會是如何，就如同無法想像事件若發生在我們身上該會是多麼的手足無措。

到最後事情已經演變成一個無法單純用法律、文化、道德和價值觀去評價的濃濁的灰。兩個為了維護自己私情而彼此爭辯不休的家庭，最後卻都落得一樣殘破的境地。

電影結束的劇情也選擇的很好，再一次回到一開始的畫面，由法官(觀眾)問女兒決定要跟爸爸還是媽媽，在一連串的事件中女兒也牽扯其中，她將爸爸為維護自尊不惜說謊的霸道、但對爺爺鞠躬盡瘁的責任感盡收眼底，也了解媽媽在自私離家的背後是長年像女傭般的付出、但不問實情凡事先息事寧人的態度深深透露對丈夫的不信任。最後女兒只有笑著流淚說我選好了，電影結束，只留下在法庭外茫然等待的夫妻兩人，以及法院裡各種糾紛發出的爭吵叫罵聲。

我覺得這部電影很棒的是除了作品本身，也為中東電影樹立了一個新的里程碑，除了宗教種族文化議題之外，這種十足入世的當代社會議題也掌握得很深刻，為伊朗刻劃了新的當代意象，同時也能引起跨國跨文化的共鳴，靠故事本身就能走出國際這點非常成功。

《魔球 Moneyball (2011)》★★★★☆

我對《魔球》裡一段話印象相當深刻：「不知道有多少有潛力的球員，因為一些偏見：種族、私生活、年齡或外型，而被埋沒了。」如果是最近也為林書豪而狂熱的觀眾，服用非典型運動電影《魔球》，想必極度應景、效果絕佳阿。

《魔球》走的不是傳統運動型電影最終得到一個勝利為高潮的路線，而是以一種反英雄的姿態，檢視職業運動背後現實殘酷的商業運作，特別是從球探的角度出發，看一個曾經有過選擇、做了選擇但陷入一連串錯誤與失敗運動生涯的前運動員─MLB奧克蘭運動家球隊經理Billy，自己曾經是制度下的犧牲者，他該如何投入自己最後的賭注，打破有錢球團花錢買明星的遊戲規則，同時還能徹底走出過去失敗的陰影、重新塑造自己人生的信仰？堅持，到底是一件多困難的事？

「當初為了錢做了錯誤的決定，我發誓我這輩子不再為了錢做事。」

這部片的步調其實很平實，比賽的畫面也不多(剛好也呼應Billy不進球場看比賽的劇情)，所以這些Quotes聽起來也格外觸動人心。我覺得Brad Bitt演得很好，有刻意將自己中年平凡化但沒有過頭，他現在演一些比較霸道或我行我素的性格時也滿自然的不像年輕時那麼外放，親情的部分也算點到為止不會過度煽情。

想要贏，也許是想證明自己也有對的一天。我很喜歡最後統計小哥Peter給Billy看的一段影片，一個球員傻傻地不知道自己擊出了一支全壘打愣在原地，就如同Billy沒有發現自己已經創造了比勝利更遠大的東西一樣，「這就是我們熱愛棒球的原因。」Billy眼睛閃閃發光的那幕真的很棒。

《魔球》這個故事的結尾氣氛其實有點像灌籃高手的結尾那樣，你在過程中奮力一搏，突破極限，最終失敗，但你回首看自己的足跡，創造歷史並改變未來。而我個人非常喜歡這個以小搏大的故事。

《大藝術家 The Artist (2011)》★★★★

我覺得今年的奧斯卡的包裝雖然比起往年相對平實，但卻讓人有重新感受到看電影美好的瞬間，主題「Life, Camera, Action」，簡單清晰，幾部受青睞的得獎片除了本身優秀、還一舉站在主流氛圍的中心，得獎毫不意外。典禮中間穿插播的特製片段我很喜歡，訪問了很多演員關於電影對他們的意義、最喜歡的電影等等...，感覺自然溫馨。

回到《大藝術家》，相當喜愛《萬花嬉春》(並把此片列在荒島片單中)的我自然很難做出客觀評論。我不敢說《大藝術家》在故事主軸上是針對《萬花嬉春》的致敬，但很明顯的它是對一個時代的電影產業致敬，也為永遠追求更新表演型態、突破自己極限而不被科技或票房淘汰的藝術家們，獻上無比的崇敬之意。因此整部片刻意的仿古(只在一些小蛛絲馬跡透露這是一部現代片)，全片雖是法國製作但歌頌的是美國默片時代，同時也是本屆的作品裡唯一一部全片在LA拍攝完成的，對影藝學院來說更是無比的讚揚。

我很喜歡裡面幾個現代感的情境，像男主角做夢夢到，除了自己全世界都可以發出聲音的片段(潛意識害怕自己被淘汰)、以及因為自信心受創默默縮小的畫面放在一個全復古的影像中都相當有意思。

如果要說這部片劇情老梗我也不反對XD，畢竟超級巨星與小明星這個公式好萊屋電影裡不知道可以找到多少；新科影帝Jean Dujardin的舞技也許也比不上Gene Kelly & Donald O'Connor的幽默傳神，但他笑起來的確相當迷人(牙齒好整齊)演活了一代巨星的璀璨與落寞，重點是：所有觀眾看完都是開心地離開電影院的。我想，到底是不是致敬也許根本不是重點，呈現出的也不是當代影人對過往時光的迷戀或嚮往，重點在於：你找回做這件事的初衷了嗎？

然後，我們在電影院遇到孫越叔叔，這才是這場電影最酷的註解。

《雨果的冒險 Hugo (2011)》★★★★

《Hugo》是本屆奧斯卡的另一顆亮點，我沒有想過馬丁史柯西斯的電影會有幾乎包辦了所有技術獎項的一天阿！！！雖然《神鬼無間》對我們來說是一場災難無誤，但馬丁史柯西斯如何運用3D技術，從預告流出後便讓我非常好奇。在加上這部改編自奇幻小說《The Invention of Hugo Cabret》的作品無疑也是充滿了對法國默片大師喬治梅里葉Georges Méliès的懷念與推崇，新與舊的交織成就了一部視覺效果相當突出、故事又非常動人的奇幻作品。

我好喜歡這張馬丁史柯西斯拿著Brian Selznick的原著《The Invention of Hugo Cabret》跟小演員互動的幕後花絮，這本小說裡的插畫就畫風來說其實滿成人的，全部都是黑白素描並不那麼童趣，但我覺得藝術味很夠，許多畫面也都已經蘊含了分鏡的巧思。

奠基在一個兒童奇幻文學作品上，又描述了法國最經典、最富幻想力的默片大師梅里葉，《Hugo》在視覺的表現絕對是重點。我很喜歡一開場雪花以及在鐘塔裡齒輪轉動的3D部分，非常的真實，火車站那個快速Zoom In的鏡頭3D效果雖然也很驚人，但移動太快讓我想點頭暈想吐XD。

另外可以畫畫的機器人我好愛，Chloë Grace Moretz和Asa Butterfield的表演也都相當不錯(兩人長得夠可愛)，Ben Kingsley長的夠怪詮釋大師梅里葉也是相當對味XD(他跟馬丁史柯西斯應該是從隔離島結緣？)，此外場景都很棒，30年代法國巴黎的復古車站、玩具店、電影院、圖書館等等，在美術跟視覺上都塑造的相當精緻夢幻。

去年金馬影展看到《梅里葉的魔幻音樂會》，一直是我覺得很開心的事，創造了當年觀眾在電影院看默片的情境，是一場空前絕後的體驗。沒想到在《Hugo》裡可以看到梅里葉的生平，包含電影啟蒙、擁有自己片場的輝煌時期、不得志改當玩具商的低潮、電影膠捲被融為產品纖維等真實經歷，最棒的是電影製作場景的重現，對照到現在youtube上還可以看到的《月球之旅》、《音樂愛好者》等片段，現在看來依舊創意十足讚嘆無限。梅里葉曾說過「電影是最迷人的魔術」，而《Hugo》則用自己的方式完美詮釋了這句名言。

【2012 OSCAR影展】活個痛快 50/50 (2011)

其實《活個痛快》的劇情並不如字面的痛快，至少沒有在類似的作品如《一路玩到掛》、《終極假期》那種在面對生命的盡頭、希望了無遺憾完成夢想的灑脫，故事裡雖然有友情有愛情，但也不像《甜蜜11月》的刻骨銘心。《活個痛快》裡最刺激的事情，我想就是Kyle帶著Adam在夜店四處跟女生說自己得了癌症希望可以把到幾個馬子的蠢事吧。

那麼隨時面對文明病之榜首─癌症威脅的我們，活著到底還有甚麼好痛快的？《50/50》說穿了就是一個很尋常的故事，一個27歲大男孩得了一個自己都講不太出全名的罕見癌症的抗癌過程，是本片編劇Will Reiser的親身經歷，Joseph Gordon-Levitt和Seth Rogan都是非常鄰家親和的人物，演活了生命中那奮力一搏的50%，以及絕望不安的50%。

「如果他說我是個混帳，那不是真的。」

「我嘮叨是因為我愛他。」

我很喜歡電影中描述主角Adam他與朋友、家人在患病後相處的變化，Adam在戲裡被設定成一個不會開車的人，因此他的生活有很大一部分要靠女友或朋友接送，這種依賴在得知自己生病後轉變成一種隨時充滿不安全感的依存。因為癌症太巨大占據了內心全部的空間、因為死亡太靠近讓他隨時像一隻驚弓之鳥，所以Adam也變得只看的到表面的50%：母親的過度恐慌與嘮叨、Kyle成天只想把他拐去夜店把妹、菜鳥心理諮商師只想藉由他完成博士論文，而看不到那背後的50%：丈夫是失智老人兒子又不跟她聊病情的寂寞、Kyle廁所裡那本「一起面對死亡」的讀物和真切的關心。

《50/50》表面上是說著存活與死亡各有一半一半機率的故事，但這50/50，其實也代表著我們怎麼看待生命中突如其來的噩運；我們用甚麼樣的態度面對那些你喜歡或不喜歡的愛與關懷。這50%或許是你，另50%也許是我。劇本樸實中帶著幽默，相當深刻精彩，是今年catchplay的奧斯卡影展中我最喜歡的一部。

Seth Rogan向來很不得我緣(我覺得他很難笑=_=)，但這齣的演出真的恰如其分，應該說整部戲如果少了他那痞痞的調調，真的會變得無聊。女配角Anna Kendrick在之前的《型男飛行日誌》裡就有讓人眼睛一亮的演出，我覺得她很會演那種戰戰兢兢、好像有點小聰明、有點神經又有點咄咄逼人的角色，她在本片裡飾演菜鳥心理諮商師的演出相當有意思，也是個討喜的角色。



我一定要提的一個片段，是Adam在做完心理諮商後一個人獨自坐上公車巴士的劇情，充滿落寞夜色的流暢街景此時響起了Radiohead的《High and Dry》，瞬間有起雞皮嘎搭。

【2012 OSCAR影展】變裝男侍 Albert Nobbs (2011)、歷劫重生 Take Shelter(2011)、危險療程A Dangerous Method(2011)

變裝男侍 Albert Nobbs (2011)★★★☆

其實第一眼看到劇照我沒有太強烈非看不可的感覺，只有對葛倫克蘿絲的男裝扮相激似羅賓威廉斯這點感到還挺有趣的。但預告片質感做的相當不錯，將古典雅緻的英式氛圍配上別具話題的女扮男裝生存議題，特別是葛倫克蘿絲親自填詞、Sinead O'Connor演唱的主題曲「Lay Your Head Down」將預告片烘托得很不錯。(可惜Sinead O'Connor前衛纖細的的模樣只能追憶...，但幸好嗓音依舊)
 
這部由葛倫克蘿絲親自製片、編劇並擔綱主角的作品，無疑是她的演技個人秀，可以感受到她全心投入的賣力，以及想要創造一齣個人代表作的野心，有點扭轉了我對她過去的印象。一方面是她打破了深耕在觀眾心裡101忠狗裡的誇張壞女人形象，另一方面則是她選擇了一個以大時代女性生存的省思題材，讓我看到她非常女性主義的一面。

這部電影裡的女性角色都很有趣，無論是貪財勢力的飯店老闆娘、週旋在現實與理想愛情間的Helen、還是為求生存必須男扮女裝的Mr. Nobbs和Mr.Page(Janet McTeer飾演，這角色很帥氣，我喜歡)，都呈現了在一個保守的大環境下，女性掙扎的百態，兼具了幽默無奈和殘酷醜陋。

不過我比較不滿意的是，對女同志情感的描述不夠立體，片中兩人都因為曾受過男性暴力的對待，因此決定要化身為男人、後來也都愛上女人，電影將兩個人性取向的變化都歸因在異性暴力的過往，「因為受到男性暴力所以成為女同志」，反而給我一種原本想脫離一個老梗、但又不小心陷入另一個窠臼的感覺。再來就是整部片裡的真男角沒一個好東西，連帥氣的Jonathan Rhys Meyers和Aaron Johnson都成為扁平的花花公子，良善的(偽)男角都是女性擔綱演出，過度失衡的角色鋪陳讓我瞬間有種在看寶塚劇團的感覺阿。

整個電影一如Nobbs本人，優雅內斂，結尾收在錯愕與無限感傷中，保留了一絲人性跟希望。

歷劫重生 Take Shelter(2011)★★★★

當初參加選片座談，《歷劫重生》被策展人描述成現代版的《鬼店》，這個形容詞讓一部原本很可能被淹沒在金光閃閃大片裡的一部小成本電影，頓時提昇不少注意力。小成本的電影又要走精神驚悚的類型，究竟是我瘋了？還是我是眾人皆醉我獨醒的先知？《歷劫重生》將幾個點運用的很不錯。

首先是男主角的幾個彷彿是預兆式的噩夢處理得很好，驚悚詭異的很到位，對照到寧靜寫實的日常生活更讓人覺得可怕，特別是全部家具浮起來的那個視覺我很喜歡。另外角色安排上很用心，編劇在平凡的家庭中安插了女兒是聽障的特色，讓觀眾覺得這個小女生有一種特殊性，她似乎擁有不同於一般人的特別感官體驗，因此她的一些反應讓整部劇情也更加騷動不安。

再來是劇情描述的視點很棒。男主角是一位父親，平常就是在工地上班，有一妻一女養著一隻狗。有一天他開始感受到天有異象，奇怪的雨、奇怪的天象、奇怪的鳥群、不尋常的狗吠、詭異的夢境...，他開始決定把很久沒使用的暴風雨避難所重新整修，因為他堅信即將會有一場浩劫式的暴風雨產生。前半段觀眾的角度和男主角是一致的，我們跟著他進入詭異的夢境、不可解的日常現象，體驗一種即將發生前所未見災難的末日恐慌。

但隨著男主角與好友扯破臉的一場聚會，導演將觀眾的視點瞬間抽離，轉換成一個第三者，我們看到的是一個走火入魔的精神病患狀態，每天晚上不睡覺中邪般地躲在避難所裡，在聚會上臉部扭曲、情緒潰堤、發癲似地跟所有人佈達著將有一場暴風雨讓世界毀滅的訊息，呈現出一個典型的精神異常患者模樣。同時這個「避難所Shelter」也彷彿成為一種走出黑暗心靈的隱喻，在裡面一場幾乎窒息的拉鋸對手戲裡，男主角的太太就明白說著：「你一定要自己打開門走出去，如果是我打開就沒有意義了。」最後男主角推開門，一片陽光，彷彿走過黑暗重現光明。


但最有趣的是，結尾的海邊度假，導演又再一次的翻轉了劇情。詭異的颶風、詭異的雨滴...這一次不是只有男主角和觀眾看到，他的太太與女兒也都看到了，電影在這邊結束。這個開放式的結局我很喜歡，觀眾在看電影的過程中，隨著劇情不斷界定著男主角是精神病患或他不是精神病患，然而我們對角色的解讀卻在結局那一刻混淆了起來，究竟這場暴風雨是巧合？是男主角的預言？還是這一家人都精神異常呢？

危險療程A Dangerous Method(2011)★★☆

看《歷劫重生》的同一天，我還看了這部我期待已久的《危險療程》，後來才發現，兩部片都是有關精神異常的題材，但也證明了一件事：同一天看兩部類似題材的電影實在太容易比出優劣阿。

在去年《危險療程》的預告一出來，就讓我很期待，因為講述佛洛伊德和榮格間恩怨情仇的題材對我來講很有吸引力，更何況裡面還加了一個真有其人的女病患故事，當然還有一個原因就是2011年Michael Fassbender實在是擁有太高的曝光率和期待度了。

可惜這是一部預告片比正片有吸引力100倍的電影，我不清楚大衛柯能堡在剪這片時發生甚麼事，但故事鋪陳真的超不吸引人的，幾乎就是順順的演沒有劇情高低起伏，像琪拉奈特莉的戲一段一段看都沒有問題，但全部接在一起就覺得精神狀態轉折很怪，演員表演的價值沒有在這部片被彰顯出來我覺得很可惜。

另外佛洛伊德和榮格的決裂明明是高潮，卻也呈現的很無趣，像是兩個老學究在你一言我一語的閒談中發現兩人理念不合，就默默地絕裂了，之後的不合就用文謅謅的信件帶過，不小心晃神的觀眾可能根本不知道發生甚麼事吧。我原本期待這是一部古典又帶有異色氛圍的作品，可惜兩個原素的融合感不佳，榮格和女病患間上演的SM不倫情結只能成為讓觀眾稍稍提振精神的小火花。

整部片讓我最有FEEL的是最後字幕上的一句話，大概意思是：只有受過病痛折磨的(精神科)醫生，才能真正治癒病人。用來說明榮格雖然長年飽受精神崩潰的折磨卻能發展出傲人的成就。然後Michael Fassbender穿西裝真是帥到沒話說。