【TWDW】2012 設計影展 X 城市遊牧

2012年的設計師與遊牧影展合作，推出了 為眾設計師們量身打造的設計師影展，內容從建築、街頭塗鴉、電玩設計、平面設計到時尚產業都有，其實不只是設計師，對社會趨勢和人文現象有興趣的人，都很值得一看！參加過一屆《遊牧影展》，對他們獨到的選片向來有信心。

設計，這個影響現代社會最鉅的名詞，它是一個產業、一個決定未來的思考模式、一種解決問題的方法與一個發現問題的洞見，這次的設計影展做的事情不是歌功頌德，而是丟出更多問題讓我們思考。

《美麗失敗者 Beautiful Losers，2008》

「小時候我們天天都在畫畫，著色、做手工藝，這是很正常的，童年都做這些。但比較怪異的悲慘情況是，當你成為大人，你長大，你就失去這些了。你必須停止沉浸在色彩帶來的快樂。

我覺得自己很幸運，現在的我仍保有童真。」

滑板、龐克、噴漆、獨立音樂，一群熱愛街頭次文化的街頭藝術家，沒接受過正規訓練、不受社會規範約束，以自身生活體驗為出發點，以不可思議的創作能量，讓這一群人成為現在紐約次文化藝術圈的指標性人物。是一部看完讓人會非常想重新提筆畫畫的電影，充滿生活與創作的力量。

紀錄片裡我最喜歡已經去世的女藝術家Margaret Kilgallen的作品，她獨特帶著飾角的字體、和東方風味的人物( 她特別喜歡畫一些東方風味、穿旗袍的女性，寬闊的紅唇也是重點 )，有種復古的唐人街風情，與一般街頭塗鴉的生猛美式印象很不相同，Margaret Kilgallen的塗鴉有著特別的幽默感、異國風情和典雅的氣質，第一眼看到就讓我覺得非常喜歡。

《獨立遊戲時代 Indie Game：The Movie，2012》

「重點在於，不要成為專家。」

我知道有Indie music，沒想到在遊戲設計師的世界裡還有Indie Game這樣的名詞。《獨立遊戲時代》以兩組獨立遊戲設計師為主線，將他們在遊戲上市或參展前的心路歷程完全記錄，讓我非常驚訝與印象深刻的，電玩設計不只是宅男工程師們個人沉醉的小宇宙而已，這是一趟成長的自白、是童年的回憶、是一封情書，他們挖掘自己最深層的缺陷和弱點，放進遊戲裡，期待著什麼發生呢？

獨立遊戲《Super Meat Boy》的設計師表示，他之所以排斥大遊戲公司的體制，是因為他們為了要賺到大多數的人的錢，遊戲往往被修到毫無個人特色，不痛不癢毫無人性。獨立遊戲不受任何限制，當電玩主角闖關失敗的時候，它甚至可以比出中指洩恨，此外還有許多惡搞的黑色幽默，「這基本上是為我自己設計的」設計師說。

因此《Super Meat Boy》的主角，基本上就是設計師的化身。他是一個沒有皮膚的肉塊男孩，在闖關的過程中必須小心翼翼，任何一點東西都可能傷害他，就連鹽巴都可能殺死他。他所要解救的，是一個繃帶女孩，肉塊男孩需要的就是繃帶，兩個角色間與其說是愛，不如說是一種彼此依存的關係。另外曾拿下最佳藝術表現獎的《 FEZ》講的是一個2D世界的男孩不小心闖進3D世界的遊戲，設計師在裡面甚至融入了都市傳說類的趣味：「我們以前玩任天堂，都會流傳著你在某關的某個角落按兩次上下，會跳到異次元，FEZ裡就設計了這樣的小把戲，但你必須自己去發掘。」而被奉為獨立遊戲經典的《Braid》是一個關於「時光倒流」的遊戲，既詩意又充滿孤獨的氣息，這些遊戲設計師們犧牲社交、享受焦慮，透過遊戲，在尋找真正心靈相通的人。

看完《獨立遊戲時代》，誰還能說電玩裡沒有靈魂？

《一個字體，一百年平面設計 Helvetica，2007》

「某樣東西看起清晰，不代表它傳達了正確的訊息。

簡潔有力和無聊間只有一線之隔。」

自從工作後接觸平面設計，也曾經得到一陣子瘋狂收集字體的毛病，我口袋裡自然也有慣用與特別喜愛的字型，但其實無論是Helvetica還是衍生字型Ariel其實對我來說都不是那麼常使用的。Helvetica之所以成為字型的經典，因為它歷經世界歷史的改變，他的被創造與存在的意義，就是符合在50年代社會裡一種對未來的期待與需求。

50年代受到國際平面設計的影響，設計師開始尋找與追求一種理性的聲音，他們追求一種既穩重又隨性、具開放性、有效率、易讀可讀的現代字體作為訊息的傳達工具，Helvetica於焉產生。

除了透過Helvetica的誕生我們重溯了近代世界的演變，這部紀錄片也有許多字體的小知識，我記得很有趣的一段是，設計出微軟Georgia字體的設計師Matthew Carter對於向他人介紹自己的職業常感到困擾：「一般人聽到字體設計都會露出狐疑的表情，難得遇到設計的同好，他們都會驚訝的說，我以為這些設計師都已經死了。」真是一個地位非常崇高、有距離感的職業阿。

「字體和色彩傳達了語言的情緒，像是空氣般的存在，你無法逃避或忽視，它們是將訊息的線路接到人大腦的零件。」每個設計師說到字體，都有一堆個人見地和理論，有的人認為字體根本不需要有表現力，有的人認為選擇字體的重點不是黑色的部分而是白色的部分，有些人受到後現代主義的影響，有的人在乎的是字母的間距...。

設計師的每一天都是戰爭。

《設計與思考 Design & Thinking，2012》

「我們要尋找的是異數與洞見，不要陷入公式化中。」

這部是當初片單出來沒多久就被秒殺的影片，畢竟是台灣年輕導演拍攝出這樣一部國際性的紀錄片，光是這件事本身就已經很具備設計與創新的精神。

這部電影，基本上把設計這件事，再往更高的層次去觀看，把設計放進企業、商業、科學、醫學等領域中發酵，找出這個概念的輪廓，以及被各行各業踐履的方式，並重新回過頭問自己一個問題：我們希望透過設計改變什麼？它已經不只是美感與外型的創造或是訊息的傳遞，設計師必須跑到最前端回頭看：設計是在解決生活的問題。

我覺得這是一部很有野心的紀錄片，他的主題可能是這次的影展裡最抽象的一部，我也很難用三言兩語描述這部紀錄片到底在討論什麼，但無論深度還是節奏都拿捏得很好，光看電影裡都是一線大師的第一手訪談就很有看頭。整部作品並沒有為《設計與思考》下什麼結論，而是以一種很開放的方式重塑每個人心中設計的意義，是一部很適合設計師( 或照這部片的邏輯，其實是各行各業的每個人 )每隔一陣子拿出來與內心反覆映證的好作品。

《神啊！請救救我的高跟鞋 God Save My Shoes，2011》

「這一切關乎慾望，不是需求。
沒有任何一個人需要60雙鞋子。」

「只要鞋子上的一個小元素，就能改變你整體的肢體與行為、你整個人的形象，這就是力量(POWER)。」

流行時尚產業我想是所有設計相關產業裡最瘋狂、最毫無邏輯、最需要打心理戰的領域，多虧《Sex & The City》帶動一波美鞋熱潮，愛鞋成癡的女人終於能與收集名牌包的族群正式互別苗頭，成為時尚成癮症的最熱門顯學。

看著紀錄片裡的明星名媛瘋狂收集鞋子，或是腳踩在一雙看起來極度不舒服、大部份的腳趾都很擠的鞋子裡，還一邊喃喃自語fabulous、fabulous...，對了，除此之外還有模特兒們在伸展台上的摔跤跌倒特集，歡迎來到不可理喻的時尚世界。

這可能不是男人看了會尖叫的紀錄片，但也許能夠想想，為什麼女人穿了高跟鞋會讓人覺得她看起來格外性感？電影探訪了時尚產業、設計師、製鞋師、歷史學家、社會觀察家、精神分析等各個角度，討論鞋跟高度裡隱藏的秘密，越危險、越纖細，讓人越興奮、越無法抗拒。

到最後，神也許要救的不是高跟鞋，而是可憐的脊椎與拇趾外翻。