Saturday, December 31, 2011

【Weekly Cinema】2011.12.18-12.24

幾部日韓電影短心得大連發,有商業驚悚有純愛有搞怪KUSO也有藝術感的,好一陣子沒大看亞洲片了,年底一次出清!
《綁票七日令》(2007)★★★☆
一部很緊湊好看的標準韓式犯罪商業電影。通常劇情如果安排小孩被綁架,男主角是爸爸就會化身為絕地老爸,復仇鬼上身一路大開殺戒;如果主角是母親就會像《非常母親》裡的媽媽一樣,一邊崩潰又一邊堅強地用盡各種方式奮力拯救小孩,《綁票七日令》裡的金允珍就給我這種賣命感。

故事描述一個紅牌辯護律師在女兒遭到綁架後,接到指令要在七天內為一個殺人犯脫身,在小孩生死未卜與追查嫌疑犯的雙重壓力下,卻發現殺人犯似乎確實犯下罪刑,律師不但面臨私情與道德的夾擊,在調查的過程又意外掀開了一個大醜聞...,有一點點像《下流正義》,不過編得更花俏(也更不合理,但我睜一隻眼閉一隻眼純享受),節奏明快娛樂感十足。

《沙羅双樹》(2003)★★★☆
今年金馬影展也有導演河瀨直美的另一部作品《朱月之花》,曾拿過坎城影展金攝影機獎的她,作品到底呈現甚麼樣的風貌一直是我很好奇的,終於有機會看了代表作《沙羅双樹》。

故事描述一對雙胞胎兄弟在一次的樹林追逐中,其中一人走失,而另一個兄弟俊,與整個家庭的時光似乎都停滯在那一天的故事。「雙胞胎少了一個,就再也看不到自己了。心中永遠有一塊空缺」。導演用清淡雅致的敘事描述了那些被遺忘的事、難以忘懷的事、取捨之間的事...,電影頭尾各有一次在奈良古老蜿蜒巷弄間穿梭奔跑(鏡頭從後方尾隨)的畫面,一次是面對消逝死亡,另一次則是迎接新生

一個家庭如何在死亡的陰影下獲得重生,似乎是滿多日本導演/小說家喜歡探討的當代議題,河瀨直美的觀點一如她的攝影風格,含蓄內斂與清澈悠揚兼具,十足古典風味,我喜歡最後那個緩緩飄向天際往下鳥瞰房子的視角。這就是發生在一個城市裡的一個小故事。


《惡人》(2010)★★★★☆
這是一個關於愛與寂寞的課題。愛不對人讓人感到寂寞,用錯誤的方式愛人也讓人感到寂寞,假裝擁有愛比坦率地擁抱寂寞更令人感到寂寞,最後,出於一顆想愛人與被愛的心,卻讓每個人都犯罪了。

目前看過兩部吉田修一作品改編的電影都好成功,《東京同棲生活》和《惡人》我都很喜歡。《惡人》基本上就是層次演技的堆疊烘托情緒的成功之作,每個人都好會演,我很喜歡深津繪里飾演的光代一個人默默吃著妹妹剩下來的蛋糕,然後看著妹妹與男友房間凌亂的床單,然後默不作聲地把忙關上的一段,寂寞的慾望表露無遺,深津繪里這這片的演技真的很有看頭(我覺得把妻夫木聰的陰沉演技初挑戰的光芒都壓下去了),女保險業務員的的父親也是,他讓我想到很多社會新聞裡被害者的家屬。

「如果能早一點遇到你就好了。」
「我只是想要被信任。」

愛,就是這麼簡單、卻又如此艱難的事。

《賽柏格之戀》(2007)★★★★
人只要突破一些偏見,似乎通常會有不錯的收穫。朴贊郁的愛情故事?(能看嗎?)我很好奇這個鬼才導演拿掉暴力血腥與復仇的原素之後,還會呈現甚麼?

故事發生在一個精神病院裡,因此這個愛情故事裡所有稀奇古怪的情節也都順理成章了起來。收音機組裝女工詠君出生在一個有精神病史的家族,她一直認為自己是機器人而拒絕進食,一開始在收音機工廠把組裝電線插到自己手腕裡(無意識自殺)的畫面就風格化十足。而Rain飾演的病患則是一個小偷狂,認為自己可以偷走別人的病症、情緒或抽像能力。

每個精神病患都有一個「罩門」。詠君拜託Rain偷走她的「同情心」,因為患有精神病的奶奶被醫院強行帶走是她最傷痛的回憶,「不能沉浸在悲傷裡」,所以把同情心帶走吧!變成無痛無感不需進食的機器人吧!唯有如此才能堅強地生存在世界上啊!我很喜歡女主角被拿走同情心後,在自己幻想世界裡變成一個疑似田中星人貌的殺人機器不停射殺醫護人員的片段,朴式招牌血腥卻融合著一股鬧劇般的黑色幽默。而被親生母親拋棄的Rain最害怕的事情則是「消失成為一個點」,因此他要不斷偷取別人的「東西」:打桌球的能力、同情心、窩囊感...來證明自己的存在,在劇中只要當他遇到無能為力的狀況時,整個人就會漸漸縮小的設定很有意思。

我喜歡這個非一般愛情故式的設定,除了天馬行空的創意外並沒有刻意賣弄浪漫,我們反而在裡面看到了一些生命經驗、情緒脆弱面的連結,而且再也沒有比「無論再怎麼樣怪的咖都能找到接受自己的另一半」這樣的愛情觀點,更令人感到欣慰的事了。


《奈緒子》(2008)★★★☆
最近張鈞甯幫NIKE拍的舊金山馬拉松路跑廣告吸引了我不少目光,漸漸開始覺得跑步真的是一件看起來很單調、裡面卻暗藏玄機的事。大部分的馬拉松選手都散發出一股巨大的能量,可能是因為在視覺呈現的意象上,跑步選手是很堅定地往一個目標筆直邁進的緣故吧。

《奈緒子》對我來說最大的賣點當然是演員,雖然上野樹里和三浦春馬並不是那麼地有螢幕火花(但兩人的樣子都還是很討喜就是了)。故事是標準的純愛勵志,一對少年少女因為童年的意外有了連結,而透過了一次夏天的馬拉松集訓和比賽,兩人與週邊的人們也都獲得了某些關於生命、友情、親情、自我、勇氣與原諒的力量。

「我們到底為了甚麼而跑呢?」是電影裡不斷重複出現的問題,是個大哉問,卻輕巧地落在這部日系輕電影中,盪起清淡的漣漪。沒有甚麼大道理論述、狗血也還算灑的點到為止,重點是三浦春馬在這部片裡的演技比《戀空》好一百萬倍...。我很喜歡導演拍攝馬拉松選手與補給水份的後備選手交會的一瞬間的畫面,慢動作與鏡頭切換用的很好,拍得很有交錯感,也很有情緒張力,是整個小品裡令人印象深刻的一段。

Monday, December 19, 2011

【Legacy】亂彈阿翔─厚哩叫媽媽演唱會@華山Legacy 20111218

去年八月阿翔他闊別十年的《英雄的逞強》復出演唱會我沒有跟到,一直覺得很扼腕,因此去年年末《簡單生活節》的演出便抱著非看不可的決心。排隊排到鐵腿、然後又被莫名人潮往前推擠(順勢咕溜地往前)到搖滾區的我們,被滿滿一小時的台式硬漢搖滾魅力震懾到不行。

那是一個混和著音樂祭特有的騷動、興奮與疲勞,激昂吉他與蒼勁歌聲帶來的視聽震撼、聚光燈下90年代不羈瀟灑的長髮搖滾樂手形象、滿場觀眾沸騰地大唱「人生阿~親像走馬燈~」,一直在我記憶裡非常鮮明。還記得結束時收到站在同場不同處的友人傳來的簡訊:「看阿翔一場抵三場」,我點頭如搗蒜。

挾著今年金馬獎的最佳原創電影主題曲得主的氣勢,以及電影音樂專輯《把我換成你》的問世,亂彈阿翔南北兩場演出,聲勢相當浩大地開唱了。

該來的金曲一首都沒少,《良心》、《麻痺》、《美男子》、《絕口不再提》、《尋找》、《我要的不是你》和寫給陳奕迅的《我甲你》...,當我非常喜歡的《戀人》歌詞一進入:「冷風中雪花飄在山巔/蒼白的大地阿/看似安靜的來阿」,完全鐵漢柔情的展現(太帥了我投降)。而中場特別來賓《翻滾吧阿信》的導演林育賢喵導和柯宇綸的站台,除了呼應這次演場會「厚哩叫媽媽」的主題,也搞笑地重現金馬獎當時熱烈的頒獎氛圍,也為接下來表演的電影系列歌曲《叫媽媽》、《翻滾吧》、《完美落地》做了最棒的開場。安可曲《走馬燈》一定是渲染力十足的全場大合唱,最後整個演唱會以《寒風刺骨的思念》雙吉他互飆做為ending,吉他手阿偉忘情地跪倒在舞台上SOLO,我看到謝幕時阿翔連吉他絃都斷了。

然後你會覺得這一切都很神奇,阿翔不是休息了三五年而已,他中間有大約十年都沒有公開表演,但這些歌過了那麼多年還是那麼好聽且歷久彌新,在不同年紀聽都有不同感受,他每一場現場都一樣靦腆不多話,以彷彿是最後一場演出的態度,沉默又賣力。

我很喜歡某篇網路報導裡形容阿翔的音樂:「那是一種不會留妳下來的逞強」。他的歌裡可以聽到生命的各種況味、對理想與現實的掙扎、說不出口的愛、對社會的批判、賭一口氣給別人看的拼命、質疑和苦衷。而現在的他唱著《完美落地》告訴你要大步往前走。

也許我們對生活都還有同樣的一點逞強。

Thursday, December 15, 2011

【2011 金馬影展】泥河 Muddy River (1981)

究竟是戰爭可怕?還是在戰後貧困中活下去比較令人畏懼?
「也許那些在戰場上光榮戰死的人是比較幸運的。」爸爸如此說。

導演小栗康平以一種嫻熟內斂的手法,拍出了日本戰後十年的關西地區的人們,如何在過往戰爭帶來的陰影下生活。

不得已的再婚、討生活的艱辛、社會階層的差距、生存、友情、小小的快樂...,我們置身於生命這條滾滾泥河,於其中載浮載沉,各種悲歡離合交雜出一股再也無法形容的顏色,就像信雄與爸爸最後的無聲的對視一樣,無奈與滄桑不須言說,人在片刻苦澀之中便成長了。我很喜歡變著魔術的敦厚爸爸,雖然日子很難熬想到前妻也有愧對的心情,但總是像一個中流砥柱一樣撐起一個家。船屋的小孩拿火燒螃蟹當娛樂的一段也讓我印象深刻,被迫提早在成人世界裡討生活的孩子,在世俗眼光無禮地對待之下,心,是不是也漸漸麻木了?而他將來又會成為甚麼樣的大人呢?

不知為何,《泥河》讓我想起了動畫《紅豬》中非常魔幻的一段,各國的戰機載著戰亡的士兵緩緩向著光亮升空的一幕,戰爭侵略的本質也許不可避免地造成了民族意識型態的對立,但是在戰火下人民的痛楚,卻是一個大時代跨文化的共同印記,是一個沒有選擇餘地的、集體人類的共業。(《泥河》曾獲得1982年奧斯卡最佳外語片提名)


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金馬影展今年在看了十片後終於熱鬧的結束了,拖了好久的心得也終於一篇篇完成。覺得今年很幸運,都看到很好看的片子,但可能因為質感密度過高導致於我異常的疲累XD。硬要選一下「還好有看到的前三名」的話,我想應該是:《密陽》、《萬花嬉春》和《浴室春情》吧,至於理由完全是個人喜好。結束了舟車勞頓的日子,現在要回頭對付滿山滿谷的DVD啦。

Wednesday, December 07, 2011

【Weekly Cinema】2011.12.04-12.10

啊!最近真是到了極限,可能老天爺聽到我的吶喊,所以賜給我三部我喜歡的好片吧~
《夜釣 Night Fishing》(2011)★★★★

其實會看日韓大牌檔都是為了朴贊郁啦,因為很欣賞他的敘事風格和影像美學(原罪犯、蝙蝠),所以看到這次有放映他與胞弟朴贊旭獲得今年柏林影展最佳短片金熊獎的短片《夜釣》,就很想一探究竟。沒想到這是要購買套票才能看的特映場,電影公司用這招實在夠賤阿!

這部電影最大的噱頭,就是這是第一部全片以I-Phone拍攝而成的電影,網路上有許多幕後花絮可以看拍片過程,不過除了攝影機本身是I-Phone外,其他的收音、演員排場等等...都還是電影規格。劇本很有意思,一個男人跑去夜釣,釣了一個謎樣的女子,原本看起來像是古代民間故事的劇情(釣到鯉魚精之類的),卻在女人發出了男人女兒的聲音後反轉了起來。夜半垂釣的人們,究竟期待釣到什麼?是人釣魚?還是魚釣人呢?

朴贊郁的劇本功力還是很棒,把一個民間傳統乩童、靈媒的故事用相反的觀點、相反的角度、相反的敘事描述,呈現一種不落俗套的風味我滿喜歡的。另外從事當代錄像藝術的朴贊旭應該在視覺美感上提供了不少點子。

《晚秋 Late Autumn》(2011)★★★★

光看晚秋的劇情和劇照,說實在這不是我會有興趣的電影,還好最後破除了這些成見,結果超乎預期的喜歡。一個因為要參加母親喪禮而獲得一日外出機會的服刑女子,在這一天之中意外遇見了一個牛郎,兩個在西雅圖的異鄉人,撫慰了彼此的缺憾,儘管這只是兩人命運中短暫交會的一日。這個很特別的故事,其實是來自於一個曾多次改編的韓國老電影,由湯唯和當紅炸子雞玄彬詮釋,我原本並沒有太期待兩人的化學效應,沒想到看下來其實還挺有火花的。

全片都是在西雅圖拍攝,很美!隨著牛郎「一日扮遊」的情節,把西雅圖多雨多霧的氣候、知名的景點、街頭風光都攝入其中,其實頗有一種「西雅圖我愛你」的味道。因為角色的國籍不同,導演也順勢在片中大玩「語言」的遊戲。像是大部分人都很喜歡廢棄遊樂園那場戲,兩個人隔著玻璃幫一對男女配音,配的究竟是信口胡謅的老派愛情故事?還是彼此對過往愛情的體悟與未來愛情的期待?(全片一段很美的魔幻劇情也是發生在遊樂園,導演用湯唯幻想的雙人舞,來傳達兩人沒時間好好發展的戀愛過程,我也很愛)

另外女主角向男主角告解入獄的原因,這一段她是用中文說的,但男主角卻憑著女方說話的口氣與表情,在每一段的結尾用他剛學會的中文「好」「壞」做評,除了有盡在不言中的默契(好事評好、壞事評壞),當壞事被評為「好」時,似乎也撫平了那股憤怒,厄運不再是厄運。

語言梗的最高潮在喪禮餐會的「叉子戲」發揮的淋漓盡致。男主角與女主角的舊情人一言不和大打出手,情急之下男主角宣稱打人是因為「對方用了我的叉子沒有道歉」,女主角轉向情人興師問罪「這又不是你的叉子,你為什麼要用?」「一般人就算不知情,也會懂得禮節吧?」「重點是,這叉子又不是你的!不是你的!是他的!」「你是不是欠我們一個道歉?」湯唯在這場戲裡大爆炸,把自己喻為那把叉子,在愛情的過程中被爭奪又被拋棄甚至失手殺人入獄的心情,詮釋的很有壓抑過頭後的爆發力。

可能我比較悲觀,最後的開放式結局的安排,我認為片名《晚秋》就是一個哀傷的暗示...深秋之後,就是漫長寒冷的冬(不然這片應該叫《晚冬》會讓人覺得比較有希望),最後來一張2人幫VOGUE拍的宣傳照。

《阿娜答有點BLUE ツレがうつになりまして》(2011)★★★★

「憂鬱症就像是心靈的感冒一樣,誰都有可能發生的。」
「希望未來的我們,可以笑著看待這場宇宙來的感冒。」

改編自日本女漫畫家細川貂貂的自身經歷作品,實在讓我喜歡到不行。可能因為當代人都過的挺憂鬱的關係,卻對憂鬱症有太多的偏見或刻版印象。我原以為這片會像《幸福的彼端》那樣的鬱悶飄忽的氛圍,沒想到卻完全不同,反而真實感人許多(兩片比起來我比較愛《ツレ》)。

因為不了解,所以害怕。這部片把憂鬱症患者前中後其不同的病症都表現出來,有些地方甚至是用很搞笑的方式詮釋,多少也削弱了大眾對憂鬱症的心理陰影,我們隨著ツレ一起經歷了憂鬱症的種種關卡,到最後真的有千辛萬苦終於撥雲見日的感動,「就算還是陰天,也比黑夜明亮許多」,這句OS實在說的太療癒了!宮崎葵和堺雅人繼篤姬後二度飾演夫妻,對手戲都非常自然動人,寵物大蜥蜴我也很喜歡。

「絕對不要努力,覺得難過的話就不要做這件事,不要急、不要勉強自己。」這句話是女主角在陪伴了老公努力了一段時間後的體悟,不但運用在自己的人生道路身上,同時也送給了一個剛離婚的友人。人總是要在生病了,才開始思考人心是怎麼一回事,這句話真是打到我心坎裡了,千萬不要讓自己的心感冒阿。

細川貂貂的漫畫非常可愛,也有出台版,可惜我不太喜歡台版的封面...希望出版社可以趁機改版一下...像日本一樣用黃色的不是很好嘛!!圖大大的不好嘛!!幹嘛自己亂做封面阿~

Thursday, December 01, 2011

【2011 金馬影展】密陽 Secret Sunshine (2007)

在陽光普照的地方,
我們是不是就可以看見全部的東西不放過一絲黑暗?

會想看密陽,其實不是因為導演很有名也不是這部片也拿下大獎的緣故,而是之前看了今年拿下坎城金棕櫚大獎的《永生樹 The Tree of Life (2011)》後有很多說不上的感覺...,看到許多網友推薦《密陽》,然後彷彿某種感應一樣,今年金馬影展竟然有李滄東導演的特集。

人在逆境中放棄信仰是電影中很普遍的主題,因為「神」沒有阻止悲劇發生,通常,如果劇情朝向負面的情況發展,主角大概就會成為反社會的瘋子或殺人魔之類的;而大部分的正向劇情又會導向一切的事件都有其發生的意義,主角最終靠著自己力量站起來重拾人生真諦...之類的。《密陽》並沒有脫離上述的範疇發展出多麼奇詭的故事,卻在兩個對立的命運結局中刻劃出最真實複雜的人生困境。


「祢怎麼可以在我還沒有走出傷痛前,就先寬恕了他的罪?」

單親媽媽申愛決定在新環境裡重新開始人生,沒想到雪上加霜遭遇了小孩被撕票的悲劇,已經形同行屍走肉的她,決定投入一開始不願意接觸的宗教慰藉。在教堂中,所有悲憤痛苦的情緒都得到釋放,神父的手輕輕放在申愛的頭上,即仿佛被上帝撫慰了一般平靜了下來。伴隨著宗教,申愛的生活漸漸重新回到軌道,但是她知道,最困難的心魔是原諒。

她決定去獄中告訴兇手「我原諒你」。然而探監時才發現,兇手早已不是想像中畏畏縮縮、充滿罪惡感頹喪的模樣,而是意外地容光煥發,兇手表示在獄中信仰了宗教、得到了救贖,他告訴申愛,上帝已經赦免了他的罪讓他獲得了新生。這番告白讓申愛的世界重新毀滅,「我是多麼艱辛想要走出傷痛,他卻輕易的獲得重生?」於是她開始挑戰信仰的底線...。


「這一切都是我的選擇還是神的旨意?」

電影裡的佈道者不斷說到,生命裡的一切,都是上帝的旨意,就連你現在看到的那道陽光也是。單親媽媽選擇帶著小孩回到亡夫的故鄉定居、選擇信仰重新站起來、選擇不原諒、選擇質疑與褻瀆宗教、選擇想要活下去...,最後選擇自己剪去頭髮,這究竟是我們的意志?還是又一次上帝的旨意?女主角墜入黑暗那一段是整部戲第二次翻轉的高潮,讓我想到了《陌路˙天堂》裡那個靠著他人的悲憤力量才活的下去的小女孩,原本以為你(祢)是站在我這邊的,沒想到被留在黑暗中的,只有我一個而已。

全度妍的演技精湛到我瞠目結舌,不僅外放的部份表現得很好,那些細微的轉折:力圖振作卻掩蓋不住的疲憊脆弱、質疑信仰時的挑釁姿態,去探監後整個人乾涸的面無表情、去找金先生示愛瀕臨精神喪失的邊緣...,都是極致演技的展現,散發出來的一切能量都很驚人,拿下坎城影后真的是名副其實。

我尤其喜歡她有一段在外面很樂觀、回到家一個人默默吃著飯、不知不覺間眼淚就無法控制的流下來、然後她一邊念著禱文的樣子,非常的無聲卻很動人。另外她勾搭藥房老闆對天喃喃自語著「祢有在看嗎」那段,導演刻意用了很長一段鏡頭讓她的臉在螢幕上是上下顛倒的,散發出一種入魔的面貌也很讓人不寒而慄。

《密陽》這部電影讓我最感動的一點是,導演將情緒轉變的起承轉合處理得既強烈又細膩之餘,還賦予了「宗教信仰」一個很巧妙的功能。一開始先給它一個不受歡迎的樣貌(藥房老闆娘說:像你這樣不幸的人就應加入團體,讓觀眾先入為主的產生排斥)、再讓它發揮正向功能(全度妍從在教堂哭到掏心掏肺到漸重拾生活中的平靜快樂)、獄中會面後的崩潰(不參與教會、自我封閉)、再讓宗教信仰成為女主角質疑挑戰的對象(勾引教友、偷東西、破壞集會、自殘),最終在把這個部份完全地抽離,回到一個人,與她選擇的人生道路之上。

這就是一個關於生命與絕境的故事,就算把宗教的原素拿掉依然是一部很值得看的佳作,「密陽就是一個跟別的地方一樣的地方,沒甚麼特別的。」導演李滄東透過電影頭尾重複了兩次這段對話,淡淡帶出這就是我們每個人的故事,沒有甚麼特別,是每個人生命中都會歷經的。


「上帝,那時祢在哪裡?」

回到今年坎城的話題之作《永生樹》。我實在沒辦法睜眼說瞎話說我沒睡著...在長達半小時的宇宙生命的起源部分讓我昏迷了(但我有看到恐龍)...,不過劇情的部分倒是都看得很認真。

我很喜歡運鏡與美術,尤其那些從腳部的跳動、灑水器的節奏拍攝的畫面、俯瞰、天際與水流(有網友說導演用這樣的方式去呈現了上帝的視點,我們走過的路就是上帝存在的證明,我覺得形容的很棒),大廣角、絕美的柔和色調(整片都是在清晨或黃昏時拍攝的,因為導演Terrence Malick覺得這是一天之中最美的兩個時刻),都讓我印象深刻。

其實《永生樹》的劇情本身是很淡的,但是卻很幽微,男主角在失去弟弟之後,重新回溯了童年愉快與不愉快的記憶、溫暖與陰影、慈母與嚴父、對菁英典範的嚮往、對體制的反抗、發現父親形象的不完美、被迫搬家、然後走入更深的迷惘...。整部片像是抽像畫一般,將上帝、信仰、父親、愛、家庭等抽象的原素揉合在一起,充滿了隱喻,充滿了困惑。有趣的是,這部片的 Ending跟《陌路˙天堂》有著同樣飄渺的氣氛。


有機會會想挑戰一下Terrence Malick的紅色警戒The Thin Red Line,這部跳脫舊有框架又十足導演本色的戰爭片。

或許是我太悲觀,但某部份的我,很喜歡這類探討當人處在絕望逆境、或是信仰被摧毀的痛苦中,該如何抉擇與自處的電影。因為我認為人生就是被一連串(帶有悲劇色彩)的事件牽引著,快樂的事件、幸福的感受通常不會帶給我們價值觀上的遽變與衝擊,然而,我們不可能一輩子禱告「希望這些事永遠不要發生在我們身上」。

李滄東導演在電影講堂裡所說的很好:「電影裡即使有快樂結局,也不代表人生就會有快樂結局。如果我們在人生當中想要獲得快樂結局的話,這就是電影的功用,它讓人能夠有感觸,能夠試圖改變自己的人生。」也許我追求的不是快樂的結局,也許那是一個比快樂還要複雜的東西,但如果藉由這些電影可以一點點匯聚那些無法言說的感受或力量,我會覺得這是一個很棒的經歷。

Wednesday, November 30, 2011

【murmur】本日收穫之6


《本日收穫》

一種屬於夏天的熱氣
一個上火的食物和一個退火的食物
無所事事卻又要做一點什麼的心情
「呆坐著也是會累」的OS
「好想好好看本書」的OS
因為真的沒什麼事產生的罪惡感
因為真的沒什麼事產生的罪惡感衍伸的自我厭惡感
做了好久的東西不知道會不會是最後一份的懸疑感
發現錯過了一個東西的扼腕感

以上是一個產量很低但感觸很多的一天

不知道為什麼,今天的心情很像大學或是在實習時的感覺,很有Kiuchi Tatsuro木內達朗插畫裡那種很清爽、很輕盈的陽光愉悅感。所以我很喜歡他某年幫StarBucks畫的聖誕限量提袋。但因為過的太無所適從了,心裡又莫名上演小劇場,覺得自己實在很欠扁。

Thursday, November 24, 2011

【2011 金馬影展】萬花嬉春 Singin' in the Rain (1952)

「Make them laugh!!」

《萬花嬉春》是一部關於歌舞片的歌舞片,50年代拍了一部爛默片的好萊屋男演員,企圖用歌舞片挽救自己的演藝事業,同時也產生了對身為一個好演員的認同、以及對愛情的追尋。所以我們看的歌舞片段不只是超脫常理的表達方式,同時也是劇情裡的拍攝鏡頭。而這也是一部關於電影工業轉變的電影,生動地描述了默片時代的好萊屋受到有聲影片技術的衝擊,影響了演員表演方式、導演導戲方式和電影製作的方向。

看完像做了一場美好的美國夢(美國電影真的是用來做夢的啊!),讓我膚淺地不停大喊好好看!(片尾同時響起本次影展我經歷最熱烈的掌聲)真不愧是影史上票選的荒島電影第一名阿,任何片段都不無聊、目不暇給的歌舞、幽默機智的對話,我真的覺得如果我一個人被放生到荒島帶著這片應該可以活得很好。

男主角Gene Kelly飾演的Don是一個從滑稽歌舞演員陰錯陽差當上特技演員、再意外當上男主角的好萊屋默片一哥。Gene Kelly笑起來就是那種典型的美式帥哥,笑容很迷人,他跟男配角Donald O'Connor號稱史上最完美的踢踏舞雙人搭檔,一個俊美一個活潑討喜,youtube上可以看到非常多兩人搭檔的踢踏舞脫口秀,真的是非常精彩!


女配角Debbie Reynolds非常開朗俏麗,長相和角色性格都很討喜,我也很喜歡(有一種溫蒂漢堡的感覺)。如今雙搭檔皆已離世,三人一起表演的《Good Morning》的歡愉,只能成為60年代美國人心中一個永恆的共同記憶。

《發聲練習》這段是我很喜歡的一段演出,結合跟老師學發音的繞口令練習,語言的節奏和踢踏舞結合實在很趣味,看完想跟他們在ending一起大喊「A」!



下面是在《萬花嬉春》上映後產生了一系列很棒的踢踏舞脫口秀片段!不但結合歌藝、舞技,還融合了幽默風趣的對談,整個是一絕。(以前的Talk Show好好看!)



電影裡也演到了好萊屋演藝圈內幕,像是演員總是會亂唬爛自己的生平與出道經歷,和那些不為人知的代演代唱。其中Lina請Kathy代唱的一段,結局相當大快人心,但也點出了許多經典作品的背後都有不知名的電影工作者默默燃燒自己的才華卻沒有觀眾知道,不知為何讓我想到當年奧黛麗赫本的經典名曲Moon River,也是由他人代唱、所以無法獲得奧斯卡提名的這個陳年軼事。

Monday, November 21, 2011

【2011 金馬影展】梅里葉魔幻電影音樂會

「電影是最迷人的魔術。Georges Méliès(1861-1938)」

自從1895年,法國的盧米埃兄弟(Auguste Marie Louis Nicholas & Louis Jean)改良了愛迪生發明的西洋鏡,並在法國巴黎卡普辛路十四號大咖啡館的地下室播放了第一步短片開始,電影,就成為人類文化中一個更能展現我們對世界想像的媒介。隔年,法國電影大師喬治梅里葉受到了啟發,開啟了他500多部默片的創作生涯,其中甚至包含了電影史上的第一部科幻片「月球之旅」的誕生。

我不知道Michel Gondry是不是受其感召,但我敢保證他一定愛死了梅里葉精湛的手工電影藝術,不但編、導、演、製片發行一手包辦,那些奇幻到不行的機關與景片也都是全手工製作,簡直就是sweded精神的祖師爺。

金馬影展這次超級用心,不但帶來16部短片集錦,為了讓觀眾更能體驗上個世紀(真的是100多年前)看默片的氛圍,特別請來梅里葉的曾孫女做為說書人,她用活潑生動的語調向大家介紹每部片的主題,並視情況加上一點點台詞。而梅里葉先生的曾曾孫子本身是一位相當傑出鋼琴家,他就在電影院現場為短片彈奏鋼琴配樂,精通古典、爵士、法國香頌等不同類型鋼琴曲目的他,讓這場限量版的電影播映,當場轉變為史上絕無僅有的表演藝術。

喬治梅里葉的魔幻默劇短片題材其實非常多元,除了科幻,政治、宗教、童話、中世紀的公主與女巫、異文化的想像(中東)、海底世界、魔術師與音樂家...等都是他熱愛的題材。

我很喜歡他使用一些在當時很前衛的拍攝技法(例如重複曝光)搭配一個簡單的情境,就能呈現出無窮的想像空間和獨道的法式幽默,像是他本人重複曝光7次的一人小樂對我就很喜歡,另外像是《蛹與蝶》、《神奇撲克牌》、《世紀末印象派》等都是我滿喜歡的短片。而被國際教科文組織列為人類文化遺產的影史上第一部科幻電影《月球之旅》,更是必看的經典。(一定要看看太空船是如何降落到月球的,月亮的臉非常機車很趣味!)

Saturday, November 19, 2011

【2011 金馬影展】東京公園 /青山真治系列 (2011)


「請用這台相機多拍拍太太的照片吧,請好好地正視她。」

初看《東京公園》,我覺得有一點《Blow Up》的味道,或許「攝影」加上「公園」這兩個元素實在太深植人心。但「究竟拍到了什麼?」,其實並不是這部電影的核心。

我覺得本片不只是一部用運了許多攝影語言的電影,更是探討各種觀看狀態的電影。透過各種觀看,如光司與偷拍少婦間單方面的窺視、光司與姐姐雙方面的相互凝視、亦或是富永與小廣處於看見與看不見的曖昧狀態間,人心的連繫與幽微的互動,透過各種視線被清晰地描繪了出來。直視他人,究竟想看清楚的是對方,還是對方眼中的自己?


「手足總有一天會變成陌生人。」

導演青山真治說,那場最富爆發力的姊弟情慾戲使用的手法,是對小津安二郎的一種(致敬)模仿。我想青山導演真是太謙虛了,這也是我整部戲裡最喜歡的橋段之一。

「凝視」本身就是一個很有趣、蘊含了很多權力慾望關係的行為,要使用鏡頭拍出兩個角色相互凝視,以及觀眾能夠感受到彼此視覺力量的強度、雙方的視野,不是一件很容易的事,我覺得青山導演傳達的很好。特別是當被攝者(姐姐)的目光直視鏡頭,一種反凝視的力量寧靜又強而有力的傳達,「我不只是一個被言說的被攝體,我自己的情感透過自己的目光傳達」,接著親吻了弟弟的畫面,情慾在主客角色的轉換間流轉,很有意思。

《東京公園》的故事裡,除了描述非一般的家庭關係之外,多角關係、日常偵探、淡淡的靈異味、同志的角色、過往的死亡事件這些元素的運用,都讓整部片有點吉本芭娜娜的味道。

這部片走寫實清新的溫暖風格,節奏雖不至於非常明快,但也不沉悶,配樂與攝影都運用的很好,每個人物的個性都滿鮮明的,角色間互動自然且有很多趣味小細節,我喜歡導演一開始沒有把大家的關係說的很明白這一點,而是隨著劇情發展,讓觀眾自行咀嚼出角色間彼此的關係與羈絆。

值得一提的是,這種溫暖療癒的風格是青山真治導演的初嘗試,與他的代表作九州三部曲有著截然不同的差異,我不曉得是不是人到了中年之後就會變得比較溫暖,但全片戶外的場景幾乎都發生在東京的各個公園裡,每一幕都拍攝的風和日麗、陽光煦煦到了極點,每個人物的週邊都散發著明亮柔和的光線,讓我想到了《東京野餐趣》之類的風格小書。導演在映後座談笑著表示,甚至有外國觀眾在看完後表示「這不是他認識的東京」。

比起小路幸也的原作小說,青山導演在電影中安排了一個幽靈的新角色,一個什麼都不知道的偵探搭配上一個什麼都知道的幽靈,這個導演特意做的雙拍檔設定相當絕妙,我個人很喜歡。另外就是我一直覺得三浦春馬比較適合演性格分明的角色,但其實他詮釋這種有點迷網的大男孩也詮釋得很不錯呢!

Wednesday, November 16, 2011

【2011 金馬影展】殺不到的仇人 (2010)

金馬的文宣上寫著殺不到的仇人保證讓觀眾「驚聲尖笑」,我還在想這是哪一國的形容詞...聽起來好B啊!沒想到看完之後,的確讓我體驗到今年金馬影展截至目前為止,觀眾現場即時反應最熱烈的一部片了!(大家真的是又笑又叫阿...)

無論是兩個手無縛雞之力被綁在床上的病人,竭盡所能想要幹掉對方用的方法令人拍手捧腹、還是後半段一次手術後兩人性格與記憶的大逆轉,讓大家極度驚呼的冷冽血腥暴力,都讓我們再一次見識到韓國電影有多擅於集合各種賣座元素,徹底發揮「小成本/大驚喜」的劇本功力,果然沒有浪得本次影展秒殺片的威名。

「人只會記得自己己想記得的事情。」是《殺不到的仇人》劇情設定的奧妙之處,一對皆失去部分記憶且身負重傷的仇人,被迫關在同一間病房裡,只記得彼此有著深仇大恨但關鍵記憶卻怎麼也想不起來。其中一個不但中風還想盡辦法自殘、另一個看起來挺樂天但每天起床後記憶又會退回原點,兩個人接受醫院新研發藥物的特殊治療,雖然能一點點喚起記憶,但會產生幻覺的副作用,卻讓記憶、真實、夢境與妄想更加混亂了起來...。

幾乎80%的劇情就發生在一個病房裡。我很喜歡最後女護士走進病房卻沒有發出驚呼的安排,似乎默默暗示著,一切都是女性的復仇。

其實後半段的逆轉我有猜到劇情(因此不能說設定的多麼出乎意料),但整體來說還是製作的很不錯。前半段相當緊湊又很巧妙,簡直就是「你不知道的病房裡的殺人大全集」,演員一冷一熱互動相當有趣,並加入徐孝琳這個俏護士相當妙意橫溢。後半段一個手術的分隔,讓劇情急轉直下回到韓系暴力電影一貫的冷酷張力,打殺就是沒跟你客氣,寫實到會讓人倒抽好幾口氣那種,結尾再加上一點點出人意表的設定,短短90分鐘內多種口味一次滿足,算是相當划算。

Monday, November 14, 2011

【2011 金馬影展】平凡人物的號角 The Beat Is The Law - Fanfare for the Common People (2011)

在英國,許多樂團都有濃厚的地域色彩,像是說到Beatles大家會想到Liverpool;說到Oasis會想到曼徹斯特,而這部由Eve Wood執導的紀錄片《平凡人物的號角》則延續了其上部作品《Made in Sheffield》的精神,繼續探究英國雪菲爾這個工業城,在80年代柴契爾執政的礦工罷工風波、社會的動盪蕭條、保守黨與工黨鬥爭的背景下,一群來自Sheffield對音樂充滿熱情的年輕樂團,如Chakk、FON Studios...如何在世界樂壇建立起90年代第二波英倫入侵風潮─Brip Pop這個英搖名詞的基石,這其中當然包括最著名的Pulp(果醬樂團)。

「工作(?)噢不,這字眼是髒話。在那年代每個人都領救濟金度日。」

80年代柴契爾執政的經濟政策引爆了礦工戰爭,讓許多工業城市面臨了高失業率的危機,我印象中對這段歷史背景有加以著墨的電影,就是Jamie Bell主演的《舞動人生》了,片中Billy的父兄都是參與罷工最後又被強迫回去上工的礦工。在當時,許多樂團樂手也親身經歷了家人失業、或因罷工事件持不同看法反目的過程。

生活於英國左翼社會主義代表城市雪菲爾之中,這群年輕音樂家的身上似乎也都更加具有一種平民勞動生活的色彩,除了草根性的堅持(大家都想在Sheffield玩音樂,沒人想去London),就連他們成功的歷程也都是加倍的艱辛。Pulp從1978年成立,整個80年代都在經濟蕭條的不得志環境下渡過,撐了十年直到90年代初才大放異彩,且成功融合House風格(這舞曲浪潮原本可能成為危機),反而創造出不同於其他英倫天團Oasis、blur的曲風。



「如果像我這個瘦皮猴都可以做得到,你也一定可以做得到。」

Pulp在1995年的Glastonbury音樂季,取代洛史都華成為壓軸表演樂團,直到2000年初他們都是Brip pop的代名詞,而後彷彿輪迴一般他們又沉寂了十年,然後在今年2011年的夏天重組。這首代表作《Common People》也就是他們、與現場八萬觀眾以及橫跨數個世代年輕人對生活的共同感知與妄想。對我而言,這不是甚麼無名小卒成功的勵志故事,而是橫跨十數年終於又開創一個新世代、達到另一個音樂境界,平凡卻又強烈力量的展現。

You'll never live like common people
You'll never do whatever common people do
You'll never fail like common people
You'll never watch your life slide out of view
and then dance and drink and screw
'because there's nothing else to do
I want to live with common people like you...

Sunday, November 13, 2011

【2011 金馬影展】新海誠:她與她的貓 / 星之聲 / 秒速五公分

《她與她的貓》(1999)

一直沒有機會賞新海誠的作品,這次金馬影展竟然推出導演特輯,二話不說自然選擇了代表作《秒速五公分》這個場次,另外搭配的《她與她的貓》是導演的處女作、《星之聲》是融合純情愛戀與科幻的首部長篇,都是奠定導演風格的重要之作。

我個人非常喜歡《她與她的貓》這個溫暖又有點都市疏離氣息的小短篇,從一隻被撿回來飼養的流浪貓眼中,看女主人生活中經歷的快樂與悲傷,整體故意偏灰色系處理的色調、以及有時只有字幕的無聲OS、鋼琴風味的柔軟配樂,都讓這個珠玉之作呈現出一種近似抒情散文體的絕佳質感。

另外小貓找來一位成熟年輕男子作配音、以及從頭到尾都沒有畫出女子的正面五官,都是很有意思的設計,我只能說這段真的是短的好,讓我非常回味,看完甚至覺得感動到有點想哭,預告也剪的很不錯。(這場許多觀眾大遲到,甚至連這部都沒看到真是太可惜了)

《彼女と彼女の猫 Trailer》


《星之聲》(2002)

《星之聲》是一個以204X年為背景的科幻愛情故事,一對中學的青梅竹馬,因為女生被選為聯合國宇宙團隊的隊員,必須在太陽系的各大行星間進行各種任務,因此與男孩聯繫的簡訊,也從原本的隔一日收到、隔一個禮拜收到、漸漸變成隔一個月收到、隔一年收到...,最後一封簡訊隔了八年才收到。

「惆悵無奈、又融合遙遠思念的愛情」似乎是新海誠導演最熱衷的主題,而這部也有不少類似鋼彈的機器人與外星人打鬥的劇情,是科幻味道比較濃厚的一部,但整體來說故事還是很有日系輕小說的風味。

但《星之聲》最吸引我的,是美到不行的畫面。

新海誠大概是我近期看過最會畫光影的動畫家了,無論是自然光(宇宙、天光、夕陽...)、都市光影(教室透著窗的光線、透著樹蔭的光線、灑落在街道與行人身上的光線、騎樓的光影、居家的光影...),還是人造光(街燈、電車車燈、看板燈光...)都是一絕,融合雙色的大面積暈染製造光暈效果也是他的拿手好戲,這種寫實中帶著唯美又透露著靜謐孤寂感,感覺不需要有太多劇情,就可以讓我這樣一直默默地沉浸其中。


《秒速五公分》(2007)

無緣的青澀戀情、電車(火車/平交道)、教室的場景、天空都是新海誠熱愛運用的符號,而在《秒速五公分》這個代表作中,則是將所有熱愛元素完美地運用,我非常喜愛教室大背光的場景,我記憶中也有那樣的風景,看到被如此完美呈現真是令人滿足。

其實我個人覺得新海誠的人物設計比較普通,沒有太突出的造型,肢體也比較僵硬(就是一般水平),但是背景與劇本的良好搭配,加上配樂和剪輯運鏡都是他的優點,因此能製作出相當完整的輕暖感傷奇幻愛情小品。

整部動畫分成三段:《櫻花抄》、《太空人》、《秒速五公分》,可以各自獨立又相互呼應,同樣講述一段無緣的青澀戀情。其中片名「秒速五公分」指的是「櫻花以每秒五公分的速度降落」,不僅浪漫,且挺有想像空間的,這片名我很喜歡。第一段《櫻花抄》有大量的夜景描繪,夜晚雪地、夜晚的車站等...,幽暗的氛圍讓人印象深刻。

新海誠最為人津津樂道的除了他的主題與風格,重要的還是製作的模式。我知道很多動畫導演喜歡全部一手包辦,作動畫的人通常會有「個人小宇宙」情結,要完全地浸淫在自己的小世界裡創作。

新海誠最讓人瞠目結舌的,是全部的東西都是用他一台MAC做出來的,包含一些3D、配音配樂、剪輯等,所以能完全地掌握住個人風格,我不知道這樣的創作模式在後期製作比較大規模的作品時,是不是還是這樣運作,但早期的作品都是「一人小工廠」產生的,因此也有一些評論家表示,也許是一人製作的緣故,對於其作品上的一些瑕疵也相對比較能夠包容。

有些人將新海誠冠上宮崎駿接班人的稱號,但我覺得其實兩人的風格與關注的議題都很不相同,還是不要抱持這樣的期望來欣賞他的作品會比較好。

最後貼上《秒速五公分》最後的主題曲,日式輕搖滾風味非常好聽,也能順道欣賞新海誠導演拿手的剪輯與視覺風格。

Saturday, November 12, 2011

【2011 金馬影展】浴室春情 Deep End (1970)

《浴室春情》不只片名講起來有點令人害羞、連劇情也有點宅味。故事講述一個羞澀的十五歲英國少年Mike到澡堂擔任服務員的工作(竟然有這種工作!),前半段不斷被飢渴的女客人上下其手,但他其實暗戀的,是同在澡堂工作的女同事,較年長的女同事不但週旋在未婚夫與游泳教練之間,也相當會用手斷挑逗少男,讓他一顆心懸在那邊,因此引發一連串十分忙碌且一發不可收拾的劇情...,這劇本怎麼看都挺有日本漫畫春心動盪的風味。

整部片從一開始就散發著一股淡淡臉紅心跳的氣息,可能因為主場景設定在公共澡堂,洗澡的人們、半裸的人們、浴門一開一關之間,自然流漏出不少春光與曖昧的互動,一幕幕都若有似無地挑逗著觀眾的視神經。

導演 Jerzy Skolimowski將影片拍的節奏很明快,笑點也不少,光看男主角被胖貴婦「侵犯」的樣子就讓人忍不住哈哈大笑。而他在經歷了一連串的蠢事,最後終於一償幻想宿願的背後,呈現的是情竇初開的少男,初探成人世界的愛情遊戲,體驗到了無法壓抑的衝動、喜悅、憤怒與迷惘。藉由Mike這個年輕的角色,同時展現了年輕愛情的執著能量,與身陷迷戀之中無法自拔,相當超脫現實的愛情觀點。

我很喜歡電影中幻想的段落,特別是Mike抱著疑似 Susan的裸女立牌沉入游泳池中、而立牌又轉化成真人的片段,虛實交錯,正與劇中四角戀的交雜感相互映,我們猜不透Susan到底對誰才是真心的,觀眾也跟Mike一樣困惑:她這一秒是不是喜歡上我了呢?

散場時好像聽到一些觀眾不太喜歡結局,我倒覺得Mike不小心失手誤傷(殺)了Susan、兩人沉入游泳池底(與幻想呼應)的處理,挺有英國式的黑色幽默非常特別。男主角John Moulder-Brown年輕實非常可愛,尤其是劇裡以為自己牙齒被打掉了、結果發現牙齒還在的失而復得傻笑真的非常促咪,google了一下現在已經是大叔中的大叔了,歲月阿!

飾演Susan的Jane Asher,在劇中都是很典型的60年代英倫女孩裝扮:白長靴、A字型花洋裝、鮮艷的漆皮大衣,很有時代感,我覺得她的紅髮與眼神相當迷人,查了一下沒想到竟是Paul McCartney的前女友!她也因此片拿到了英國金像獎的最佳女配角。

Wednesday, November 09, 2011

【2011 金馬影展】計程車司機 Taxi Driver (1976)

我好像很少影展會選到十部片,今年不知道怎麼回事,卯起來選片,但最終還是有所節制...刪刪減減變成這樣的片單,可能最近看電影的胃口稍微好轉,覺得可以衝一下,再加上我的御用選票手凱特小姐又身先士卒幫我劃位,片單一不小心突破二位數根本就是一定會發生的嘛。另外就是,今年請林小乙設計這個暗暗色系的金馬主視覺我個人還滿喜歡的。

這次看的十片是:

《計程車司機/馬丁史柯希斯》(美)
《秒速五公分/新海誠》(日)
《浴室春情/Jerzy Skolimowski》(德/美)
《東京公園/青山真治》(日)
《殺不到的仇人/趙元熙》(韓)
《平凡人物的號角/Eve Wood》(英)
《梅里葉魔幻電影音樂會/Marie-Hélène & Lawrence Lehérissey》(法)
《萬花嬉春/Stanley Donen》(美)
《密陽/李滄東》(韓)
《泥河/小栗康平》(日)

「我已經開計程車開了三十年,甚至有十年是夜班,你知道為什麼我至今沒有一台自己的計程車嗎?因為我想要有自己的人生。」這是「先知」與Travis─兩個在髒亂瘋狂的紐約城市裡討夜生活的計程車司機間的對話。

計程車司機是一部非常紐約的電影,取景的地點大概位在曼哈頓的13街與第2、3大道間、東13街202號(Rooms Doorway)、東13街226號(公寓槍戰)、第3大道與13、14街間、Ed Sullivan 劇院,我想專業的死忠粉絲們應該樂意花時間按圖索驥走個幾次這些路線。導演馬丁史柯西斯把一個城市最光鮮、也最腐敗的一面,透過一個大夜班計程車司機的城市觀點展現給觀眾。因此上一秒下車的可以是正經八百的政客,下一秒入車的是醉醺醺的大老闆與妓女。

我最近好像用了過多男性浪漫這個形容詞...(突然覺得有點詞窮...還是我最近真的看了很多同樣類型的片?),但這片真的是男性英雄主義式的浪漫經典片呀!除了經典片段如Travis在家對著鏡子揮舞著槍、練習著那句「Are you talking to me?」(快速舉槍)、想要救小雛妓逃出火坑之外,最後那個倒在血泊中用手指著太陽穴做的開槍動作,都完全是男性觀眾最熱愛的耍帥元素阿。


33歲的勞勃狄尼洛實在非常帥氣,把一個退役軍人在社會中找不到人生意義的茫然感、被心儀女生甩了開始變得暴力偏激的陰沉、和最後找到自己可以生存方式的心境轉換詮釋得很好。有趣的是,導演馬丁史柯西斯在這片裡也尬上一角,他飾演那個想幹掉偷情老婆的乘客實在讓人非常神經緊繃。

13歲的茱蒂福斯特,當初她接演這個雛妓的角色引發起一陣喧然大波,她小時後非常漂亮,跟長大後的知性風貌完全是不一樣的Style。

究竟什麼樣的電影可以被稱之為經典?在此引用蛋堡《經典》一曲裡的歌詞:「什麼叫做超經典/不會被忘/不會被換/不會被停止不停地唱」《計程車司機》就是一個最好的例子,我們可以在這部片裡找到後續無數佳片靈感的源頭:無論是落日殺神疏離夜色、或落日車神的冷硬風格、還是Leon的大男人小女孩的紐約生存與逃亡,然後也許我們不會記得整個故事的劇情,但留下的片段記憶就是那麼令人印象深刻。

Thursday, November 03, 2011

【電影】安迪沃荷與他的情人 Factory Girl (2006)

"It's better to burn out than to fade away." Kurt Cobain,1994.

我想這段出自Neil Young歌曲的歌詞、然後又被Kurt Cobain遺書裡引用的文字,用來描述Edie Sedgwick的一生非常貼切。她就是這樣活的不顧一切、渴望被愛的人,而她的瘋狂人生也成為後世無數藝術作品的謬思。

下面這張劇照的靈感,應該就是來自上面這張《Factory》工廠的員工大合照。Andy Warhol的「工廠」工作室,匯集了60年代紐約最前衛的藝術家、戲劇家、作者、畫家、表演工作者、導演...,一群人鎮日在工廠瞎混、聊天、抽菸喝酒打屁(偶爾吸個毒),聊藝術概念、談左派思想、拍實驗電影,而Andy Warhol就在這個地方生出那一張張普普藝術的代表作。

Andy Warhol:...你知道的,最近的社會趨於冷漠,人們不關心他人,我的作品就是反映這些事情。

記者:就像你當初跟Edie分手後一樣嗎?你知道她昨天去世了嗎?

Andy:...噢這我知道,...但你說分手,好像我們有一段甚麼似的...但你知道的,我當初其實沒有那麼了解她。(鏡頭特寫)

純就藝術創作來看,我個人其實還滿喜歡Andy warhol的作品,但就過往的經驗來看,成功的藝術家通常也是成功的混帳,除了天分,如果能再混和一些善操作媒體的狡猾習氣、特立獨行的外表和古怪的脾氣、一些目中無人的傲氣以及一些陰影與自卑,簡直就是無敵了,而Andy Warhol就是集上述全部條件於一身的傢伙。

我猜可能有些人會覺得蓋皮爾斯詮釋的稍稍過火,但我自己倒是挺喜歡他的演出的。因為除了檯面下古怪難相處、嘴巴機車的商人氣息之外,他也把Andy warhol性格上自卑(因此他極度崇拜漂亮的人事物)與狡猾(他傷害Edie的方式,挖Edie倉疤)、小心翼翼與脆弱(帶 Edie見他媽媽)、愛吃糖愛講電話、宗教信仰...等細節都展現得很好。

我特別喜歡後段在 Edie死去後的記者訪談,那一段攝影機拍得非常近,問題也很尖銳,Andy Warhol冷靜自持的表情上,透著鏡片的瞳孔閃過了一絲陰影。一種很細微的動搖。
這張是我最喜歡的Edie Sedgwick的照片,不但有她最經典的造型(金短髮與大耳環),她笑得很開的笑容(註冊商標)與菸酒不離手的行為,完全就是這女孩短暫一生的最佳側寫。

老實說,由席安娜米勒來飾演傳奇的60年代紐約時尚icon Edie Sedgwick其實有點勉強,一來是Edie的長像是屬於古靈精怪式的甜美,席安娜米勒長的算是成熟的;二來是席安娜米勒其實年齡已經超過過Edie當時的年紀了,所以整個就是比較顯老一點。不過仔細想想,選擇席安娜其實也不失為一個好選擇,因為我對這女明星的八卦娛樂印象遠遠超過她的作品(完全想不出有任何代表作),這種不上不下的感覺,與Edie短暫空虛的浮華人生還挺吻合的。(而且也露點的挺大方的我們還能要求甚麼)

不過整部片看的出她很努力在演繹這樣極度瘋狂的人生,a poor little rich girl,以及相當賣力地模仿edie笑得很開懷的笑容。

Andy Warhol:「Edie Sedgwick是60年代最美好的事物。」

Edie Sedgwick是60年代風靡整個藝文界的時尚Icon,有YouthQuaker、地下電影皇后的稱號,是個浪擲千金的富家女,生活瘋狂、我行我素、怪異又獨創潮流。短短的金髮、誇張的耳環、黑色Legging、甜美笑容與臉頰上的痣是她的註冊商標。參與過的「工廠」出品的電影有:《Vinyl》、《 Horse》與 《Online》、以及著名的《The Poor Little Rich Girl Saga》系列,當然還留下了數不清的攝影作品。

她出身極度顯赫的權貴之家(不知道第幾代的曾祖父還是簽署美國獨立協定的成員之一),然而終其一生中都活在家族性醜聞、在精神病院裡自殺的兄長對她造成的陰影與痛苦中。

看來看去,我覺得更適合扮演這位60年代「IT Girl」的是21世紀的英國It Girl名模Agyness Deyn,不僅臉型像、造型與個性也都有點像(可惜Agyness太大隻)。

 "In the future everyone will be world-famous for 15 minutes."Andy Warhol.

我想Andy再說出這句話的時候,這15分鐘的名望應該不包含他自己才對,聰明如他,自然是靠著創造他人的15分鐘名望為自己帶來歷史性的傳奇永恆。

Edie Sedgwick並沒有只爆紅15分鐘,但兩人交好的時間也相當短暫。Andy與Edie的互相吸引,其實是必然的結果。Andy Warhol對自己的外貌有一種自卑感,因此他天生對外表極具吸引力的人相當崇拜,Edie對他而言就像是一股強烈聚光燈,把自己的陰暗都照亮了。

Edie在Andy身上找到的是集眾人寵愛於一身的歸屬感,非常、非常多的愛戴,如公主般的受寵。她在家族裡被視為異端的性格,在Factory裡不但受到膜拜還創造了風潮,兩人魚幫水水幫魚,同時在感情上也建立起某種程度的認同感。

但根據事實, Andy Warhol其實是很公開的同志,所以我不認為他們之間有所謂愛情,其實滿像小女生間過度黏膩的友情或是一種商業關係,在吸引的強度背後也脆弱地承受不住所謂背叛,因此在 Edie與Bob Dylan發展出戀情後,Andy Warhol很果決地斬斷Edie身邊的人脈與一切,也馬上找到了下一個新玩具─Velet Underground的德國主唱NICO,一樣是站在舞台就吸引注眾人目光的焦點。或許身為後世旁觀者,我們也不能怪他太冷血,因為Andy Warhol的遊戲規則,早在一開始就告訴你了。
Andy Warhol和Bob Dylan的合照,記得當初展覽時看到覺得「這真是歷史性的一刻」。Andy-Edie-Bobby這段三角戀算是整部電影一個很吸引人的元素(也是當時藝文界相當轟動的一段八卦),但這兩位男性其實並不對盤,除了藝術理念的違和,Bob Dylan一直覺得Andy是一個吸血鬼,在吸完Edie的血之後就會將她拋棄。電影中兩人在工廠針鋒相對的一段滿有意思的。

Hayden Christensen飾演的Billy Quinn很明顯就是Bob Dylan,不過我想因為他與Edie一段比較算是地下情(他後來被發現已婚,因此Edie與他分手)因此電影裡選擇用了一個假名,我覺得Hayden Christensen 演出的還不錯,有抓到神韻,帥度十足。

據說在這部電影上映後,Bob Dylan本人(畢竟三個主角只剩他老人家還在世)一狀告上法院,覺得電影影射因為他的關係Edie才死亡的,但事實是,這兩人除了彼此,私生活也是各自精彩,據聞Jim Morrison和Mick Jagger都跟 Edie交往過。而她在離開 Andy並與Bob Dylan分手後,毒癮大爆炸過得相當潦倒也敗光家產,電影裡演的讓人不忍卒睹。

我很奮力地在網海搜尋,並沒有找到任何Edie和Dylan的合照(照電影情節,他們不但有合照還上了報紙頭條),兩人的一段情雖然經過當事人認證(Edie還曾經簽給Dylan的經紀人當藝人),但還是相當具神秘色彩。因此最後就放上兩位演員詮釋的照片,替Edie紀念一下她人生中最快樂的一段時光。